Gotham City ist die Heimat zahlreicher albtraumhafter Schurken, die Batman das Leben schwer machen. Während Figuren wie der Joker, der Pinguin oder Two-Face längst zu den bekanntesten Gegenspielern des Dunklen Ritters gehören, gibt es auch Charaktere, deren tragische Hintergründe sie weit über die Rolle eines gewöhnlichen Bösewichts hinausheben. Einer davon ist Clayface, ein Gestaltwandler, der mit seiner Fähigkeit, nahezu jede beliebige Form anzunehmen, zu den faszinierendsten Figuren aus Batmans Schurkengalerie zählt. Seit seinem ersten Auftritt im Jahr 1940 hat sich der Charakter über zahlreiche Inkarnationen hinweg verändert. Besonders bekannt ist Basil Karlo, ein ehemaliger Schauspieler, dessen Leben aus den Fugen gerät und der zu einer Gestalt wird, die nicht nur ihr Äußeres, sondern auch ihre Identität infrage stellt. Gerade diese Verbindung aus Körperhorror, tragischem Schicksal und dem Verlust des eigenen Selbst macht Clayface zu einer Figur, die deutlich mehr zu bieten hat als spektakuläre Kämpfe mit dem Dunklen Ritter.

Dass Clayface derzeit besonders im Mittelpunkt steht, kommt nicht von ungefähr. Am 22. Oktober ist der Kinofilm Clayface in den deutschen Kinos gestartet, der den ungewöhnlichen DC-Charakter ins Zentrum rückt. Dabei schlägt der Film einen spannenden Weg ein, denn obwohl Clayface vor allem als Gegenspieler Batmans bekannt ist, kommt der Kinofilm vollständig ohne den Dunklen Ritter aus. Stattdessen erhält der wandelbare Schurke die Gelegenheit, seine eigene Geschichte zu erzählen und sich von einer ganz anderen Seite zu zeigen. Ich habe den Film bereits gesehen und fand ihn richtig gut. Gerade der eigenständige Ansatz macht den Kinostart zu einem passenden Anlass, sich näher mit der Figur und ihren Wurzeln in den Comics zu beschäftigen. Schließlich gehört Clayface zu jenen Charakteren aus dem DC-Universum, deren Hintergrund genügend Stoff für Geschichten bietet, die weit über den klassischen Kampf zwischen Held und Schurke hinausgehen.

Passend zum Kinostart erscheint die Batman – Clayface Collection, die den perfekten Anlass bietet, sich erneut mit der Verbindung zwischen dem Dunklen Ritter und seinem wandelbaren Widersacher auseinanderzusetzen. Clayface ist schließlich weit mehr als eine lebende Masse aus Lehm, die ihr Aussehen beliebig verändern kann. Seine verschiedenen Inkarnationen spiegeln unterschiedliche Facetten des Charakters wider und machen ihn zu einem ebenso vielseitigen wie unberechenbaren Bestandteil von Batmans Schurkengalerie. Die zeitliche Nähe zum Kinofilm macht die Sammlung besonders interessant, denn sie ermöglicht es, Clayface auch in seinem ursprünglichen Umfeld innerhalb der Batman-Comics zu betrachten. Ob die ausgewählten Geschichten die Faszination dieser außergewöhnlichen Figur einfangen und warum Clayface auch abseits der Kinoleinwand einen genaueren Blick verdient, zeigt sich in der folgenden Kritik.

Danke an Panini für das Bereitstellen des Rezensionsexemplars!

Inhalt:

Kaum ein Gegner Batmans verkörpert die Grenze zwischen Mensch und Monster so tragisch wie Clayface. Hinter seiner erschreckenden Fähigkeit, jede beliebige Gestalt anzunehmen, verbirgt sich eine zerrissene Seele, die verzweifelt um ihre Menschlichkeit kämpft. Die Geschichten dieser Sammlung beleuchten die dunklen Abgründe eines Mannes, der zwischen Hoffnung und Verzweiflung, seiner wahren Identität und dem monströsen Wesen, zu dem er geworden ist, gefangen bleibt.

Ich hätte wirklich nie gedacht, dass ausgerechnet Clayface als erster Batman-Bösewicht einen eigenen Film im DC-Universum von James Gunn bekommt. Nicht, weil er ein schlechter Bösewicht wäre, sondern weil es mit Charakteren wie dem Joker, Scarecrow und vielen anderen einfach so viele Figuren gibt, die ich für interessanter gehalten hätte. Zumindest dachte ich das. Der Film ist jedoch richtig gut. Das gilt sowohl aus der Perspektive eines Horrorfans als auch ganz allgemein im Vergleich zu den Versuchen von Sony, die Bösewichte des eigenen Marvel-Universums auf die Leinwand zu bringen, oder den beiden Joker-Filmen, von denen mir persönlich keiner gefällt. Der Comic macht noch einmal deutlich, wie vielschichtig der Charakter oder besser gesagt die verschiedenen Figuren hinter Clayface sind.

Jede Geschichte steckt voller cooler Momente und macht Clayface für mich zu einer immer faszinierenderen Figur. Ursprünglich als Matt Hagen eingeführt und später als Schauspieler Basil Karlo neu interpretiert, steckt in den verschiedenen Inkarnationen jede Menge Potenzial. Mir gefällt, wie diese Sammlung unterschiedliche Stationen im Leben des Schurken beleuchtet und vor allem deutlich macht, wie er sich selbst immer wieder verliert. Das Ergebnis ist eine tolle Sammlung, die man sowohl vor als auch nach dem Film genießen kann, um noch mehr über Clayface zu erfahren. Allerdings schwankt die Qualität der einzelnen Geschichten, wie es bei solchen Sammlungen üblich ist, teilweise erheblich.

Zeichnungen:

Die Zeichnungen der verschiedenen Künstler in Batman – Clayface Collection zeigen noch einmal deutlich, wie vielschichtig der Charakter ist. Von Bodyhorror bis hin zu klassischer Action ist alles dabei. Natürlich hat jeder Künstler seinen eigenen Stil, und wie bei einer solchen Sammlung üblich, werden euch manche Panels besser gefallen als andere. Dafür ist der Band aber ausgesprochen abwechslungsreich und steckt voller Ideen, die sich wirklich lohnen. Mein persönliches Highlight war die Geschichte, in der Clayface Bruce Wayne kopiert. Darin gibt es einige schaurig-schöne Bilder zu entdecken. Ihr werdet sicherlich ebenfalls eine Geschichte finden, deren Zeichnungen für euch zum persönlichen Highlight werden.

Fazit zu Batman – Clayface Collection:

Die Batman – Clayface Collection hat mir einmal mehr gezeigt, wie viel Potenzial in einem Charakter steckt, den ich vor dem Kinofilm ehrlich gesagt nicht unbedingt zu den interessantesten Batman-Gegnern gezählt hätte. Die verschiedenen Geschichten beleuchten die tragischen Seiten des Gestaltwandlers und machen deutlich, dass hinter dem monströsen Äußeren weit mehr steckt als ein gewöhnlicher Schurke. Besonders die Themen Identitätsverlust, Verzweiflung und der Kampf um die eigene Menschlichkeit verleihen Clayface eine faszinierende Tiefe, die ihn für mich zu einer deutlich interessanteren Figur gemacht hat.

Auch zeichnerisch hat die Sammlung einiges zu bieten. Die unterschiedlichen Stile sorgen für Abwechslung und zeigen, wie vielseitig sich Clayface in Szene setzen lässt. Von schaurigem Bodyhorror bis hin zu klassischer Superheldenaction ist alles dabei. Mein persönliches Highlight bleibt die Geschichte, in der Clayface Bruce Wayne imitiert und dabei für einige wirklich unheimliche Momente sorgt. Allerdings sollte man sich darauf einstellen, dass die Qualität der einzelnen Geschichten schwankt und nicht jede davon gleichermaßen überzeugen kann.

Unterm Strich ist die Batman – Clayface Collection eine lohnenswerte Sammlung für alle, die den ungewöhnlichen Schurken besser kennenlernen möchten. Gerade in Verbindung mit dem Kinofilm entfalten die Geschichten einen besonderen Reiz, da sie zusätzliche Facetten einer Figur zeigen, die weit mehr zu bieten hat, als ihr erster Eindruck vermuten lässt. Wer Clayface bisher unterschätzt hat, könnte seine Meinung nach der Lektüre durchaus ändern. Für mich jedenfalls hat der wandelbare Schurke deutlich an Faszination gewonnen und ich bin gespannt, welche Geschichten mit ihm in Zukunft noch auf uns warten.

James Sunderland erhält einen mysteriösen Brief von seiner verstorben geglaubten Ehefrau Mary. Die Nachricht führt ihn zurück nach Silent Hill – einen Ort, an dem Nebel, Dunkelheit und monströse Kreaturen längst die Kontrolle übernommen haben. Doch kann der Film die beklemmende Atmosphäre und die psychologische Tiefe von Silent Hill 2 auf die große Leinwand übertragen? Oder bleibt am Ende nur hübscher Nebel mit bekannten Monstern?

Wir haben uns Return to Silent Hill angesehen.

Hinweis: Dieser Artikel enthält keine großen Spoiler zur Handlung. Wer das Ende des Films oder wichtige Wendungen nicht kennen möchte, kann bedenkenlos weiterlesen.

Return to Silent Hill – die wichtigsten Fakten

Der Film wurde von mehreren Produktionsfirmen gemeinsam mit Konami produziert und basiert auf dem Videospiel Silent Hill 2.

Zurück in die Stadt des Grauens

Es gibt Videospiele, die sich nur schwer verfilmen lassen. Und dann gibt es Silent Hill 2. Das Spiel lebt nicht ausschließlich von Monstern oder klassischen Jump-Scares. Viel wichtiger sind Einsamkeit, Schuld, Trauer, psychologischer Horror und die Frage, was eigentlich Realität und was Einbildung ist.

Genau deshalb ist die Entscheidung, ausgerechnet Silent Hill 2 als Grundlage für Return to Silent Hill zu verwenden, gleichzeitig spannend und riskant. James Sunderland ist erneut auf der Suche nach Mary. Sein Weg führt ihn durch die verlassene Stadt, in der die Grenzen zwischen Realität und Albtraum immer weiter verschwimmen.

Und natürlich darf dabei eine Figur nicht fehlen:

Pyramid Head.

Der ikonische Henker gehört zu den bekanntesten Figuren der gesamten Silent-Hill-Reihe und ist auch in Return to Silent Hill wieder mit von der Partie.

Die Atmosphäre ist die große Stärke

Wenn es eine Sache gibt, die Return to Silent Hill zumindest auf visueller Ebene hervorragend versteht, dann ist es die Atmosphäre. Der dichte Nebel, die verlassenen Straßen, rostende Einrichtungen und die düstere Architektur erinnern sofort an die Spiele. Manchmal reicht bereits ein leerer Korridor, ein schwaches Licht oder eine Gestalt im Hintergrund, um das typische Silent-Hill-Gefühl zu erzeugen.

Gerade Fans der Spiele werden immer wieder Momente entdecken, bei denen man unweigerlich denkt:

„Das kenne ich doch!“

Die Inszenierung orientiert sich deutlich an der Vorlage. Das ist gleichzeitig Fluch und Segen des Films. Denn während Kenner der Spiele viele Details feiern dürften, stellt sich irgendwann die Frage, ob der Film mehr sein möchte als eine Aneinanderreihung bekannter Silent-Hill-Motive.

Silent Hill 2 ist mehr als Nebel und Monster

Hier liegt das eigentliche Problem. Das Videospiel Silent Hill 2 funktioniert deshalb so gut, weil die Monster und die Stadt nicht einfach nur Kulissen für Horror sind. Sie besitzen eine symbolische Bedeutung und sind eng mit James‘ psychischem Zustand verbunden. Die Geschichte beschäftigt sich mit Schuld, Verlust, Verdrängung und den Folgen persönlicher Entscheidungen.

Diese psychologische Ebene ist wesentlich schwieriger auf knapp zwei Stunden Filmzeit zu übertragen. Return to Silent Hill versucht zwar, diese Elemente einzubauen, erreicht aber nicht immer die emotionale Wucht des Spiels. Das bedeutet nicht, dass der Film komplett oberflächlich wäre. Vielmehr wirkt manches deutlich direkter und weniger subtil als im Videospiel.

Und genau das dürfte bei eingefleischten Silent Hill 2-Fans für Diskussionen sorgen.

James Sunderland – eine schwierige Hauptfigur

James Sunderland ist eine der ungewöhnlichsten Figuren des Horror-Genres. Er ist kein klassischer Actionheld. Er rennt nicht mit einer riesigen Waffe durch Silent Hill und erledigt Monster im Sekundentakt.

James ist ein gebrochener Mann, der versucht, mit seiner Vergangenheit und seiner Beziehung zu Mary klarzukommen.Diese innere Zerrissenheit ist für die Geschichte enorm wichtig. Der Film versucht, diese Seite von James stärker hervorzuheben. Allerdings funktioniert das nicht immer so intensiv wie im Spiel.

Während man im Videospiel viele Stunden mit James verbringt und seine Gedanken, Ängste und Entscheidungen selbst erlebt, muss der Film diese Entwicklung deutlich schneller vermitteln. Das führt dazu, dass einige emotionale Momente weniger stark wirken.

Pyramid Head ist wieder da

Natürlich kommt kein Silent Hill 2-Film ohne Pyramid Head aus. Die ikonische Figur gehört mittlerweile zur Popkultur und ist vermutlich das bekannteste Monster der gesamten Reihe. Seine Auftritte gehören zu den visuellen Highlights des Films.

Gleichzeitig zeigt sich hier ein typisches Problem von Videospielverfilmungen: Was im Spiel funktioniert, kann auf der Leinwand schnell zu offensichtlich werden. Pyramid Head ist mittlerweile so bekannt, dass sein Auftauchen kaum noch Überraschung erzeugt. Trotzdem bleibt die Figur beeindruckend. Vor allem Fans der Spiele dürften sich über einige Szenen freuen.

Die Monster: Zwischen Fanservice und Horror

Neben Pyramid Head bietet Return to Silent Hill natürlich weitere Kreaturen und bekannte Elemente aus dem Silent-Hill-Universum. Die Designs orientieren sich teilweise sehr deutlich an der Vorlage. Das sorgt für einige starke Bilder. Allerdings entsteht dadurch auch ein kleines Dilemma: Wer Silent Hill 2 kennt, weiß häufig schon, was ihn erwartet.

Der Horror funktioniert deshalb weniger über Überraschung und stärker über Atmosphäre. Das ist grundsätzlich keine schlechte Entscheidung. Nur hätte der Film an einigen Stellen noch konsequenter auf psychologischen Horror setzen dürfen.

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Akira Yamaoka und der Sound

Ein weiterer wichtiger Bestandteil des Silent-Hill-Gefühls ist die Musik. Wer die Spiele kennt, weiß, welchen Stellenwert der Soundtrack besitzt. Die musikalische Untermalung trägt enorm dazu bei, dass sich Silent Hill gleichzeitig vertraut und völlig falsch anfühlt.

Auch im Film ist die akustische Atmosphäre ein wichtiger Bestandteil. Geräusche, Stille und Musik werden eingesetzt, um die beklemmende Stimmung zu verstärken. Gerade hier merkt man, dass die Macher die Verbindung zur Videospielvorlage nicht einfach ignorieren wollten.

Wo der Film Probleme bekommt

So atmosphärisch Return to Silent Hill teilweise ist, so deutlich fallen auch seine Schwächen auf. Das größte Problem ist die Handlung. Die Geschichte orientiert sich an Silent Hill 2, nimmt sich aber einige Freiheiten. Das ist grundsätzlich völlig legitim. Eine 1:1-Verfilmung eines Videospiels wäre schließlich nicht automatisch ein guter Film.

Allerdings wirken manche Änderungen nicht immer nachvollziehbar. Teilweise werden Elemente stärker erklärt, die im Spiel bewusst geheimnisvoll bleiben. Das nimmt dem Geschehen etwas von seiner psychologischen Wirkung. Auch das Tempo ist nicht immer optimal. Einige Szenen funktionieren hervorragend, andere fühlen sich dagegen etwas gehetzt oder unnötig lang an.

Was sagen die Kritiker?

Die Reaktionen auf Return to Silent Hill fallen ausgesprochen unterschiedlich aus.

Bei den Kritikern kommt der Film eher verhalten an. Auf Metacritic liegt der Film bei den ausgewiesenen Kritikerwertungen im eher unteren Bereich; bei Rotten Tomatoes wird insbesondere kritisiert, dass der Film die thematische Tiefe der Vorlage nicht erreicht.

Auch die Zuschauerreaktionen sind stark geteilt.Während einige Fans die Atmosphäre, die Musik und die Nähe zur Vorlage loben, kritisieren andere insbesondere Drehbuch, Schauspiel und die Veränderungen gegenüber Silent Hill 2. Und genau diese Spaltung ist interessant. Denn Return to Silent Hill scheint einer dieser Filme zu sein, bei denen die eigene Erwartungshaltung eine enorme Rolle spielt.

Für Fans von Silent Hill 2

Wenn du Silent Hill 2 liebst und eine möglichst originalgetreue Verfilmung erwartest, solltest du deine Erwartungen etwas herunterfahren. Der Film ist keine filmische Kopie des Spiels.Er nimmt die Handlung und die bekannten Figuren als Grundlage und interpretiert sie für das Medium Film neu. Wer damit leben kann, bekommt durchaus interessante Momente. Wer dagegen erwartet, dass jede Szene exakt so funktioniert wie im Spiel, dürfte deutlich häufiger enttäuscht werden.

Für Horror-Fans ohne Gaming-Hintergrund

Interessanterweise könnte Return to Silent Hill für Zuschauer funktionieren, die das Spiel überhaupt nicht kennen. Wer nicht ständig Vergleiche mit James Sunderland aus dem Spiel, bestimmten Monsterdesigns oder einzelnen Storymomenten zieht, kann den Film möglicherweise etwas unvoreingenommener betrachten. Allerdings bleibt die Geschichte teilweise bewusst mysteriös. Wer einen klassischen Horrorfilm mit klarer Handlung und permanenten Schockmomenten erwartet, ist hier vermutlich ebenfalls nicht optimal aufgehoben.

Lohnt sich Return to Silent Hill?

Unsere Antwort fällt etwas differenzierter aus. Als eigenständiger Horrorfilm: durchaus interessant. Als Silent-Hill-Film: atmosphärisch gelungen, aber mit deutlichen Schwächen. Als Verfilmung von Silent Hill 2: eine mutige, aber nicht immer überzeugende Interpretation. Der Film hat zweifellos Momente, die Fans der Reihe begeistern können.

Die Kulissen, der Nebel, die Monster, Pyramid Head und zahlreiche visuelle Anspielungen sorgen dafür, dass sich Return to Silent Hill eindeutig wie ein Silent-Hill-Film anfühlt. Was allerdings fehlt, ist die emotionale und psychologische Tiefe, die Silent Hill 2 zu einem Meilenstein des Horror-Gamings gemacht hat.

Unser Fazit

Return to Silent Hill ist kein Totalausfall – aber leider auch nicht die große Silent-Hill-Rückkehr, auf die viele Fans gehofft haben. Christophe Gans versteht die visuelle Sprache der Reihe. Das merkt man dem Film an. Die Stadt, der Nebel und die Monster erzeugen immer wieder eine starke Atmosphäre. Doch Silent Hill 2 war nie nur wegen seiner Optik großartig.

Die eigentliche Stärke lag in seiner psychologischen Geschichte. Und genau hier kommt der Film nicht ganz an seine Vorlage heran. Wer Silent Hill 2 liebt, sollte deshalb unbedingt mit realistischen Erwartungen an den Film herangehen. Wer einen atmosphärischen Horrorfilm mit starken visuellen Anleihen an das Videospiel sucht, kann durchaus einen Blick riskieren.

Für uns bleibt deshalb ein zwiespältiger Eindruck: Viel Silent Hill im Look – aber zu wenig Silent Hill in der Seele.

Unsere Wertung: 4,5 von 10

+ starke Atmosphäre
+ gelungenes Production Design
+ zahlreiche Anspielungen auf Silent Hill 2
+ Pyramid Head und bekannte Monster
+ interessante visuelle Umsetzung

– erreicht die psychologische Tiefe des Spiels nicht
– teilweise unausgewogene Handlung
– einige Änderungen gegenüber der Vorlage wirken fragwürdig
– für Kenner des Spiels wenig überraschen

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Teilnahmebedingungen:

Teilnahmeberechtigt sind Personen mit Wohnsitz in Deutschland, Österreich, Liechtenstein und der Schweiz. Angestellte von Games-Mag.de und andere an der Umsetzung dieses Gewinnspiels beteiligte Personen, sowie deren Verwandte, sind von der Teilnahme ausgeschlossen. Nicht teilnahmeberechtigt an dem Gewinnspiel sind Personen, die zum Zeitpunkt ihrer Teilnahme jünger als 14 Jahre sind. Teilnehmer des Gewinnspiels ist diejenige Person, die die E-Mail-Adresse, die bei der Anmeldung zum Gewinnspiel angegeben worden ist, gehört. Es ist pro Teilnehmer nur eine Teilnahme möglich. Die wiederholte Teilnahme kann je nach Ermessen von Games-Mag.de den Verlust der Teilnahmeberechtigung zur Folge haben. Der Rechtsweg ist ausgeschlossen.

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Szenebilder und Original Plakat © 2025 PARAMOUNT PICTURES.

Hinter dem Film steht Sébastien Vaniček, der mit Infested nicht nur für Aufsehen sorgte, sondern sogar Horror-Ikone Sam Raimi so sehr überzeugte, dass er ihm dieses neue Kapitel des Franchises anvertraute. Allein diese Kombination lässt die Erwartungen ordentlich steigen.

Evil Dead Burn startet am 9. Juli 2026 und erzählt die Geschichte einer Frau, die ihre Schwiegereltern besucht. Was zunächst nach einem unangenehmen, aber harmlosen Aufenthalt klingt, kippt schnell in puren Terror, als ein mysteriöses Buch auftaucht. Hust, hust… Fans wissen natürlich sofort, worum es geht. Ab diesem Moment verwandelt sich der Besuch in einen albtraumhaften Kampf ums Überleben, ganz im typischen Stil der Reihe: blutig, intensiv und ohne Kompromisse.

Hier geht es zum Teaser von Evil Dead Burn:

Wie gefällt euch der erste Eindruck? Der Teaser hat auf jeden Fall schon genau den richtigen Ton getroffen. Wir freuen uns jetzt schon riesig auf den Film.

Für mich ist Oz Perkins aber ein Regisseur geworden, bei dem ich die Lauscher aufmache, seit er den Film Longlegs gemacht hat. Ein wirklich verstörender Thriller mit Nicolas Cage als Antagonist. Ich habe mitbekommen, wie man diesen Film sowohl gefeiert als auch gehasst hat, ich selbst mochte aber die sehr weirde Herangehensweise und den Mut, hier mit sehr unangenehmen Szenen zu spielen. Es war eine Art Vorreiter zu dem, was dieses Jahr der Film Weapons wurde. Auch The Monkey empfand ich persönlich als wirklich unterhaltsame Horrorkomödie voller kreativer Energie und wirklich verdammt witzigem Humor.

Keeper geht hier jetzt einen anderen Weg. Es ist eher ein ernster Horrorfilm voller klassischer Elemente und dem bekannten Oz-Perkins-Charme. Warum das diesmal aber nicht reicht, ihr dem Film im Kino aber trotzdem eine Chance geben solltet, erfahrt ihr in dieser Filmkritik.

Weird ist dieser Film auf alle Fälle…

Erstmal vorweg: Wir durften uns vorab den Film im Heimkino ansehen und haben dadurch keinen wirklichen Bezug zur Kinofassung. Der Film erscheint genau heute am 20. November in den Kinos, sieben Tage nach dem US-Kinostart. Keeper handelt von Liz, die zu ihrem Jubiläum mit ihrem Partner Malcolm auf ein romantisches Wochenende in eine einsame Hütte mitten im Wald fährt. Doch kaum sind sie angekommen, wird Malcolm unerwartet zurück in die Stadt gerufen und Liz bleibt allein in der Stille des Waldes zurück. Was zunächst wie eine harmlose Nacht in Abgeschiedenheit wirkt, verwandelt sich rasch in einen Albtraum, als in der Hütte eine ungreifbare, finstere Präsenz erwacht, die Stück für Stück ihre grausigen Geheimnisse offenbart.

Keeper ist auf alle Fälle eines: richtig schön weird. Egal ob es die Hauptfigur ist, die Scheiße isst, oder das wirklich komische Verhalten von Malcolm, hier gibt es sehr viele unangenehme Szenen. Es ist auch nicht dieses Cringe-unangenehm, sondern das Oz-Perkins-unangenehm-schauderhafte, das ich auch schon in Longlegs mochte. Hier sind so viele Szenen dabei, die mir richtig gut gefallen haben. Besonders das Ende und das Monsterdesign sind für mich persönlich das klare Highlight dieses Films. Ich hoffe sehr, mehr von den Monstern zu sehen und zu erleben, wohin sich dieses Ende entwickeln kann, wären da nicht…

…leider nur sehr langweilig.

Wären da nicht die vielen langweiligen Momente, welche die nicht vorhandene Geschichte ständig ausbremsen. Hier kommt nämlich das Ding: Ich brauche im Horror keine gute Story oder eine Handlung, die wirklich gut ist, wenn der Horror oder zumindest die Spannung stimmt. Das ist hier teilweise auch der Fall, der gute Horror wird aber ständig von purer Langeweile unterbrochen, die so gar nichts zur Geschichte oder zu den Charakteren beiträgt. Auch der Horror wird so gar nicht von diesen Momenten untermauert. Wenn nichts passiert, dann passiert auch einfach nichts. Es fühlt sich einfach nicht ausgereift an und als hätte man noch Zeit gebraucht. Vielleicht ist das auch so, bedenkt man, dass es neben The Monkey sein zweiter Film dieses Jahr ist.

Und naja, durch all das bleibt man einfach mit einem Film zurück, der zwar echt gute Momente bietet, welche aber von nicht ganz so guten Szenen und einer miesen Handlung überschattet werden. Ich weiß so sehr, dass Oz Perkins das besser kann und deswegen bleibe ich dem Regisseur treu, auch wenn Keeper eher ein Fleck auf der sonst so weißen Weste des Horrorregisseurs wird.

Fazit zu Keeper:

Keeper ist ein Film, der zweifellos Mut beweist und sich nicht davor scheut, dem Publikum ein seltsam verstörendes Erlebnis zu bieten. Die kreative Handschrift von Oz Perkins ist in jeder Szene spürbar. Besonders das unheimliche Monsterdesign und das starke Finale zeigen, wie viel Potenzial in diesem Konzept steckt und wie gut der Regisseur unnötige Konventionen umgehen kann, um etwas Eigenes zu schaffen.

Gleichzeitig kämpft der Film jedoch mit einer träge erzählten Handlung, die immer wieder in langatmige Momente abrutscht. Diese Passagen nehmen dem Horror die Wucht und bremsen die Spannung spürbar aus. Man merkt, dass hier vieles atmosphärisch funktioniert, aber nicht alles dramaturgisch. Das sorgt am Ende dafür, dass manche Szenen stark beeindrucken, während andere schlicht verpuffen.

Trotz dieser Schwächen bleibt Keeper ein Film, den man sich als Horrorfan durchaus ansehen sollte. Er zeigt, wohin sich Oz Perkins entwickelt und welche ungewöhnlichen Wege er für seine Visionen wählt. Wer sich auf die merkwürdige Stimmung einlassen kann und geduldig bleibt, wird mit einigen wirklich faszinierenden Momenten belohnt. Auch wenn dieser Film nicht an seine stärkeren Werke heranreicht, macht er neugierig auf das, was der Regisseur als Nächstes erschaffen wird.

Die nackte Kanone mit Liam Neeson? Ernsthaft ?

Frank Drebin Jr. ist der Sohn des legendären Lt. Frank Drebin Sr. Im Los Angeles Police Department ist er bekannt dafür Bankräuber auf eine ganz besondere Art und Weise auszuschalten. Schon am Anfang des Films wird klar das der Humor der letzten drei Teile weitergeführt wird. Doch die Vorgesetzten finden den Ablauf seiner Ermittlungen nicht wirklich gut und versetzen den guten alten Frank in einen anderen Fall.

Ein Autounfall mit einem Elektroauto der Firma EdenTech ist sein neuer Fall. Dabei kam der Softwareentwickler Simon Davenport ums Leben. Frank Drebin Jr. ermittelt weiter auf seine spezielle Art und Weise und findet die ersten Hinweise. Danach trifft er sich mit Beth Davenport, der Schwester des Opfers. Diese wird gespielt von Pamela Anderson. Wer die ersten drei Filme kennt der wird unglaublich viele kleine Dinge erkennen, die auch dort eine Rolle gespielt haben.

Humor an allen Ecken und Enden

Der Humor ist tief in der untersten Schublade zu finden aber dennoch amüsant. Die nackte Kanone hatte schon immer einen ganz speziellen Humor, der zwischen völlig bescheuert und absolut amüsant wechselt. Wir haben sehr oft geschmunzelt weil man auch auf die Kleinigkeiten im Hintergrund achten sollte. So gibt es im LAPD einen Raum für die Cold Case Fälle der an einem Eisschrank erinnert.

Frank Drebin Jr. holt sich im Laufe des Films Hilfe seines Vaters indem er ihn mitteilt das er ihm eine Eule schicken soll. Leslie Nielsen spielt im Film natürlich keine Rolle – aber im Form einer Eule ist er doch wieder dabei. Und so hilft sie ihm am Ende des Films. Alleine diese Situation reicht schon aus um zu wissen das Die nackte Kanone nichts an seinem Witz eingebüsst hat. Auch wenn die ersten drei Teile schon länger her sind kann Liam Neeson in der Rolle als Frank Drebin Jr. überzeugen.

Super Job von Liam Neeson

Auch wenn er eher für Action-Filme bekannt ist nimmt man ihm seinen Humor ab und er macht seinen Job perfekt. Auch Pamela Anderson kann als Filmpartnerin überzeugen. Und wer genau aufpasst entdeckt im Film auch noch einen ganz kurzen Auftritt von Priscilla Presley. Die Blu-ray bietet eine tolle Bildqualität und einen exzellenten Dolby Digital 5.1. Sound, welche wir auf unserer Playstation 5 abgespielt haben,

Fazit:

Die nackte Kanone ist ein würdiger Nachfolger der legendären Film-Reihe und kann mit Liam Neeson in der Hauptrolle überzeugen. Beim ersten Trailer waren wir ein wenig skeptisch und dachten das es eventuell in die Hose gehen könnte. Doch die wie immer verdammt lustige Story, die vielen kleinen völlig bescheuerten Gags und der Cast des Films hat uns abgeholt und wir hatten einen spaßigen Filmabend. Fans der Reihe sollten sich diesen Film unbedingt gönnen. Wer nicht ganz so auf überdrehten Humor und Slaptstick steht, der sollte vielleicht doch vorher den Trailer anschauen.

Mr. No Pain ist ein Actionfilm, der im März erschienen ist. Im Mittelpunkt steht Nathan, der aufgrund einer seltenen genetischen Störung keinen Schmerz empfinden kann. Der Originaltitel Novocaine verweist auf ein Lokalanästhetikum und passt inhaltlich sehr gut. Dennoch finde ich den deutschen Titel ebenfalls passend und stimmig.

Wir hatten die Gelegenheit, die Blu-ray des Films schon vor dem offiziellen Release im Juni zu testen. Ob sich der Kauf lohnt oder ob man lieber die Finger davon lassen sollte, erfahrt ihr jetzt.

Mr. No Brain

Nathan Caine lebt mit einer Krankheit, die ihn völlig unempfindlich für Schmerzen macht. Als seine große Liebe bei einem brutalen Banküberfall als Geisel genommen wird, wird aus seiner Schwäche eine ungewöhnliche Stärke. Getrieben von Verzweiflung und dem festen Willen, sie zu retten, begibt er sich auf einen gnadenlosen Rachefeldzug. Er kennt keine Schmerzgrenze und geht bis ans Äußerste.

Viel mehr passiert inhaltlich eigentlich nicht. Mr. No Pain ist ein geradliniger Film, bei dem man einfach mal abschalten kann. Die Figuren bleiben weitgehend oberflächlich. Besonders die Bösewichte handeln extrem klischeehaft – sie ballern auf alles, was sich bewegt, ohne auch nur einen Moment innezuhalten. Das wirkt oft albern und wenig glaubwürdig, als hätte man ihnen jedes Maß an Realismus genommen.

Trotzdem liegt genau darin die Stärke des Films. Die rohe Brutalität und die einfache, direkte Erzählweise haben für mich erstaunlich gut funktioniert. Mr. No Pain macht Spaß, von Anfang bis Ende. Die Art, wie mit der Schmerzlosigkeit der Hauptfigur gespielt wird, ist richtig einfallsreich. Auch bei der Auswahl der Waffen wurde nicht gespart, was den Actionfan in mir sehr glücklich gemacht hat. Wer auf kreative Ideen steht, wird hier viel Freude haben. Für mich war das ein echter Überraschungshit.

Mr. No Frame

Wenn ihr euch fragt, ob man sich den Film lieber digital oder auf Blu-ray holen sollte: Die Blu-ray überzeugt technisch in jeder Hinsicht. Das Bild ist durchgehend scharf, ohne erkennbare Schwächen. Gerade in den Actionszenen kommen die Effekte und die kreative Gewalt so richtig zur Geltung. Auch der Ton ist klar und gut abgemischt. Das Menü ist übersichtlich, alles funktioniert reibungslos.

Und ja, es gibt Bonusmaterial. Drei Kurzfilme geben spannende Einblicke in die Produktion. Das ist zwar nicht viel, aber immerhin mehr, als viele andere Discs bieten. Für Filmfans, die gern hinter die Kulissen schauen, definitiv ein Pluspunkt.

Aktuell liegt der Vorbestellerpreis bei 14,99 Euro – und allein der Film ist dieses Geld meiner Meinung nach schon wert. Wer auf klassische Action steht und Lust auf einen besonderen Twist hat, kann hier nichts falsch machen.

Fazit zu Mr. No Pain:

Mr. No Pain ist ein Film, der ganz genau weiß, was er sein will – und das auch konsequent umsetzt. Wer auf der Suche nach einem tiefgründigen Drama mit vielschichtigen Charakteren ist, wird hier sicher nicht fündig. Stattdessen erwartet einen ein geradliniger, kompromissloser Actionfilm, der seine Prämisse voll auskostet: Ein Mann, der keinen Schmerz empfinden kann, kämpft sich durch eine Welt voller Gewalt, um das zu retten, was ihm am meisten bedeutet.

Gerade diese Ausgangssituation bringt eine erfrischende Dynamik mit sich. Die Tatsache, dass der Protagonist keine Schmerzen spürt, eröffnet erzählerisch wie inszenatorisch viele kreative Möglichkeiten – und der Film nutzt sie mit sichtbarer Freude. Es wird experimentiert, übertrieben und gnadenlos durchgezogen, was in anderen Filmen vielleicht zu viel gewesen wäre. Doch hier passt es ins Konzept. Die Gewalt ist stilisiert, fast schon comicartig überzeichnet, und genau dadurch funktioniert sie erstaunlich gut.

Natürlich bleibt dabei einiges auf der Strecke. Die Nebenfiguren sind meist blass, die Dialoge nicht immer ausgefeilt und die Handlung folgt einem sehr klassischen Muster. Doch das stört erstaunlich wenig. Mr. No Pain punktet nicht durch Raffinesse, sondern durch Energie, Tempo und einen gewissen Mut zur Übertreibung. Wer sich darauf einlässt, wird mit einem unterhaltsamen Ritt belohnt, der keine Sekunde langweilig wird.

Nicht zu unterschätzen ist auch der Spaßfaktor. Der Film nimmt sich selbst nicht zu ernst, lässt aber trotzdem genug Spannung aufkommen, um mitzufiebern. Diese Balance ist nicht leicht, doch Mr. No Pain trifft den Ton genau richtig. Gerade Actionfans, die genug von austauschbaren Blockbustern haben, dürften hier auf ihre Kosten kommen. Es ist diese Mischung aus roher Wucht und spielerischer Kreativität, die dem Film seine eigene Identität verleiht.

Unterm Strich ist Mr. No Pain kein cineastisches Meisterwerk – will es aber auch gar nicht sein. Stattdessen liefert er solide, handgemachte Action mit einem cleveren Twist und viel Tempo. Wer einfach mal abschalten will und Freude an stylischer Inszenierung und einer ungewöhnlichen Hauptfigur hat, wird hier bestens bedient. Ein Film, der nicht lange nachwirkt, aber in dem Moment, in dem man ihn schaut, einfach Spaß macht. Und manchmal ist genau das genug.

Dieser neue Weg wurde letztes Jahr angekündigt und trägt den schlichten Namen Winx Club Reboot. Richtig gehört – man hat sich nicht einfach für Winx Club entschieden, wie es bei anderen Reboots oft der Fall ist, sondern das Wort Reboot direkt drangehängt, um klarzustellen: Hier beginnt etwas Neues. Und das ist eigentlich ziemlich sinnvoll.

Im Gegensatz zur Originalserie ist das Reboot nicht gezeichnet, sondern vollständig in 3D animiert. Einen ersten Trailer gibt es bereits – und ich muss sagen: Es sieht wirklich gut aus! Jetzt hat der offizielle YouTube-Kanal von Winx Club sogar innerhalb eines Monats alle neuen Transformationen unserer geliebten Feen veröffentlicht. Und glaubt mir: Sie sind richtig beeindruckend geworden.

Aber überzeugt euch am besten selbst und schaut euch die neuen Transformationen zum Winx Club Reboot an, das im Herbst dieses Jahres auf Netflix erscheinen soll!

Bloom:

Flora:

Tecna:

Musa:

Stella:

Aisha/Layla:

Die Serie wirkt auf den ersten Blick wie eine klassische Teenie-Serie – nur eben mit der Addams Family und Tim Burton am Steuer. Klingt erstmal nach einer ungewöhnlichen Mischung, doch für Netflix wurde das Konzept zum vollen Erfolg.

Die erste Staffel endete mit einem spannenden Cliffhanger, und es war wenig überraschend, dass Fans sehnsüchtig auf eine Fortsetzung warteten. Lange Zeit war es still um Staffel 2 – doch nun ist endlich der erste Trailer da! Dieser gewährt einen ausführlichen Einblick in das nächste Kapitel rund um Wednesday und ihre düstere Welt.

In der zweiten Staffel kehrt Wednesday an die altbekannte Schule zurück – entschlossen, die noch offenen Mysterien zu lösen und tiefere Geheimnisse zu lüften. Dabei begegnet sie erneut skurrilen Figuren, gefährlichen Intrigen – und dem Tod, der nie weit entfernt scheint. Der Trailer verspricht wieder genau den Mix aus schwarzem Humor, Mystery und Gothic-Charme, den Fans bereits an Staffel 1 geliebt haben.

Wie inzwischen bei Netflix üblich, erscheint die neue Staffel in mehreren Teilen. Teil 1 von Wednesday Staffel 2 startet am 6. August, Teil 2 folgt dann am 3. September. Fans dürfen sich also auf einen düsteren Spätsommer freuen – mit ordentlich Grusel, Humor und Wednesday-typischer Coolness.

Trailer zur zweiten Staffel von Wednesday:

Zugegeben, der Titel sagte mir zunächst gar nichts. Aber als ich mir den Inhalt durchgelesen hatte, war schnell klar: Das könnte richtig Spaß machen. Ob der Film dieses Versprechen hält oder ob ihr lieber zu einem anderen Vertreter des Genres greifen solltet, erfahrt ihr in dieser Kritik zu Take Cover.

Action in nur einem Raum

Sam Lorde war über Jahre hinweg als eiskalter Auftragskiller gefürchtet – ein Meister seines Fachs, tödlich präzise. Doch jetzt will er aussteigen. Nur noch ein letzter Auftrag – so der Plan. Doch ausgerechnet dieser entpuppt sich als Falle: Sam wird selbst zur Zielscheibe.

Gefangen in einem gläsernen Penthouse, hoch über der Stadt, ohne Deckung oder Fluchtmöglichkeit, beginnt für ihn ein gnadenloser Überlebenskampf. Was bleibt, sind sein Instinkt, seine militärische Ausbildung – und die Tatsache, dass diesmal mehr auf dem Spiel steht als nur sein Leben.

Ein Großteil von Take Cover spielt tatsächlich nur an einem einzigen Ort: einem stylischen Penthouse. Dort soll Sams letzter Job über die Bühne gehen – doch schnell wird es zum Schauplatz eines Katz-und-Maus-Spiels auf Leben und Tod.
Der Titel ist dabei Programm: „Take Cover“ – in Deckung bleiben – wird zur obersten Überlebensregel. Solche Kammerspiele können schnell monoton werden, wenn nicht genug kreative Ideen vorhanden sind. Doch Regisseur Nick McKinless schafft es erstaunlich gut, die Spannung über die gesamte Laufzeit aufrechtzuerhalten. Die knapp 90 Minuten sind kompakt, straff erzählt und durchweg unterhaltsam.

Non-Stop Action ohne Langeweile

Vielleicht liegt es auch an der Kürze des Films, aber Take Cover kommt ohne Längen aus. Zwar nimmt sich der Film an manchen Stellen Zeit für kleinere Charaktermomente, doch ab der Eröffnungsszene gilt: Action, Action, Action – und die ist wirklich hervorragend choreografiert.

Klar: Die Story selbst ist eher schlicht gehalten, und die Eröffnungsszene wirkt rückblickend etwas ziellos. Aber genau das gleicht der Film durch seine packenden Actionsequenzen locker wieder aus. Es ist genau die spaßige Actionorgie, auf die ich gehofft hatte.

Auch die schauspielerischen Leistungen können sich sehen lassen. Natürlich wird hier kein oscarreifes Drama abgeliefert, aber das ist auch gar nicht nötig. Der Cast liefert genau das, was man für einen unterhaltsamen Actionfilm braucht – glaubwürdige Präsenz und überzeugendes Timing.

Sound und Bildqualität der Blu-ray sind ebenfalls top. Das Bild ist klar, ohne störende Fragmente, und auch der Soundtrack kommt kraftvoll rüber. Extras bietet die Blu-ray zwar kaum, aber das ist zu verschmerzen, wenn man dafür einen soliden Actionfilm bekommt, der locker einen unterhaltsamen Nachmittag oder Abend füllt.

Fazit zu Take Cover:

Take Cover ist ein klassisches Beispiel dafür, wie viel Spannung und Intensität man auch mit einem minimalistischen Setting erzeugen kann. Statt auf große Schauplätze oder spektakuläre Locations zu setzen, konzentriert sich der Film ganz auf ein enges, überschaubares Szenario – ein Penthouse als tödliche Falle. Dieser Fokus funktioniert erstaunlich gut, weil Regisseur Nick McKinless versteht, wie man mit einfachen Mitteln effektive Spannung aufbaut. Das Ergebnis ist ein Kammerspiel voller Tempo, das sich fast wie ein Videospiel-Level anfühlt, in dem jede Bewegung zählt und jeder Fehler tödlich sein kann.

Stärken zeigt der Film eindeutig in seiner Action: Die Kämpfe sind dynamisch inszeniert, clever choreografiert und – was besonders wichtig ist – angenehm bodenständig. Es wird nicht übertrieben, sondern präzise gearbeitet. Die Actionszenen wirken dadurch glaubwürdig und intensiv. Scott Adkins, der in der Hauptrolle einmal mehr sein Können zeigt, trägt viel zur Wirkung des Films bei. Er bringt sowohl physische Präsenz als auch eine gewisse Ruhe mit, die gut zu seiner Figur des erfahrenen Profikillers passt.

Schwächen hat Take Cover eher im erzählerischen Bereich. Die Story ist sehr simpel gestrickt und bietet wenig Überraschungen. Auch der Einstieg wirkt etwas unentschlossen und scheint nicht viel zur eigentlichen Handlung beizutragen. Wer hier auf tiefgründige Charakterentwicklung oder große emotionale Momente hofft, wird enttäuscht. Doch der Film macht keinen Hehl daraus, was er sein will – ein schnörkelloser, direkter Actionfilm, der seine Prioritäten klar setzt.

Technisch gibt es wenig auszusetzen. Bild und Ton der Blu-ray sind hochwertig und lassen die Inszenierung gut zur Geltung kommen. Die reduzierte Ausstattung der Blu-ray ist angesichts des kompakten Films zu verschmerzen – hier steht das pure Filmerlebnis im Vordergrund. Für Fans von schnörkelloser Action, die auf clevere Spannung und kompromisslose Dynamik stehen, ist Take Cover auf jeden Fall einen Blick wert.

Unterm Strich bleibt ein kurzweiliger, spannender Actionthriller, der vor allem durch seine dichte Atmosphäre, solide Inszenierung und starke Hauptfigur punktet. Kein Meilenstein des Genres, aber definitiv eine gelungene Abwechslung für zwischendurch – vor allem, wenn man einfach mal 90 Minuten lang abschalten und sich von sauber inszenierter Action mitreißen lassen möchte.