Für mich ist Oz Perkins aber ein Regisseur geworden, bei dem ich die Lauscher aufmache, seit er den Film Longlegs gemacht hat. Ein wirklich verstörender Thriller mit Nicolas Cage als Antagonist. Ich habe mitbekommen, wie man diesen Film sowohl gefeiert als auch gehasst hat, ich selbst mochte aber die sehr weirde Herangehensweise und den Mut, hier mit sehr unangenehmen Szenen zu spielen. Es war eine Art Vorreiter zu dem, was dieses Jahr der Film Weapons wurde. Auch The Monkey empfand ich persönlich als wirklich unterhaltsame Horrorkomödie voller kreativer Energie und wirklich verdammt witzigem Humor.

Keeper geht hier jetzt einen anderen Weg. Es ist eher ein ernster Horrorfilm voller klassischer Elemente und dem bekannten Oz-Perkins-Charme. Warum das diesmal aber nicht reicht, ihr dem Film im Kino aber trotzdem eine Chance geben solltet, erfahrt ihr in dieser Filmkritik.

Weird ist dieser Film auf alle Fälle…

Erstmal vorweg: Wir durften uns vorab den Film im Heimkino ansehen und haben dadurch keinen wirklichen Bezug zur Kinofassung. Der Film erscheint genau heute am 20. November in den Kinos, sieben Tage nach dem US-Kinostart. Keeper handelt von Liz, die zu ihrem Jubiläum mit ihrem Partner Malcolm auf ein romantisches Wochenende in eine einsame Hütte mitten im Wald fährt. Doch kaum sind sie angekommen, wird Malcolm unerwartet zurück in die Stadt gerufen und Liz bleibt allein in der Stille des Waldes zurück. Was zunächst wie eine harmlose Nacht in Abgeschiedenheit wirkt, verwandelt sich rasch in einen Albtraum, als in der Hütte eine ungreifbare, finstere Präsenz erwacht, die Stück für Stück ihre grausigen Geheimnisse offenbart.

Keeper ist auf alle Fälle eines: richtig schön weird. Egal ob es die Hauptfigur ist, die Scheiße isst, oder das wirklich komische Verhalten von Malcolm, hier gibt es sehr viele unangenehme Szenen. Es ist auch nicht dieses Cringe-unangenehm, sondern das Oz-Perkins-unangenehm-schauderhafte, das ich auch schon in Longlegs mochte. Hier sind so viele Szenen dabei, die mir richtig gut gefallen haben. Besonders das Ende und das Monsterdesign sind für mich persönlich das klare Highlight dieses Films. Ich hoffe sehr, mehr von den Monstern zu sehen und zu erleben, wohin sich dieses Ende entwickeln kann, wären da nicht…

…leider nur sehr langweilig.

Wären da nicht die vielen langweiligen Momente, welche die nicht vorhandene Geschichte ständig ausbremsen. Hier kommt nämlich das Ding: Ich brauche im Horror keine gute Story oder eine Handlung, die wirklich gut ist, wenn der Horror oder zumindest die Spannung stimmt. Das ist hier teilweise auch der Fall, der gute Horror wird aber ständig von purer Langeweile unterbrochen, die so gar nichts zur Geschichte oder zu den Charakteren beiträgt. Auch der Horror wird so gar nicht von diesen Momenten untermauert. Wenn nichts passiert, dann passiert auch einfach nichts. Es fühlt sich einfach nicht ausgereift an und als hätte man noch Zeit gebraucht. Vielleicht ist das auch so, bedenkt man, dass es neben The Monkey sein zweiter Film dieses Jahr ist.

Und naja, durch all das bleibt man einfach mit einem Film zurück, der zwar echt gute Momente bietet, welche aber von nicht ganz so guten Szenen und einer miesen Handlung überschattet werden. Ich weiß so sehr, dass Oz Perkins das besser kann und deswegen bleibe ich dem Regisseur treu, auch wenn Keeper eher ein Fleck auf der sonst so weißen Weste des Horrorregisseurs wird.

Fazit zu Keeper:

Keeper ist ein Film, der zweifellos Mut beweist und sich nicht davor scheut, dem Publikum ein seltsam verstörendes Erlebnis zu bieten. Die kreative Handschrift von Oz Perkins ist in jeder Szene spürbar. Besonders das unheimliche Monsterdesign und das starke Finale zeigen, wie viel Potenzial in diesem Konzept steckt und wie gut der Regisseur unnötige Konventionen umgehen kann, um etwas Eigenes zu schaffen.

Gleichzeitig kämpft der Film jedoch mit einer träge erzählten Handlung, die immer wieder in langatmige Momente abrutscht. Diese Passagen nehmen dem Horror die Wucht und bremsen die Spannung spürbar aus. Man merkt, dass hier vieles atmosphärisch funktioniert, aber nicht alles dramaturgisch. Das sorgt am Ende dafür, dass manche Szenen stark beeindrucken, während andere schlicht verpuffen.

Trotz dieser Schwächen bleibt Keeper ein Film, den man sich als Horrorfan durchaus ansehen sollte. Er zeigt, wohin sich Oz Perkins entwickelt und welche ungewöhnlichen Wege er für seine Visionen wählt. Wer sich auf die merkwürdige Stimmung einlassen kann und geduldig bleibt, wird mit einigen wirklich faszinierenden Momenten belohnt. Auch wenn dieser Film nicht an seine stärkeren Werke heranreicht, macht er neugierig auf das, was der Regisseur als Nächstes erschaffen wird.

Die nackte Kanone mit Liam Neeson? Ernsthaft ?

Frank Drebin Jr. ist der Sohn des legendären Lt. Frank Drebin Sr. Im Los Angeles Police Department ist er bekannt dafür Bankräuber auf eine ganz besondere Art und Weise auszuschalten. Schon am Anfang des Films wird klar das der Humor der letzten drei Teile weitergeführt wird. Doch die Vorgesetzten finden den Ablauf seiner Ermittlungen nicht wirklich gut und versetzen den guten alten Frank in einen anderen Fall.

Ein Autounfall mit einem Elektroauto der Firma EdenTech ist sein neuer Fall. Dabei kam der Softwareentwickler Simon Davenport ums Leben. Frank Drebin Jr. ermittelt weiter auf seine spezielle Art und Weise und findet die ersten Hinweise. Danach trifft er sich mit Beth Davenport, der Schwester des Opfers. Diese wird gespielt von Pamela Anderson. Wer die ersten drei Filme kennt der wird unglaublich viele kleine Dinge erkennen, die auch dort eine Rolle gespielt haben.

Humor an allen Ecken und Enden

Der Humor ist tief in der untersten Schublade zu finden aber dennoch amüsant. Die nackte Kanone hatte schon immer einen ganz speziellen Humor, der zwischen völlig bescheuert und absolut amüsant wechselt. Wir haben sehr oft geschmunzelt weil man auch auf die Kleinigkeiten im Hintergrund achten sollte. So gibt es im LAPD einen Raum für die Cold Case Fälle der an einem Eisschrank erinnert.

Frank Drebin Jr. holt sich im Laufe des Films Hilfe seines Vaters indem er ihn mitteilt das er ihm eine Eule schicken soll. Leslie Nielsen spielt im Film natürlich keine Rolle – aber im Form einer Eule ist er doch wieder dabei. Und so hilft sie ihm am Ende des Films. Alleine diese Situation reicht schon aus um zu wissen das Die nackte Kanone nichts an seinem Witz eingebüsst hat. Auch wenn die ersten drei Teile schon länger her sind kann Liam Neeson in der Rolle als Frank Drebin Jr. überzeugen.

Super Job von Liam Neeson

Auch wenn er eher für Action-Filme bekannt ist nimmt man ihm seinen Humor ab und er macht seinen Job perfekt. Auch Pamela Anderson kann als Filmpartnerin überzeugen. Und wer genau aufpasst entdeckt im Film auch noch einen ganz kurzen Auftritt von Priscilla Presley. Die Blu-ray bietet eine tolle Bildqualität und einen exzellenten Dolby Digital 5.1. Sound, welche wir auf unserer Playstation 5 abgespielt haben,

Fazit:

Die nackte Kanone ist ein würdiger Nachfolger der legendären Film-Reihe und kann mit Liam Neeson in der Hauptrolle überzeugen. Beim ersten Trailer waren wir ein wenig skeptisch und dachten das es eventuell in die Hose gehen könnte. Doch die wie immer verdammt lustige Story, die vielen kleinen völlig bescheuerten Gags und der Cast des Films hat uns abgeholt und wir hatten einen spaßigen Filmabend. Fans der Reihe sollten sich diesen Film unbedingt gönnen. Wer nicht ganz so auf überdrehten Humor und Slaptstick steht, der sollte vielleicht doch vorher den Trailer anschauen.

Mr. No Pain ist ein Actionfilm, der im März erschienen ist. Im Mittelpunkt steht Nathan, der aufgrund einer seltenen genetischen Störung keinen Schmerz empfinden kann. Der Originaltitel Novocaine verweist auf ein Lokalanästhetikum und passt inhaltlich sehr gut. Dennoch finde ich den deutschen Titel ebenfalls passend und stimmig.

Wir hatten die Gelegenheit, die Blu-ray des Films schon vor dem offiziellen Release im Juni zu testen. Ob sich der Kauf lohnt oder ob man lieber die Finger davon lassen sollte, erfahrt ihr jetzt.

Mr. No Brain

Nathan Caine lebt mit einer Krankheit, die ihn völlig unempfindlich für Schmerzen macht. Als seine große Liebe bei einem brutalen Banküberfall als Geisel genommen wird, wird aus seiner Schwäche eine ungewöhnliche Stärke. Getrieben von Verzweiflung und dem festen Willen, sie zu retten, begibt er sich auf einen gnadenlosen Rachefeldzug. Er kennt keine Schmerzgrenze und geht bis ans Äußerste.

Viel mehr passiert inhaltlich eigentlich nicht. Mr. No Pain ist ein geradliniger Film, bei dem man einfach mal abschalten kann. Die Figuren bleiben weitgehend oberflächlich. Besonders die Bösewichte handeln extrem klischeehaft – sie ballern auf alles, was sich bewegt, ohne auch nur einen Moment innezuhalten. Das wirkt oft albern und wenig glaubwürdig, als hätte man ihnen jedes Maß an Realismus genommen.

Trotzdem liegt genau darin die Stärke des Films. Die rohe Brutalität und die einfache, direkte Erzählweise haben für mich erstaunlich gut funktioniert. Mr. No Pain macht Spaß, von Anfang bis Ende. Die Art, wie mit der Schmerzlosigkeit der Hauptfigur gespielt wird, ist richtig einfallsreich. Auch bei der Auswahl der Waffen wurde nicht gespart, was den Actionfan in mir sehr glücklich gemacht hat. Wer auf kreative Ideen steht, wird hier viel Freude haben. Für mich war das ein echter Überraschungshit.

Mr. No Frame

Wenn ihr euch fragt, ob man sich den Film lieber digital oder auf Blu-ray holen sollte: Die Blu-ray überzeugt technisch in jeder Hinsicht. Das Bild ist durchgehend scharf, ohne erkennbare Schwächen. Gerade in den Actionszenen kommen die Effekte und die kreative Gewalt so richtig zur Geltung. Auch der Ton ist klar und gut abgemischt. Das Menü ist übersichtlich, alles funktioniert reibungslos.

Und ja, es gibt Bonusmaterial. Drei Kurzfilme geben spannende Einblicke in die Produktion. Das ist zwar nicht viel, aber immerhin mehr, als viele andere Discs bieten. Für Filmfans, die gern hinter die Kulissen schauen, definitiv ein Pluspunkt.

Aktuell liegt der Vorbestellerpreis bei 14,99 Euro – und allein der Film ist dieses Geld meiner Meinung nach schon wert. Wer auf klassische Action steht und Lust auf einen besonderen Twist hat, kann hier nichts falsch machen.

Fazit zu Mr. No Pain:

Mr. No Pain ist ein Film, der ganz genau weiß, was er sein will – und das auch konsequent umsetzt. Wer auf der Suche nach einem tiefgründigen Drama mit vielschichtigen Charakteren ist, wird hier sicher nicht fündig. Stattdessen erwartet einen ein geradliniger, kompromissloser Actionfilm, der seine Prämisse voll auskostet: Ein Mann, der keinen Schmerz empfinden kann, kämpft sich durch eine Welt voller Gewalt, um das zu retten, was ihm am meisten bedeutet.

Gerade diese Ausgangssituation bringt eine erfrischende Dynamik mit sich. Die Tatsache, dass der Protagonist keine Schmerzen spürt, eröffnet erzählerisch wie inszenatorisch viele kreative Möglichkeiten – und der Film nutzt sie mit sichtbarer Freude. Es wird experimentiert, übertrieben und gnadenlos durchgezogen, was in anderen Filmen vielleicht zu viel gewesen wäre. Doch hier passt es ins Konzept. Die Gewalt ist stilisiert, fast schon comicartig überzeichnet, und genau dadurch funktioniert sie erstaunlich gut.

Natürlich bleibt dabei einiges auf der Strecke. Die Nebenfiguren sind meist blass, die Dialoge nicht immer ausgefeilt und die Handlung folgt einem sehr klassischen Muster. Doch das stört erstaunlich wenig. Mr. No Pain punktet nicht durch Raffinesse, sondern durch Energie, Tempo und einen gewissen Mut zur Übertreibung. Wer sich darauf einlässt, wird mit einem unterhaltsamen Ritt belohnt, der keine Sekunde langweilig wird.

Nicht zu unterschätzen ist auch der Spaßfaktor. Der Film nimmt sich selbst nicht zu ernst, lässt aber trotzdem genug Spannung aufkommen, um mitzufiebern. Diese Balance ist nicht leicht, doch Mr. No Pain trifft den Ton genau richtig. Gerade Actionfans, die genug von austauschbaren Blockbustern haben, dürften hier auf ihre Kosten kommen. Es ist diese Mischung aus roher Wucht und spielerischer Kreativität, die dem Film seine eigene Identität verleiht.

Unterm Strich ist Mr. No Pain kein cineastisches Meisterwerk – will es aber auch gar nicht sein. Stattdessen liefert er solide, handgemachte Action mit einem cleveren Twist und viel Tempo. Wer einfach mal abschalten will und Freude an stylischer Inszenierung und einer ungewöhnlichen Hauptfigur hat, wird hier bestens bedient. Ein Film, der nicht lange nachwirkt, aber in dem Moment, in dem man ihn schaut, einfach Spaß macht. Und manchmal ist genau das genug.

Zugegeben, der Titel sagte mir zunächst gar nichts. Aber als ich mir den Inhalt durchgelesen hatte, war schnell klar: Das könnte richtig Spaß machen. Ob der Film dieses Versprechen hält oder ob ihr lieber zu einem anderen Vertreter des Genres greifen solltet, erfahrt ihr in dieser Kritik zu Take Cover.

Action in nur einem Raum

Sam Lorde war über Jahre hinweg als eiskalter Auftragskiller gefürchtet – ein Meister seines Fachs, tödlich präzise. Doch jetzt will er aussteigen. Nur noch ein letzter Auftrag – so der Plan. Doch ausgerechnet dieser entpuppt sich als Falle: Sam wird selbst zur Zielscheibe.

Gefangen in einem gläsernen Penthouse, hoch über der Stadt, ohne Deckung oder Fluchtmöglichkeit, beginnt für ihn ein gnadenloser Überlebenskampf. Was bleibt, sind sein Instinkt, seine militärische Ausbildung – und die Tatsache, dass diesmal mehr auf dem Spiel steht als nur sein Leben.

Ein Großteil von Take Cover spielt tatsächlich nur an einem einzigen Ort: einem stylischen Penthouse. Dort soll Sams letzter Job über die Bühne gehen – doch schnell wird es zum Schauplatz eines Katz-und-Maus-Spiels auf Leben und Tod.
Der Titel ist dabei Programm: „Take Cover“ – in Deckung bleiben – wird zur obersten Überlebensregel. Solche Kammerspiele können schnell monoton werden, wenn nicht genug kreative Ideen vorhanden sind. Doch Regisseur Nick McKinless schafft es erstaunlich gut, die Spannung über die gesamte Laufzeit aufrechtzuerhalten. Die knapp 90 Minuten sind kompakt, straff erzählt und durchweg unterhaltsam.

Non-Stop Action ohne Langeweile

Vielleicht liegt es auch an der Kürze des Films, aber Take Cover kommt ohne Längen aus. Zwar nimmt sich der Film an manchen Stellen Zeit für kleinere Charaktermomente, doch ab der Eröffnungsszene gilt: Action, Action, Action – und die ist wirklich hervorragend choreografiert.

Klar: Die Story selbst ist eher schlicht gehalten, und die Eröffnungsszene wirkt rückblickend etwas ziellos. Aber genau das gleicht der Film durch seine packenden Actionsequenzen locker wieder aus. Es ist genau die spaßige Actionorgie, auf die ich gehofft hatte.

Auch die schauspielerischen Leistungen können sich sehen lassen. Natürlich wird hier kein oscarreifes Drama abgeliefert, aber das ist auch gar nicht nötig. Der Cast liefert genau das, was man für einen unterhaltsamen Actionfilm braucht – glaubwürdige Präsenz und überzeugendes Timing.

Sound und Bildqualität der Blu-ray sind ebenfalls top. Das Bild ist klar, ohne störende Fragmente, und auch der Soundtrack kommt kraftvoll rüber. Extras bietet die Blu-ray zwar kaum, aber das ist zu verschmerzen, wenn man dafür einen soliden Actionfilm bekommt, der locker einen unterhaltsamen Nachmittag oder Abend füllt.

Fazit zu Take Cover:

Take Cover ist ein klassisches Beispiel dafür, wie viel Spannung und Intensität man auch mit einem minimalistischen Setting erzeugen kann. Statt auf große Schauplätze oder spektakuläre Locations zu setzen, konzentriert sich der Film ganz auf ein enges, überschaubares Szenario – ein Penthouse als tödliche Falle. Dieser Fokus funktioniert erstaunlich gut, weil Regisseur Nick McKinless versteht, wie man mit einfachen Mitteln effektive Spannung aufbaut. Das Ergebnis ist ein Kammerspiel voller Tempo, das sich fast wie ein Videospiel-Level anfühlt, in dem jede Bewegung zählt und jeder Fehler tödlich sein kann.

Stärken zeigt der Film eindeutig in seiner Action: Die Kämpfe sind dynamisch inszeniert, clever choreografiert und – was besonders wichtig ist – angenehm bodenständig. Es wird nicht übertrieben, sondern präzise gearbeitet. Die Actionszenen wirken dadurch glaubwürdig und intensiv. Scott Adkins, der in der Hauptrolle einmal mehr sein Können zeigt, trägt viel zur Wirkung des Films bei. Er bringt sowohl physische Präsenz als auch eine gewisse Ruhe mit, die gut zu seiner Figur des erfahrenen Profikillers passt.

Schwächen hat Take Cover eher im erzählerischen Bereich. Die Story ist sehr simpel gestrickt und bietet wenig Überraschungen. Auch der Einstieg wirkt etwas unentschlossen und scheint nicht viel zur eigentlichen Handlung beizutragen. Wer hier auf tiefgründige Charakterentwicklung oder große emotionale Momente hofft, wird enttäuscht. Doch der Film macht keinen Hehl daraus, was er sein will – ein schnörkelloser, direkter Actionfilm, der seine Prioritäten klar setzt.

Technisch gibt es wenig auszusetzen. Bild und Ton der Blu-ray sind hochwertig und lassen die Inszenierung gut zur Geltung kommen. Die reduzierte Ausstattung der Blu-ray ist angesichts des kompakten Films zu verschmerzen – hier steht das pure Filmerlebnis im Vordergrund. Für Fans von schnörkelloser Action, die auf clevere Spannung und kompromisslose Dynamik stehen, ist Take Cover auf jeden Fall einen Blick wert.

Unterm Strich bleibt ein kurzweiliger, spannender Actionthriller, der vor allem durch seine dichte Atmosphäre, solide Inszenierung und starke Hauptfigur punktet. Kein Meilenstein des Genres, aber definitiv eine gelungene Abwechslung für zwischendurch – vor allem, wenn man einfach mal 90 Minuten lang abschalten und sich von sauber inszenierter Action mitreißen lassen möchte.

Und jetzt? Jetzt ist Ein Minecraft Film ein voller Erfolg.
Er hat massenhaft Kinobesucher angelockt und ist gleichzeitig auf TikTok und anderen Plattformen regelrecht explodiert. Dass es so kommt, hätten wohl nur die wenigsten geglaubt. Warum ich trotzdem finde, dass Ein Minecraft Film eigentlich ein guter Film ist – aber durch Memes und eine etwas unpassende Zielgruppenansprache für mich nicht ganz der erhoffte Blockbuster wurde – das erzähle ich euch in dieser Kritik.

Ein guter Minecraft Film

Worum geht’s? Vier Außenseiter werden durch ein mysteriöses Portal in die Überwelt gezogen – eine magische, kubische Welt voller Gefahren und Fantasie. Dort treffen sie auf den Crafter Steve, der sie auf eine abenteuerliche Reise begleitet. Nur wenn sie zusammenhalten und über sich hinauswachsen, können sie den Weg zurück nach Hause finden.

Wer jetzt denkt: „War’s das schon mit der Story?“, liegt nicht ganz falsch. Zwar gibt es noch einen Subplot und einige interessante Wendungen, aber im Großen und Ganzen bedient sich der Film vieler bekannter Klischees, ohne diese wirklich neu zu interpretieren. Und trotzdem: Ich mochte den Film. Sogar sehr. Es ist ein farbenfrohes, charmantes Abenteuer mit liebenswerten Figuren und ganz viel Minecraft-Flair. Für mich ein echter Nostalgietrip – auch wenn ich den Film vermutlich erst Freunden empfehle, sobald er auf Prime oder einer anderen Plattform verfügbar ist.

Ein zerstörter Minecraft Film

Kommen wir zu meinem größten Kritikpunkt – der Kinoerfahrung. Wenn ihr in die englische Originalfassung geht, kann es euch passieren, dass euch Popcorn ins Gesicht fliegt. Kein Scherz. Klar, in deutschen Kinos ist das seltener, aber durch die viralen Memes wurde der Film für mich im Kino teilweise zerstört. Es ist absolut nervig, wenn Leute Oneliner aus dem Film mitrufen – nur, weil sie sie aus TikToks kennen. Das hat nichts mit einem Gemeinschaftsgefühl zu tun. Bei Avengers: Endgame haben alle mitgefiebert – das war emotional, das war echtes Kino. Hier ist es nur sinnfreies Gegröle.

Und das ständige Rumwerfen von Popcorn? Muss wirklich nicht sein. Damit erschwert man nur den Job der Mitarbeitenden im Kino – und versaut sich selbst und anderen das Filmerlebnis.

Kleiner inhaltlicher Kritikpunkt noch: Man merkt deutlich, dass sich der Film eher an ein jüngeres Publikum richtet. Viele Anspielungen sind recht oberflächlich gehalten, damit auch Minecraft-Neulinge mitkommen. Für meinen Geschmack ist der Schnitt etwas zu hektisch, und ich hätte mir mehr Raum für Charakterentwicklung gewünscht. Vielleicht wird das ja in einer möglichen Fortsetzung besser umgesetzt. Ich hoffe es zumindest – denn der Film an sich hat mir, trotz allem, wirklich gut gefallen.

Ein starker Minecraft Film

So, genug gemeckert – kommen wir wieder zu den positiven Dingen! Die Schauspieler, vor allem Jack Black und Jason Momoa, liefern richtig ab. Man merkt ihnen die Leidenschaft an, sowohl fürs Schauspiel als auch fürs Spiel selbst. Die Musik ist super – eine stimmige Mischung aus bekannten Popsongs und den ikonischen Klängen, die man aus dem Spiel kennt.

Auch das CGI hat mich positiv überrascht. Nachdem der Stil im ersten Trailer noch gewöhnungsbedürftig wirkte, hat man im fertigen Film eine gute Balance gefunden. Die Welt wirkt lebendig, aber nicht zu „uncanny“. Eine rein animierte Version hätte ich persönlich trotzdem spannender gefunden.

Und: Die Cameos! Besonders der Tribut an Technoblade war wirklich schön gemacht – emotional und respektvoll. Gerne mehr davon in möglichen Fortsetzungen.

Fazit zu Ein Minecraft Film:

Der Minecraft Film hat mich überrascht – und das auf ganz unterschiedliche Arten. Einerseits ist er genau das, was viele befürchtet hatten: ein quietschbuntes, temporeiches Abenteuer, das sich bewusst an ein jüngeres Publikum richtet und dabei eine recht vorhersehbare Geschichte erzählt. Andererseits ist er aber auch viel mehr als nur eine schnelle Videospielverfilmung mit ein paar Gags und bekannten Gesichtern.

Was mich besonders berührt hat, war die spürbare Liebe zum Detail. Die Macher haben sich sichtlich Mühe gegeben, die Welt von Minecraft so auf die Leinwand zu bringen, dass sich sowohl Neulinge als auch langjährige Fans abgeholt fühlen. Die Blöcke, die Musik, die Geräusche – es hat einfach Spaß gemacht, in diese würfelige Welt einzutauchen. Auch die Figuren waren sympathisch und charmant, allen voran Steve, der in dieser Version etwas mehr Tiefe bekommen hat, als man es vielleicht erwartet hätte.

Trotzdem bleibt ein gewisser Beigeschmack. Nicht etwa wegen des Films selbst, sondern wegen des Phänomens, das sich rund um ihn aufgebaut hat. Die Meme-Kultur hat dem Film auf der einen Seite enormen Hype beschert – und auf der anderen Seite auch viel von seiner Magie geraubt. Wer den Film im Kino erleben wollte, wurde stellenweise mit einer Atmosphäre konfrontiert, die eher an ein virales Internet-Event als an ein gemeinschaftliches Kinoerlebnis erinnerte. Das ist schade, denn Ein Minecraft Film hätte es verdient gehabt, für das gewürdigt zu werden, was er ist: ein liebevoll umgesetztes Abenteuer mit Herz.

Zudem hätte ich mir manchmal etwas mehr Mut zur Tiefe gewünscht. Nicht jeder Film muss philosophisch sein, aber ein bisschen mehr Charakterentwicklung und weniger Schnittgewitter hätten dem Ganzen gutgetan – gerade für ältere Fans, die mit Minecraft groß geworden sind. So wirkt der Film wie ein sehr unterhaltsames, aber eben auch leicht austauschbares Erlebnis, das nicht allzu lange nachhallt.

Am Ende bleibt für mich aber trotzdem ein positives Gefühl. Ein Minecraft Film ist ein stimmungsvolles, kreatives Spektakel, das es schafft, den Geist des Spiels einzufangen und auf die große Leinwand zu bringen. Für Kinder, Familien und alle, die einfach mal wieder in eine vertraute Fantasiewelt abtauchen wollen, ist dieser Film definitiv ein Erlebnis wert. Ich bin gespannt, ob und wie eine mögliche Fortsetzung auf die Kritikpunkte eingeht – und hoffe, dass sie sich traut, noch ein bisschen mehr aus dem großen Potenzial herauszuholen, das Minecraft als Universum bietet.

Dann gab es aber immer mehr Informationen. Neue Geschichte, neue Figuren, dafür aber dasselbe Universum. Im Mittelpunkt steht neben Auradon auch das Wunderland, welches bisher noch nicht in den Originalfilmen aufgenommen wurde. Ich war hyped, sag ich euch. Auch die ersten Trailer haben mir richtig Lust auf den neuen Film gemacht. Dann sind da auch noch Rita Ora als die Herzkönigin und Brandy als Cinderella, welche die Figur schon einmal zuvor in einem anderen Disney-Werk spielen konnte. Was soll da schon schiefgehen? Descendants: The Rise of Red erschien am 12. Juli 2024 exklusiv für die Streaming-Plattform Disney Plus. Ob sich das Anschauen des Films lohnt, erfahrt ihr in dieser Kritik.

Überall und nirgendwo

Descendants: The Rise of Red erzählt uns von Red, der Tochter der in Wunderland herrschenden Herzkönigin. Anders als Auradon ist Wunderland kein schöner Platz, sondern ein von Hierarchie geprägtes Land, das mit einer bösartigen Königin gestraft ist, die allen zur Strafe gerne den Kopf abhacken würde. Red will nicht wie ihre Mutter sein. Sie möchte ihr eigenes Leben führen, wird von der Herzkönigin jedoch ständig zurückgehalten, bis eines Tages die neue Direktorin Uma sich dazu entscheidet, auch Red auf die Auradon Prep einzuladen. Zu Reds Überraschung nimmt ihre Mutter die Einladung an. Beide reisen gemeinsam nach Auradon und treffen dort auf Cinderella sowie ihre Tochter Chloe. Während am Anfang noch alles friedlich erscheint, wandelt sich die Situation schnell. Die Herzkönigin beschwört ihre Soldaten und reißt die Macht der Schule an sich. Dann geraten Red und Chloe durch ein mysteriöses Gerät des verrückten Hutmachers auch noch in die Vergangenheit. Ein wildes Chaos, mit noch wilderen Folgen…

Eigentlich lässt sich die Geschichte noch einfacher herunterbrechen: Böse Königin will Macht an sich reißen, Tochter und ungleiche Freundin reisen in die Vergangenheit und müssen das Ereignis aufhalten, das die Mutter böse gemacht hat. Punkt. Gar nicht so schwer, richtig? Genau hier liegt nämlich auch eines meiner größten Probleme mit dem Film. Der Geschichte fehlt gänzlich ein Höhepunkt. Ich mag die Story und ihre Charaktere wirklich sehr, so sehr, dass ich auch ab und zu mal weinen musste. Trotzdem versucht man die ganze Zeit, den Ball als wichtiges Event herauszuarbeiten, nur um diesen nicht mal zu zeigen und die Geschichte einfach enden zu lassen. Kein wirklicher Höhepunkt außer einem kleinen Kampf, und dann wirkt es auch so, als hätten die gesamten Ereignisse auch ohne Red und Chloe stattfinden können. Mit anderen Worten hat mich der Film einfach mit einem unzufriedenen Gefühl zurückgelassen.

Es ist nicht alles Gold, was glänzt

Das klang jetzt negativ und als ob ihr euch den Film direkt sparen könnt, das wäre aber von meiner Seite gelogen. Wie ich es bereits vorher angedeutet habe, hatte ich ziemlich viel Spaß mit Descendants: The Rise of Red. Ja, der Film hat mit Plotholes zu kämpfen, und ich bin mit dem Ende auch nicht wirklich zufrieden, nichtsdestotrotz konnte ich der Geschichte vieles entnehmen und habe mich auch dabei erwischt, mit den Figuren mitzufühlen. In dem Moment, in dem Cinderella von ihren Eltern erzählt und in dem Red und Chloe erfahren, was mit Ella in der Gegenwart passiert ist, sind mir tatsächlich die Tränen gekommen. Generell hat mich der Film unerwartet mit sehr ernsten Themen überrascht, die nicht nur mit wichtiger Moral versehen sind, sondern auch nicht leichtfertig abgehandelt werden.

Cameron Boyce bzw. Carlos ist im Universum nicht mehr am Leben. Das ist tragisch, aber auch eine der besten Lösungen, die man meiner Meinung nach hätte treffen können. Niemand kann und wird seinen Platz in dieser Welt einnehmen können. Da ist es umso wichtiger, ihm noch einmal Tribut zu zollen, und das hat man toll geschafft. Danke für diesen Moment und danke, Cameron Boyce, für all die schönen Momente, die du uns in den letzten Jahren beschert hast. Wir werden dich sicherlich nicht vergessen.

Und dann gibt es da wie immer noch die Musicalnummern. Ich liebe die neuen Songs und muss sagen, dass ich auch von den Choreographien regelrecht begeistert bin. Wie immer ist es so, dass manche der Szenen relativ lächerlich wirken können („Call us Jaladdin“), trotzdem ist die generelle Qualität super hoch und man sieht das neue Budget an allen Ecken und Enden. Das CGI ist zwar auch besser geworden, hier und da merkt man aber immer noch, dass Descendants keine große Disney-Produktion ist, sondern sich immer noch im kleinen Rahmen befindet. Das macht aber nichts, bedenkt man, wie weit diese Reihe fortgeschritten ist. Eine Fortsetzung wird es mit Sicherheit geben. Ich hoffe sehr, man wird sich mit dieser am neuen Film orientieren und nur die etwas lose Geschichte wieder in ihre Bahnen lenken.

Fazit zu Descendants: The Rise of Red:

Descendants: The Rise of Red bietet den Fans der Reihe eine unterhaltsame Fortsetzung, die mit neuen Charakteren und einer frischen Handlung überzeugt. Trotz einiger Plotholes und einem eher enttäuschenden Ende schafft es der Film, durch emotionale Momente und ernsthafte Themen zu berühren. Die Musicalnummern sind wie gewohnt ein Highlight, und die Choreographien sowie die Songs beeindrucken auf ganzer Linie. Das CGI zeigt Verbesserungen, auch wenn es gelegentlich noch seine Grenzen hat. Besonders bemerkenswert ist der respektvolle Umgang mit dem Verlust von Cameron Boyce, der im Film liebevoll gewürdigt wird. Insgesamt bleibt der Film ein sehenswertes Abenteuer, das die Magie der Descendants-Welt weiterleben lässt und Lust auf mehr macht. Eine zukünftige Fortsetzung hat viel Potenzial, wenn sie die Stärken dieses Films aufgreift und die schwächeren Aspekte verbessert.

Es sollte also niemanden verwundern, wenn ich etwas verwirrt war, nachdem ich die doch echt zerschmetternden Reviews bezüglich Silent Night sehen musste. Wie kann es sein, dass der neueste John Woo Film so schlecht aufgenommen wurde? Mit diesem ersten Ausblick habe ich also keinen Ausflug ins Kino gewagt und erstmal abgewartet, bis der Film auf Blu-ray erscheint. Jetzt hat man Silent Night schon etwas länger fürs Heimkino veröffentlicht. Es hat zwar etwas gedauert, nun habe ich mir aber endlich den Film auch selbst auf Blu-ray angeschaut. Warum ich die Kritiken ungerecht finde und definitiv Spaß mit dem Actionkracher hatte, erfahrt ihr in dieser Kritik zum Film Silent Night.

Da fehlen die Worte

Am Heiligabend des Jahres 2021 ereignet sich eine Tragödie, die das Leben von Brian Godlock für immer verändert. Sein siebenjähriger Sohn wird während eines brutalen Bandenkriegs in einem Kugelhagel getötet. Nach dem direkten Versuch, diese Tat zu rächen, wird Brian selbst schwer verwundet; eine Kugel trifft ihn am Hals und raubt ihm die Stimme. Die Ereignisse hinterlassen nicht nur körperliche, sondern auch seelische Narben. Ein Jahr später, am Heiligabend 2022, während die Stadt in festlicher Stimmung ist und Lichterglanz die Straßen erhellt, plant Brian seine blutige Vergeltung. Gezeichnet von Schmerz und Rachegelüsten macht er sich auf, jeden Einzelnen der Verantwortlichen zur Rechenschaft zu ziehen. Seine Mission ist gnadenlos, und er lässt nichts unversucht, um Gerechtigkeit für seinen Sohn zu erlangen. In einer Nacht, die eigentlich von Liebe und Frieden erfüllt sein sollte, verwandelt sich Brian in einen düsteren Racheengel, der die Beteiligten für ihre Taten büßen lässt.

Eine klassische Rachegeschichte, wie es scheint. Okay – nein – eigentlich scheint es nicht nur so, sondern entspricht auch der Wahrheit. Silent Night ist in seinen Grundfesten nicht mehr als eine klassische Geschichte über Verlust und Rache. Nicht mehr und nicht weniger. Trotzdem war ich zwischendurch immer wieder gehooked und konnte mich von der Action begeistern lassen. Jetzt aber mal ganz von vorne: Der Film bereitet am Anfang ein tolles Mysterium auf. Was ist passiert und warum möchte dieser Mann Rache üben? Ich wurde direkt mitgenommen und musste durch die emotionale Achterbahn auch direkt ein paar Tränen vergießen (ich bin sehr nah am Wasser gebaut). Dann wurde das Mysterium aber viel zu schnell aufgelöst und der Film hat mich direkt wieder verloren. Der Mittelteil ist dann leider wirklich öde und schafft es nicht, eine spannende Story aufzubauen. Dafür ist die Action in der letzten halben Stunde wieder richtig gut, leider etwas zu spät. Zusammengefasst lässt sich Silent Night also so beschreiben: Toller packender Anfang, langweiliger Mittelteil, richtig gute Action am Ende. Wer also mit der Langeweile in der Mitte des Films klarkommt, wird mit einem dennoch guten John Woo Film belohnt.

Action in packendem Full-HD

Wie bereits am Anfang erwähnt, habe ich mir Silent Night in der Blu-ray-Fassung angeschaut. Diese habe ich mir jedoch nicht selbst zugelegt, sondern als Rezensionsexemplar zugeschickt bekommen. Damit kann ich also nicht direkt sagen, ob sich der Film für die derzeit 17,99 € lohnt, ich finde aber schon, dass der Preis für die geringe Substanz der Blu-ray etwas zu viel ist. Auf der anderen Seite bin ich auch der Meinung, dass Fans von Actionfilmen und von John Woo nicht um einen Kauf herumkommen werden, weshalb ich euch empfehle, noch etwas auf eine Preisreduzierung zu warten. Diese wird sicherlich kommen.

Bei der Optik habe ich mal wieder nichts zu meckern. Die Action im Film kann sich in Full-HD richtig sehen lassen und überzeugt mit einem klaren Bild, das keine ersichtlichen Fehler aufweist. Natürlich ist diese Fassung wie immer kein direkter Ausgleich für das Anschauen im Kino, da ich mir selbst den Film aber nicht auf der großen Leinwand geben konnte, bin ich froh, dass diese Version mit dem Bild und der Soundqualität an meiner Soundbar überzeugen konnte. Wer sich also erhofft hat, mit der Blu-ray eine gute, wenn nicht sogar perfekte Version des eigentlichen Films zu bekommen, wird hier sicherlich nicht enttäuscht sein. Es bleibt bei der Frage, ob ihr euch die langweiligen Abschnitte auch mit der Blu-ray antun könnt.

Fazit zu Silent Night:

Silent Night von John Woo ist ein Film, der die Erwartungen an einen klassischen Actionfilm sowohl erfüllt als auch enttäuscht. Die Grundgeschichte über Verlust und Rache ist altbekannt und wird hier ohne viel Innovation präsentiert. Der Film startet stark mit einem packenden Mysterium und emotionalen Momenten, verliert jedoch im Mittelteil stark an Spannung. Trotz der langatmigen Passagen überzeugt das Finale mit intensiver und gut inszenierter Action.

Für Fans von John Woo und actiongeladenen Filmen lohnt sich Silent Night trotz seiner Schwächen. Die Blu-ray-Fassung bietet eine hervorragende Bild- und Tonqualität, was den Filmgenuss im Heimkino angenehm macht. Dennoch sollte man sich auf eine durchwachsene Erzählung einstellen, die nur phasenweise ihr volles Potenzial ausschöpft. Wer mit den ruhigeren Abschnitten zurechtkommt, wird am Ende mit typischer Woo-Action belohnt. Ein Kauf lohnt sich besonders für eingefleischte Actionfans, während Gelegenheitszuschauer eventuell auf eine Preisreduzierung warten sollten.

Und dann sind da noch Filme wie Prom Dates, der mich nicht nur mit seinem überraschenden Ende begeistern konnte, sondern mich auch immer wieder zum Schmunzeln gebracht hat. Die Coming-of-Age-Komödie von Regisseurin Kim O. Nguyen ist bereits seit dem 3. Mai auf Disney Plus verfügbar und ist eine Originalproduktion von dem amerikanischen Sender Hulu, der hierzulande als Disney Star auf Disney Plus zugänglich ist. Wer also ein Abo besitzt, hat keinen Grund, den Film nicht zu schauen. Bevor ihr aber euren nächsten Filmabend plant, lasst mich euch in dieser Kritik sagen, ob sich Prom Dates auf Disney Plus lohnt oder ob ihr euch doch für einen anderen Film entscheiden solltet.

Über Sex, Drogen und Frat-Boys

Jess und Hannah sind unzertrennliche Freundinnen an der gleichen Highschool. Mit 13 Jahren schworen sie sich, den perfekten Abschlussball gemeinsam zu erleben. Nun, kurz vor dem großen Ereignis, gibt es plötzlich Ärger mit ihren Dates, und sie stehen ohne Begleitung da. Werden sie es schaffen, in letzter Minute neue Partner zu finden und ihren Pakt einzuhalten?

Um euch kein anderes Bild zu vermitteln: Prom Dates ist in seinen Grundfesten ein klassischer Coming-of-Age-Film im Highschool-Setting, der die typischen Probleme von Jugendlichen in der modernen Zeit thematisiert. Es geht sehr oft um das erste Mal, um den Umgang mit Drogen oder verschiedene Gruppen, die sich in Schulen bilden und damit eine eigene Gesellschaft entwickeln. Prom Dates hat für mich hier aber schon zwei Dinge richtig gemacht – der Umgang mit Outings sowie die Inklusion verschiedener Charaktere. Was ich damit meine, ist ganz einfach gesagt: Niemand in diesem Film wird auf direkte Weise für seine Sexualität bzw. Familienzugehörigkeit angegriffen oder hervorgehoben. Es wird einfach akzeptiert, wodurch nie zu schamhafte Momente entstehen, bei denen ich durch eine Cringe-Gefahr wegschauen musste.

Vor allem auch der Humor hat mir in Prom Dates richtig gut gefallen. Aufmerksam geworden bin ich auf den Film durch den YouTube-Kanal „American High“, welcher nicht nur als Werbepartner fungiert, sondern auch Auftritte innerhalb des Filmes hatte (zumindest ein paar der Akteure des Kanals sind als Nebenfiguren im Film zu sehen). Dabei wirken die Witze nie unpassend oder reingeschoben – alles passt sich toll an die Geschehnisse an und ist zusätzlich noch viel kreativer als in ähnlichen Filmen. Ich kann natürlich nicht versprechen, dass ihr den gleichen Humor habt und dadurch ebenso über die Witze lachen könnt, trotzdem empfehle ich euch, dem Ganzen mal eine Chance zu geben, um zu sehen, ob der Humor euch zum Lachen bringt. Merkt euch einfach die Frat-Boys-Szene, die hat mich richtig erwischt.

Mehr als nur ein Highschool-Film

Jetzt aber zum eigentlichen Kern dieser Kritik. Der Titel des Beitrags lautet „Nur ein weiterer Highschool-Film?“ und natürlich möchte ich euch diese Frage auch beantworten. Zum Großteil ist Prom Dates einfach ein normaler Highschool-Film, mit den immer selben Klischees, den gleichen Thematiken und vor allem ähnlichen Witzen. Das ist Fakt und kann ich leider auch nicht ändern. Dafür hat der Film aber ein ungewöhnliches Ende für diese Art von Film, welches ich persönlich nicht habe kommen sehen. Hier also direkt erstmal eine dicke fette SPOILERWARNUNG.

Am Ende von Prom Dates bekommen wir nämlich kein Happy End zu sehen – oder zumindest kein wirkliches Happy End. Sowohl Jess als auch Hannah enden nicht mit der Person ihrer Träume im Bett oder schaffen es, sich komplett selbst zu finden. Nein, sogar der Abschlussball stellt sich für beide als absolute Katastrophe heraus. Der Film endet damit, dass sich Jess erstmal selbst finden muss, während Hannah zu lernen hat, wie es ist, mit ihrer neu entdeckten Sexualität umzugehen. Beide gehen während des Abschlussballs nach Hause, wo sie auf der Couch Pizza essen und Guitar Hero spielen. Etwas traurig, aber dennoch ein reales Ende, das sich toll in die Thematiken des Films einfügt. So ein Ende wie in Prom Dates würde ich gerne öfter sehen und das, obwohl ich eigentlich immer großer Fan von schönen Enden bin. Gelungen und das dank einem überraschenden Ende, mit dem ich nicht gerechnet habe.

Fazit zu Prom Dates:

Prom Dates ist ein erfrischender Beitrag im Genre der Highschool-Filme, der sich durch seinen Humor und die Einbindung zeitgemäßer Themen auszeichnet. Trotz der bekannten Klischees und typischen Erzählstrukturen bietet der Film eine authentische und einfühlsame Darstellung von jugendlichen Problemen und Identitätssuche. Besonders hervorzuheben sind der respektvolle Umgang mit Outings und die Inklusion vielfältiger Charaktere, die dem Film eine moderne Note verleihen.

Der überraschende und realistische Schluss hebt Prom Dates von vielen seiner Genre-Kollegen ab und liefert eine ehrliche, wenn auch bittersüße, Perspektive auf das Erwachsenwerden. Wer sich von den klassischen Elementen nicht abschrecken lässt und Lust auf eine Coming-of-Age-Komödie mit Herz und Verstand hat, wird mit diesem Film sicherlich gut unterhalten. Prom Dates ist auf Disney Plus verfügbar und definitiv einen Blick wert.

Abigail läuft bereits in den hiesigen Kinos und konnte bereits bei den Kritikern eine gute Figur machen. Kein Wunder, bedenkt man, dass es bei einem Ballett-Vampir zum guten Ton gehört, eine schöne Figur zu machen. Wortwitz beiseite, haben wir den Film bereits einen Tag vorab im Kino sehen können und verraten euch in dieser Kritik, ob sich ein Besuch des ungewöhnlichen Genremixes lohnt. Denn egal, ob ihr Heist-Filme, Horrorstreifen oder Splatter-Action liebt, diese Geschichte hat wirklich für jeden etwas im Petto.

Ein Ballett-Vampir tanzt zu Schwanensee

Abigail, eine zwölfjährige Ballerina und die Tochter eines einflussreichen Unterweltbosses, gerät ins Visier einer Gruppe von Kriminellen, die sie entführen und in einem abgelegenen Herrenhaus festhalten sollen. Die Forderung: ein Lösegeld von 50 Millionen US-Dollar. Doch die Gang ahnt nicht, dass Abigail kein gewöhnliches Mädchen ist. Während die Entführer nacheinander verschwinden, wird deutlich, dass diese Mission alles andere als einfaches Geld verspricht.

Wir müssen nicht um den heißen Brei herumreden: Bei Abigail handelt es sich um einen Vampir, das macht auch schon der Trailer zum Film klar. Abigail jetzt aber nur einen Vampirfilm zu nennen, wird der Geschichte nicht ganz gerecht. Nein, sogar im Gegenteil, denn das Werk von Regisseur Matt Bettinelli-Olpin und Tyler Gillett (beide unter anderem bekannt für Ready or Not oder auch die neuen Scream-Filme) startet als Heist-Film, entwickelt sich zu einem spannenden Horrorabenteuer und mündet als Splatter-Action-Spektakel vom Allerfeinsten. Auf unnötige Hintergrundsequenzen wird komplett verzichtet.

Versteht mich nicht falsch, es gibt Hintergründe zu den Ereignissen und den Charakteren, diese werden aber nicht in unnötigen Rückblicken erzählt, sondern von den Dialogen getragen und spannend in die Geschichte eingewoben. Böse Zungen würden behaupten, dass die Entscheidung, Abigail in drei Genres zu unterteilen, für Verwirrung und Inkonsistenz in der Entwicklung der Ereignisse sorgen würde. Ich bin jedoch der Meinung, dass man es geschafft hat, eine mitreißende Story zu erzählen, die sich zwar nicht allzu ernst nimmt, trotzdem aber den ein oder anderen Schockmoment parat hat. Ein unkomplizierter Abendfüller, kann man mit anderen Worten sagen.

Pause gibt es nicht

Abigail macht direkt von Anfang an klar, dass man von dem Film keine Pause erwarten braucht. Es gibt immer mal wieder ruhigere Momente in Abigail – das steht fest – gefühlt wird man aber von einem Event ins nächste geworfen, wobei nie wirklich Langeweile aufkommt und man bis zum Ende dabei bleibt. Das Ende fühlt sich zwar, wie in dieser Art von Film üblich, etwas in die Länge gezogen an, die tollen Effekte (wie die explodierenden Vampire im Sonnenlicht) sorgen aber dafür, dass man sich am Ende nach mehr sehnt und vielleicht auf einen weiteren Film dieser Art in Zukunft hofft.

Besonders die schauspielerische Leistung von Alisha Weir (bekannt als Matilda in Matilda – Das Musical) als Abigail selbst möchte ich an dieser Stelle noch hervorheben. Gepaart mit ihrer deutschen Stimme von Zoe Durakovic leistet sie im Film eine unglaublich tolle Arbeit und haucht der Figur einer Ballett-Vampirin viel Leben ein. Alle anderen Schauspieler liefern natürlich auch gute Arbeit ab, diese eine Leistung musste ich aber unbedingt erwähnen, da das Schauspiel mir im Film wirklich gut gefallen hat (auch wenn die Bewegungen manchmal etwas lächerlich gewirkt haben, aber definitiv zum Film gepasst haben).

Bevor die Frage in die Kommentare kommt: Auch wenn man das Genre zwischendurch mixt, funktionieren die Horroraspekte mehr, als man meinen mag. Ich war mit einer Freundin im Kino, die sich sehr oft bei den Jumpscares erschreckt hat und auch generell von der Atmosphäre eingeschüchtert wurde. Ich liebe es besonders, wenn Horror-/Splatterfilme kreativ sind, und ich kann mit bestem Gewissen sagen, dass sowohl die Gruselmomente als auch die Tode der Figuren wirklich kreativ auf den Bildschirm gezaubert wurden, wodurch ich in diesem Film nicht ständig das Gefühl bekommen habe, den Moment schon einmal erlebt zu haben. Damit ist Abigail in meinen Augen weit über meinen Erwartungen und eine klare Empfehlung.

Fazit zu Abigail:

Abigail entpuppt sich als erfrischender Genre-Mix, der geschickt Elemente von Heist-Filmen, Horrorabenteuern und Splatter-Action kombiniert. Regisseure Matt Bettinelli-Olpin und Tyler Gillett präsentieren eine mitreißende Geschichte, die von Anfang bis Ende fesselt.

Die schauspielerische Leistung von Alisha Weir als Abigail ist bemerkenswert und verleiht der Hauptfigur eine faszinierende Tiefe. Auch die anderen Darsteller überzeugen mit ihren Leistungen, wobei besonders die kreativen und originellen Horroraspekte hervorstechen.

Trotz einiger vorhersehbarer Elemente und einem etwas in die Länge gezogenen Ende bietet Abigail ein unterhaltsames Kinoerlebnis, das Fans verschiedener Genres gleichermaßen ansprechen wird. Mit einer gelungenen Mischung aus Spannung, Action und überraschenden Wendungen hebt sich dieser Film wohltuend von der Masse ab und verdient eine klare Empfehlung.

Wenn man das hört, könnte man glatt meinen, es handelt sich dabei nur um einen weiteren Fehlschlag, der die Reihe um einen weiteren Misserfolg ergänzt. Falsch gedacht – zumindest wie wir es sehen. Das erste Omen war bei der Pressevorführung eine wirkliche Überraschung. Nicht nur für mich, sondern auch für meine Begleitung und die anderen Gäste aus der Presse. Wieso der neue Film von Arkasha Stevenson wirklich gut geworden ist und warum wir ihn sogar über dem neuesten The Nun empfehlen würden, erfahrt ihr in dieser Kritik.

Ein schlechtes Omen

Margaret Daino, eine leidenschaftliche junge Amerikanerin, reist voller Hingabe nach Rom, um ihr Leben dem Dienst für die Kirche zu widmen. Inmitten ihrer Arbeit im Vizzardelli-Waisenhaus unter der Leitung der entschlossenen Äbtissin Schwester Silvia, wird ihr Glaube durch erschütternde Ereignisse auf die Probe gestellt. Doch als sie durch Father Brennan auf eine bedrohliche Verschwörung innerhalb der Kirche aufmerksam wird, die die Ankunft des Antichristen anstrebt und das Böse neu beleben will, steht Margaret vor einer erschreckenden Herausforderung, die ihre ganze Existenz erschüttert.

Mehr kann und will ich zu Das erste Omen nicht preisgeben. Die Geschichte lebt von ihrer Unvorhersehbarkeit und wie man mit der Thematik von Kirchenaustritt bzw. Demonstrationen aus der Jugend umgeht. Themen, die heutzutage erschreckend echt wirken. Leider liegt hier aber auch direkt der Hund begraben: Das erste Omen hat eine wirklich schwache Story, mit einem noch schwächeren Ende. Dadurch, dass es sich bei dem Film um ein Prequel handelt, ist das Ende leicht vorhersehbar – da hilft auch das in die Länge gezogene Ende nicht. Ich kann nicht genau beschreiben, was es ist, aber irgendwie hat es mir an der Handlung an einem großen Twist gefehlt. Es gibt am Ende natürlich einen (den ich euch jetzt aber nicht vorwegnehmen werde), dieser war jedoch bereits Minuten vorher deutlich geworden, wodurch es der Überraschung an Kraft fehlte. Super schade, bei einem solchen Film aber kein großes Problem.

Ein überraschend gutes Omen

In einem Horrorfilm geht es schließlich nicht nur um die Geschichte, sondern auch um den Horror, und der ist in Das erste Omen richtig RICHTIG gut. Mehrmals hat der Film es geschafft, mich zu erschrecken und mir eine Gänsehaut zu bescheren, bei der es mir kalt den Rücken herunterlief. In einer Szene, in der wir das Wunder der Geburt erleben dürfen, schaut die Betroffene mit einem Lächeln in die Kamera – ein Moment, der mir wirklich Gänsehaut bereitet hat (und das passiert wirklich selten). Interessanterweise hat das Prequel auch einen viel höheren Splatter-Faktor als das Original. Da in Das Omen immer wieder gelobt wird, dass der Horror in den Vordergrund gerückt wird, mag es euch vielleicht überraschen, dass ich jetzt folgendes sage: Der Splatter in Das erste Omen war richtig gut und hat mit einer guten Inszenierung überzeugt. Ja, richtig gehört – Das erste Omen ist auch ein toller Film für Splatter-Fans.

Das freut mich vor allem deshalb zu sagen, weil man nicht nur einfach voll auf die Innereien zielt oder alle Gliedmaßen abtrennt, sondern auch wirklich kreativ wird und die spannendsten Ideen verarbeitet (hier verweise ich gerne noch einmal auf die Geburtsszenen – PLURAL!). Vor allem aber werden sowohl Splatter als auch Horror toll von dem bombastischen Sound im Kino unterstützt. Ich hoffe, ihr schaut euch Das erste Omen im Kino an, dafür ist der Film nämlich wie gemacht. Das Schauspiel ist weiterhin auch nur lobenswert, wobei ich den Film auf Englisch geschaut habe und damit nichts über die deutsche Synchronisation sagen kann. Ansonsten gibt es eigentlich nicht viel zu meckern. Ich finde den Film sogar so gut, dass ich behaupten würde, er sei besser als der letzte The Nun-Film oder auch viele andere Horrorfilme, die derzeit im Kino laufen. Wer ab dem 11. April einen neuen guten Film in diesem Genre sucht, ist mit Das erste Omen gut bedient.

Fazit zu Das erste Omen:

Das erste Omen entführt die Zuschauer in eine düstere Welt voller unvorhersehbarer Schrecken und bietet eine faszinierende Erfahrung für alle Fans des Horror-Genres. Trotz einiger Schwächen in der Story und einem vorhersehbaren Ende gelingt es dem Film, durch seine beeindruckende Atmosphäre und seine gelungene Inszenierung zu überzeugen. Die Darstellerinnen und Darsteller liefern gute Leistungen ab und tragen dazu bei, die düstere Stimmung des Films zu verstärken.

Besonders beeindruckend ist der hohe Splatter-Faktor, der dem Film eine zusätzliche Intensität verleiht. Die kreativen Ideen bei den Splatter-Szenen sorgen für Gänsehautmomente und bieten eine willkommene Abwechslung zu den üblichen Schockeffekten. Der bombastische Soundtrack verstärkt die Gruselatmosphäre und trägt maßgeblich dazu bei, die Spannung aufrechtzuerhalten.

Insgesamt versteht es Das erste Omen, gekonnt mit den Ängsten und Erwartungen des Publikums zu spielen und liefert eine gelungene Hommage an das Original aus dem Jahr 1976. Der Film ist damit ein gelungenes Prequel, das sich durchaus mit aktuellen Horrorproduktionen messen kann. Ein Kinobesuch lohnt sich allemal, um sich von der beklemmenden Atmosphäre und den packenden Schockmomenten des Films mitreißen zu lassen.