Dragon Ball: Sparking! ZERO ist in den folgenden Editionen erhältlich:

• Die Standardedition
• Die Digital Deluxe Edition enthält die Standardedition, drei Tage vorzeitigen Zugang zum Spiel und den Season Pass, der mehr als 20 Charaktere enthält, darunter Charaktere aus Dragon Ball Super: Super Hero und Dragon Ball Daima, sowie die Shenron-Beschwörung, mit der Gegenstände freigeschaltet werden können. Ein frühzeitiger Zugriff auf Charaktere mit herunterladbaren Inhalten ist ebenfalls enthalten.
• Die Digital Ultimate Edition enthält die Inhalte der Deluxe Edition sowie das Ultimate Upgrade Pack, das das Goku (Super) Kostüm mit Power Pole, ein Emote Voice Set, einen Anpassungsgegenstand und zwei Spielerkartenhintergründe enthält. Diese Edition bietet außerdem die Möglichkeit, Super Shenron zu beschwören, um Gegenstände oder Charaktere freizuschalten.

Die Collector’s Edition enthält den Inhalt der Digital Ultimate Edition und zusätzlich ein exklusives Dragon Ball: Sparking! ZERO-Diorama und ein Metallic-Lesezeiche

Die Premium Collector’s Edition, die exklusiv im Bandai Namco Store erhältlich ist, enthält alle Inhalte der Collector’s Edition sowie ein SteelBook und vier exklusive Karten aus dem Dragon Ball Super Card Game Fusion Worlds.

Dragon Ball: Sparking! Zero erscheint am 11. Oktober für Playstation 5, Xbox Series X|S und PC.

10 weitere Charakter für das kommende Dragon Ball Spiel wurden im neusten Trailer, enthüllt.

• Gohan (Kind)
• Gohan (Erwachsen)
• Gohan (Zukunft)
• Gohan (Zukunft), Super Saiyan
• Trunks (Schwert)
• Trunks (Schwert), Super Saiyan
• Videl
• Beerus
• Whis
• Meister Roshi

Dragon Ball: Sparking! Zero ist in Entwicklung für Playstation 5, Xbox Series X|S und PC. Ein Release Datum ist noch nicht bekannt.

Ein ganz normales Leben führen, danach streben wir wohl alle. Manche erwarten vielleicht etwas mehr, andere sogar weniger. Denn anstatt einen aufregenden Alltag mit großem Freundeskreis zu genießen, finden viele ihr Seelenglück in absoluter Isolation. Soziale Interaktion tauschen sie freudestrahlend gegen Einsamkeit, leidenschaftlich ausgeführte Hobbys und ein ganz eigenes Verständnis für die Welt um sie herum. So auch Protagonist Takumi Nishijou, der im belebten Tokioter Stadtteil Shibuya kein besseres Beispiel für einen sogenannten Hikikomori abgegeben könnte. Abgeschottet vom Rest der Gesellschaft, verbringt der blasse Blauschopf seine Zeit am liebsten mit Videospielen und Hentai. Ja, sogar seine Anwesenheit in der Schule ist so strukturiert, dass es gerade noch für den Abschluss reicht, weshalb Nishijou viele Tage einfach in seinem als Wohnung umfunktionierten Container auf dem Dach eines Wolkenkratzers verbringt und dort den stillen Ruhm seiner unangefochtenen Karriere als bester Spieler eines beliebten Online-RPGs genießt.

Doch als plötzlich eine Reihe höchst seltsamer Morde die Metropole erschüttern, soll sich auch Nishijous Leben drastisch ändern. Denn was der ansonsten wenig begeisterungsfähige Schüler zunächst noch gebannt vor dem heimischen Bildschirm verfolgt, wird schon bald zu einem Teil seiner eigenen Realität, wobei selbst die nicht immer das zu sein scheint, für das er sie bislang gehalten hat…

Alles hat ein Ende, nur…

Erneut gelingt dem japanischen Entwicklerstudio Mages mit Chaos;Head Noah und Chaos;Child ein erzählerischer Meilenstein. Der starke Cast aus vielseitigen und vor allem interessanten Persönlichkeiten legt schnell die bunte Maske überdimensionaler Anime-Augen ab und zeigt mit dem Feingefühl, aber eben genau der gewollten Durchschlagskraft einer Abrissbirne sein wahres, von nachvollziehbaren Problemen gezeichnetes Gesicht. Neben zahlreichen Einflüssen aus dem echten Leben und leicht überzogener Popkultur, zieht uns der gewohnt gelungene Spagat zwischen abgedrehter Fiktion und komplex wissenschaftlicher Erklärung durchweg in den Bann. Offene Münder garantiert, denn während Nishijou anfangs noch mit relativ alltäglichen Sorgen kämpft und erst das Auftauchen merkwürdiger Mädchen mit riesigen Schwertern für tatsächliche Stirnfalten sorgt, steht schon bald das Schicksal der gesamten Welt auf dem Spiel, wofür sich beide Titel beispiellos an authentischen Inspirationsquellen wie Religion, Digitalisierung, Psychosomatik und der eigenen Identität bedienen und daraus eine ganz eigene Formel spinnen, die genügend Interpretationsfreiraum lässt, um auch uns zwischen Realität und Wahn zweifeln zu lassen.

Während nach knapp 40 Stunden bei entspannter Lesegeschwindigkeit zum ersten mal der Abspann über den Bildschirm flimmert, kommt allerdings schon ein wenig Wehmut auf und wir stellen uns verwundert die Frage, ob das wirklich schon alles war. Nicht etwa, weil wir nicht auf bestem Niveau unterhalten wurden oder Charakterzeichnung und die spannende Entwicklung des bunten Casts nicht einem Titel dieser Größe entsprechen. Nein, viel mehr sind es die zahlreichen Fragezeichen, die immer noch in unseren Köpfen spuken. Und, wer hätte es gedacht, mit dem ersten Ende von Chaos;Head Noah ist noch lange nicht Schluss, denn insgesamt erwarten uns zehn unterschiedliche Ausgangsszenarien – sieben mehr, als noch im Original. Der Nachfolger Chaos;Child möchte sogar ganze fünf mal erfolgreich beendet werden, damit wir Zugriff auf das wahre Ende erhalten.

Das mag nur wenig verwundern, schließlich sind wir das verworrene Netz aus tiefgründigen Charakterbeziehungen und undurchsichtigen Entscheidungsverläufen vom Entwickler Mages bereits aus Steins;Gate Elite und Robotics;Notes Elite gewohnt, wobei sie damit ja nicht einmal ein besonderes Novum im Genre darstellen. Trotzdem, die fehlende Nachvollziehbarkeit ist extrem verwirrend. Bei unserem ersten Durchlauf bemerken wir nicht einmal, dass Möglichkeiten der Interaktion überhaupt existieren. Doch selbst mit diesem Wissen, benötigen wir im zweiten Run dringend Hilfe aus der Community, um die Geschichte auf dem gewünschten Pfad wandeln zu lassen.

Auch hier möchten wir euch ungern spoilern, doch sämtliche Gameplay-Mechaniken, so abstrus sie auch erscheinen mögen, bleiben spielerisch im eher unaufgeregten Rahmen eines typischen Adventures. Erwartet also keine dynamischen Eisbrecher, das Chaos-Doppelpack bleibt eine vorwiegend statische Erfahrung, wie wir sie von einer Visual Novel auch ganz klassisch erwarten.

Vom Gruseln und Triggern

Fernab ihrer unflexiblen Präsentation, verstehen es beide Titel dennoch auf wunderbare Weise, der umfangreichen Erzählung Leben einzuhauchen. Trotz Kulleraugen und stereotyper Anime-Tropes, die unweit des Brustbeins aufgeregt-aufdringlich den halben Bildschirm füllen – es bleibt eben sehr japanisch – erwartet uns ein vorwiegend düsterer Mix aus ernsten Themen und komplexer (Meta)-Wissenschaft im teils sogar actionreichen Horrorgewand, der nur selten in humoristischen Einlagen Auflockerung findet und Momente der Leichtigkeit eher dafür nutzt, um der Dramaturgie der steilen Achterbahnfahrt noch mehr Geschwindigkeit zu verleihen, als daraus eine gemütliche Sonntagsfahrt zu machen.

Vor allem zu Beginn der Geschichte von Chaos;Head Noah, wenn Nishijou alleine in seinem abgedunkelten Wohn-Container sitzt, sich durch unzählige Artikel über die mysteriöse Mordserie klickt, wir natürlich gespannt mitlesen, und dabei nur das permanente Festplatten- und Lüftergeräusch seines Computers im Hintergrund rauschen und monoton klacken hören, kommt schon ordentlich Grusel-Feeling auf, was optisch clever imitierte, paranoide Schulterblicke nach der berühmten Person hinter uns wahnsinnig gelungen unterstreichen. Das aber nur als kleines Beispiel, denn im Prinzip holen beide Spiele erstaunlich viel aus ihrem Präsentations-Potential heraus, damit die Immersion auch audiovisuelle Gerechtigkeit erfährt.

Falls das doch einmal nicht klappt oder Szenen bewusst ohne Visualisierung auskommen, springt die Erzählung in Textform ein und begeistert uns mit detailreichen Erklärungen und ihrem großartigen Writing, das diese hohe Qualität selbstverständlich auch in den etlichen Dialogen erreicht. Allerdings möchten wir an genau dieser Stelle eine kleine Triggerwarnung aussprechen. Die eher gemächliche, durch das dynamische Springen zwischen verschiedenen Charakteren aber immerhin sehr lebhafte Erzählstruktur und einem fast schon zu ereignislosen Mittelteil, in dem die Geschehnisse etwas vor sich hin plätschern, nehmen Chaos;Head Noah und auch Chaos;Child vor allem im letzten Drittel extrem an Fahrt auf und überrollen ihr zuvor aufgebautes Kartenhaus mit einem ganzen Konvoi aus tonnenschweren LKWs, um es kurz darauf bis zur Unkenntlichkeit zu verbrennen. Klingt wild, aber ja, waren es wenige Stunden zuvor noch die bizarren Mordfälle, beispielsweise ein in den Bauch eines toten Mannes genähter Fötus, oder die seltsamen Ungereimtheiten um Nishijous plötzlichen Freundeskreis und eine scheinbare Amnesie, finden wir uns nun in einem emotionalen Scherbenhaufen wieder, der die Grenzen zwischen Realität und Wahnvorstellung verschwimmen lässt.

Konkret, und natürlich ohne Spoiler, geht es um ernste und reale Themen wie Selbstmord. Der wird zwar nicht explizit dargestellt, findet im detailreichen Narrativ und der situativen Dynamik, die neben der fesselnden Dramatik irgendwann einen emotional nur schwer zu ertragenden Tiefpunkt erreicht, allerdings genügend Entfaltung und eine gewisse Nähe zum echten Leben. Klar, für eine Visual Novel ist das schon eine Auszeichnung, wenn sie es versteht, uns derart mitzureißen. Wir mussten im konkreten Fall allerdings eine kleine Pause einlegen, weil es uns mit diesem Stimmungsbild über einen längeren Zeitraum dann doch nicht mehr so gut ging. Achtet da unbedingt auf euch und spielt/lest vielleicht gemeinsam. Kleiner Alternativ-Tipp für zwischendurch von uns: Arcade Spirits: The New Challengers – so inklusiv und positiv haben wir uns schon lange nicht mehr unterhalten gefühlt.

Mobiler Wahnsinn

In Sachen Technik wirkt das Doppelpack aus Chaos;Head Noah und Chaos;Child jedenfalls gut auf der Nintendo Switch aufgehoben. Bis auf wenige Rechtschreibfehler, sind uns keine weiteren Ausrutscher oder Unzulänglichkeiten aufgefallen. Im Gegenteil, durch den mobilen Aspekt gewinnen beide Titel nochmal gehörig an Spielbarkeit hinzu. Sämtliche Texte erscheinen jederzeit gut lesbar auf dem Bildschirm, wobei viele Einstellungsmöglichkeiten zusätzlich dafür sorgen, dass ihr ein individuell angenehmes Erlebnis habt. Über die Steuerung gibt es Genre-bedingt wenig zu sagen, die funktioniert einwandfrei, lediglich der fehlende Touchscreen-Support ist etwas bedauerlich. Aber alles halb so wild, schließlich nutzen wir das Display auch viel lieber, um die handgezeichneten Charakter-Sprites, liebevoll detaillierten Umgebungen und die ein oder andere Animation zu bewundern. Nach den beiden Elite-Ablegern der Science Adventure-Reihe, mit vollständig animierten Sequenzen in Steins;Gate Elite, bzw. mehrdimensionalen Polygon-Modellen in Robotics;Notes Elite, macht sich beim Anblick dieses Doppelpacks zwar leichte Ernüchterung breit, einem gewissen Charme und dem Aufbau der Atmosphäre tut das aber keinen Abbruch (es muss ja auch nicht zwangsläufig jedes Spiel DIESE verrückte Präsentation auffahren).

Auf die Ohren gibt es einen abwechslungsreichen, stimmungsvollen Soundtrack-Cocktail aus verspielten Klängen, düsteren Tönen und aufreibenden Stücken. Ob elektronisch oder rockig, die klangvolle Palette hält für jede Situation das passende Musikstück parat und trägt damit einen Großteil zur ohnehin starken Immersion bei. Für die Portierung auf Nintendos Hybridkonsole wurden sogar zusätzliche Songs aufgenommen, die sich wunderbar in den bereits bekannten Score einfügen. Doch damit nicht genug, auch die Sprachausgabe verdient mit ihrer durchgängigen und gelungenen Synchronisation auf Japanisch ein ganz besonderes Lob. Für die Texte müssen wir hingegen mit Englisch vorliebnehmen, was aufgrund der wissenschaftlichen Anleihen und generell komplexen Thematik mindestens fortgeschrittene Kenntnisse in dieser Sprache erfordert.

Wer damit kein Problem hat, stößt sich höchstens noch an den nicht eingeblendeten Charakternamen während der Dialoge, zumindest in Chaos;Head Noah. Der Nachfolger Chaos;Child geht damit deutlich besser um, im Prequel ist allerdings meist nicht gleich ersichtlich, welcher Charakter gerade spricht. Vor allem in Gesprächssituationen mit mehreren ProtagonistInnen und leise gestelltem Spielsound, rätseln wir oft, wer aktuell das Wort hat und achten dabei etwas zu angestrengt auf die immerhin nett gestaltete Lippensynchro.

Chaos;Head Noah und Chaos;Child sind seit dem 7. Oktober 2022 endlich auch für die Nintendo Switch erhältlich. Zudem findet ihr beide Titel auf dem PC via Steam und der Playstation 4. Das Doppelpack schlägt mit 49,99€ zu Buche und ist sogar in einer physischen Variante erhältlich. Digital habt ihr die Möglichkeit, beide Ableger auch einzeln zu erwerben.

Für diesen Test wurde uns freundlicherweise ein Reviewcode von Chaos;Head Noah und Chaos;Child für die Nintendo Switch vom Publisher Spike Chunsoft zur Verfügung gestellt. Screenshots stammen aus dem offiziellen Presse-Kit.

Ein kurzer Hinweis zum Schluss:

Chaos;Head Noah ist das Remaster der bereits 2008 und ausschließlich innerhalb Japans veröffentlichten Visual Novel Chaos;Head. Während westliche SpielerInnen zum ersten mal überhaupt in den Genuss der Vorgeschichte zu Chaos;Child kommen dürfen, hat das Remaster vor allem technische Verbesserungen an Bord. So lässt sich das Prequel nun auch in HD erleben, zudem wurden neue Enden und Musikstücke hinzugefügt. Bei Chaos;Child handelt es sich lediglich um einen Port des erstmals 2014 für Playstation und PC erschienenen Science-Adventures.

Chronologisch solltet ihr unbedingt mit Chaos;Head Noah beginnen, auf das wir auch hier im Test vorwiegend eingegangen sind, um hauptsächlich relevante Spoiler zu vermeiden. Aber keine Panik, das hohe Niveau bleibt beiden Ablegern durchweg erhalten, weshalb wir das Doppelpack auch in einer einzigen Review verpackt haben.

Runter kommen sie alle…

Eine Studio Ghibli-esque Präsentation, ein absurd starker Kontrast zwischen niedlicher Aufmachung im Chibi-Stil und brutalen Gewaltszenen und ein Plot, der selbst die größten Kritiker begeistern kann: Das ist Made in Abyss. Zumindest der Anime. Für den ersten Ausflug in die Welt der Videospiele, trifft Entwickler Chime Corporation leider ein paar fragwürdige Entscheidungen, die der gewohnt hohen Qualität der Manga- und Animationsfilmreihe nicht immer ganz gerecht werden.

Worum geht’s? Die Welt von Made in Abyss ist unserer eigentlich ziemlich ähnlich, jedoch mit einem erheblichen Unterschied. Mitten im Meer klafft ein riesiges Loch mit einem Durchmesser, der mehrere Kilometer umfasst. Allerdings ist es viel mehr die unergründliche Tiefe des geheimnisvollen Kraters, die der Geschichte ihren markanten Anhaltspunkt verleiht. In mehrere Ebenen unterteilt, lockt der namensgebende Abgrund mit Reichtum und Ruhm. Zwar stellt der Abstieg selbst keine unüberwindbaren Hürden dar, doch für das Bergen von Artefakten und dem damit verbundenen Aufstieg, zahlen wagemutige ErkunderInnen einen hohen Preis. Angefangen bei der obersten Schicht, klagen Betroffene über Schwindel und Übelkeit, während die wirklich lohnenswerten Tiefen rückkehrende EntdeckerInnen sogar mit dem Tod bestrafen. Um der Handlung eine persönliche Note zu verpassen, werden die Geschehnisse aus der Perspektive von Riko, einem Waisenkind aus dem Städtchen Orth, das sich wie ein Kranz um den Abyss gegründet hat und AbenteurerInnen aus der ganzen Welt anzieht, erzählt. Auf den Spuren ihrer berühmten, aber in den Untiefen als verschollen geglaubten Mutter, möchte das quirlige Mädchen unbedingt zu einer Weißpfeife, dem höchsten Rang unter den Glücksrittern, befördert werden. Nur gut, dass sie auf einem ihrer Erkundungstrips den Roboterjungen Reg trifft, der dank ausfahrbarer Arme, vernichtendem Laserstrahl und anderen Gimmicks eine Unterstützung der besonderen Art darstellt. Den zahlreichen Gefahren, cool designten Monstern und dem ikonischen Fluch des Aufstiegs längst nicht mehr so wehrlos gegenüber, begeben sich beide auf eine gemeinsame Reise ins Ungewisse und hoffen, im tödlichen Schlund des Abgrunds einen Hinweis auf den Verbleib der legendären Weißpfeife zu erhalten.

Entdeckungsreise im Doppelpack

Dass sich eine so spannende Geschichte größter Beliebtheit erfreut, dürfte nur wenig verwundern. Im Fall von Made in Abyss, führt das jedoch zu einem kleinen Problem, über das auch wir schmerzhaft stolpern mussten. In freudiger Erwartung auf das anstehende Review-Exemplar, wollten wir uns im Vorfeld schon mal richtig warmlaufen und haben die insgesamt dreizehn Episoden der ersten Anime-Staffel quasi verschlungen. Keine gute Idee, denn der Modus Hello Abyss lässt uns genau diese Ereignisse noch einmal interaktiv nacherleben. Klar, endlich mal selbst in den Abyss hinabsteigen zu dürfen, das ist dann schon ein spannendes Gefühl, die exakt selbe Story in abgespeckter Form und inhaltlich um einige Details erleichtert erneut vorgekaut zu bekommen leider nicht mehr.

Immerhin stellt sich dieser Modus lediglich als erweitertes, knapp fünfstündiges Tutorial heraus, in dem wir unsere ersten Gehversuche in die unendlichen Tiefen wagen und alle grundlegenden Mechaniken ausführlich erklärt bekommen. Neben der relativ freien Erkundung, steht natürlich das Finden und Sammeln von Artefakten im Vordergrund. Aber auch Schleichpassagen, Monster vermöbeln und klassisches Crafting sind wichtige Bestandteile des Action-RPGs. Dabei stets präsent: Der Fluch des Aufstiegs. Oft reicht schon eine kleine Anhöhe, die wir im Stil eines The Legend of Zelda: Breath of the Wild und unter ständiger Beobachtung des Ausdauerbalkens erklimmen, um uns mit einem der zahlreichen Negativeffekte auseinandersetzen zu müssen. Ein umgedrehter Magen ist beim Besteigen einer meterhohen Steilwand sicher kein guter Begleiter, doch auch feindlich gesinnte Monster sehen einen Vorteil in unserer Not. Jetzt helfen nur noch selbst gekochte Mahlzeiten, deren Zutaten wir zuvor fleißig eingesammelt haben und daraus etwas Leckeres zubereiten konnten, damit Hunger, Ausdauer und die Lebensleiste wieder auf ein erträgliches Niveau steigen. Auch Waffen wollen teilweise eigenhändig hergestellt und selbstverständlich regelmäßig geschwungen werden. Trotzen wir den Strapazen und schließen die Mission erfolgreich ab, hagelt es Geld für neue Ausrüstung und Erfahrungsstufen, mit denen wir ein paar hilfreiche Fähigkeiten dauerhaft freischalten. Doch keine Panik, zumindest noch nicht, denn dieser Modus ist tatsächlich nur der friedliche Auftakt in Kinderschuhen…

Fast schon Soulslike will jeder nächste Schritt mit Vorsicht bedacht und jedes Problem mit kühlem Kopf gelöst werden.

Sein wahres, unerbittliches Potential entfaltet Made in Abyss erst im zweiten Modus, Deep in Abyss. Hier verzichten wir auf die tatkräftige Unterstützung von Robo-Boy Reg und lassen auch den offiziellen Plot des Anime weit hinter uns. Zwar ist es jammerschade, dass wir dieses Alternativszenario erst mit dem vollständigen Abschluss von Hello Abyss freischalten, angesichts der bevorstehenden Gefahren, bietet ein so ausgeprägtes Tutorial aber auch diverse Vorteile. Denn nun geht es mit einem selbsterstellten Charakter in die Tiefen des Abyss, wo der Tod an jeder Ecke lauert und wir sind ein bisschen froh, ein paar der wichtigsten Mechaniken bereits verinnerlicht zu haben. Waffen verfügen jetzt über eine begrenzte Haltbarkeit und selbst das Gewicht unseres Rucksacks sollten wir stets berücksichtigen, um nicht irgendwann wie eine Schnecke durch dichte Wälder und außerirdisch anmutende Fels- und Höhlenlandschaften zu kriechen.

Auch wenn Made in Abyss seine Höhen und Tiefen optisch extrem ansprechend darstellt und uns sogar das aufgeräumt übersichtliche UI-Design mit wertvollen Daten zu diesen und weiteren Aspekten versorgt, bleiben Ab- und vor allem Aufstieg im Abyss eine spielerisch zähe Herausforderung. Keiner der voneinander getrennten Bereiche verfügt über eine praktische Schnellreise-Funktion oder ähnliches. Den Weg, den wir hinab genommen haben, nehmen wir auch wieder zurück – ganz ohne Abkürzungen oder sonstige Erleichterungen. Zusammen mit den Effekten des Fluchs, unentwegten Angriffen durch die fantastischen Kreaturen der Serie und allgegenwärtigen Survival-Elementen wie Hunger oder Ausdauerverlust, lässt uns Made in Abyss regelmäßig mit den Zähnen knirschen, gewinnt dadurch aber auch einen Großteil seiner Faszination. Fast schon Soulslike will jeder nächste Schritt mit Vorsicht bedacht und jedes Problem mit kühlem Kopf gelöst werden. Als besonders unterhaltsam empfanden wir übrigens den Umgang mit der eigenen Gier. Gehen wir noch ein wenig weiter und sacken vielleicht ein extrem seltenes Artefakt ein oder entdecken gar ein geheimes Areal? Aber packen wir dann noch den Rückweg? Ist es das Risiko überhaupt wert?

Nach dem Aufstieg kommt der Fall

So spaßig das alles klingen mag, einem großen Negativpunkt kann sich Made in Abyss nur schwer entziehen: Dem doch ziemlich repetitiven Spielablauf. Irgendwann fühlt sich jeder noch so aufregende Erkundungstrip wie der andere an. Gepaart mit einigen Momenten voller Frust, hauptsächlich im späteren Verlauf, sind wir dann doch nicht mehr sonderlich motiviert, die letzten Geheimnisse des Abgrunds ans Tageslicht zu befördern. Einen Großteil trägt dazu auch die Steuerung bei, die etwas überladen wirkt. Zudem fühlt sich die Navigation durchs unübersichtliche Waffenrad immer etwas umständlich an. Das Button-Mapping dürfen wir zwar frei nach Wunsch verändern, die Doppelbelegung mancher Tasten bleibt uns aber erhalten. Vor allem beim Sprinten/Ausweichen nervt das gehörig, denn ein doppelter Tastendruck dauert natürlich deutlich länger, was blitzschnelle Reaktionen bereits im Vorfeld verhindert. Komfortable Ergonomie bleibt also ein schwieriges Thema, egal welches Gamepad wir benutzen. Zu allem Überfluss stecken wir also nicht bloß ungewollt ein, auch die Kämpfe selbst lassen durch das viel zu lasche Trefferfeedback nie ein wirklich befriedigendes Gefühl aufkommen. Spaß sieht jedenfalls anders aus und bereits in den ersten Gebieten kloppen wir nur mehr lustlos auf die Viecher ein.

Schade, denn zumindest optisch fängt der Titel die Stimmung der Vorlage gekonnt ein und verwöhnt Fans mit Originalszenen aus dem Anime und eigens für die Versoftung erstellten 3D-Sequenzen. Soundtrack und Vertonung legen nochmal einen drauf und locken mit dem atmosphärisch komponierten Score und toller Synchronisation an die Kopfhörer. Zu hören gibt es dabei wahlweise englische oder japanische Sprecher, während sich die Texte gut lesbar auf dem Bildschirm platzieren. Eine deutsche Lokalisierung fehlt wie zu erwarten, auch hier müssen wir mit Englisch oder Japanisch vorliebnehmen. Auf der Nintendo Switch gibt es technisch nur wenig zu bemängeln. Schnelle Ladezeiten und eine knackig scharfe Auflösung, sogar im Handheld-Modus, verdienen ein ganz besonderes Lob. Lediglich die Bildwiederholungsrate kann da nicht immer ganz mithalten, weshalb es öfter zu nervigen Rucklern kommt und sogar Pop-Ins die ansonsten hübsche Weitsicht trüben. Hier wird hoffentlich noch mit einem entsprechenden Patch nachgebessert.

Qualitativ weit von einem AI: The Somnium Files entfernt, liefert uns Publisher Spike Chunsoft den nächsten Titel nicht aus den eigenen vier Wänden, sondern vom eher kleinen Entwicklerteam Chime Corporation. Bereits ihr letztes Werk, Re: ZERO Starting Life in Another World, überzeugte uns durch sein mitreißendes worldbuilding, die Visual Novel-artige Erzählstruktur und den etlichen Details im Design. Beim Gameplay hingegen, wanderte man auf seltsamen Pfaden. Eine Mischung aus Fire Emblem und eigenen Ideen sollte es wohl werden, woraus letztendlich aber leider nur komplett spaßbefreiter Unsinn entstand. Für Made in Abyss: Binary Star Falling into Darkness scheint sich das Studio die Kritik zu Herzen genommen zu haben, doch ein roter Faden ist immer noch deutlich zu erkennen. Neben charmanter Vorlagen-Verwertung und frischem Setting durch den Abyss, gerät vor allem das Gameplay mit seinem monotonen Verlauf, den häufigen Frustmomenten und zahlreichen weiteren Schwächen in die Kritik. Ohne die Lizenz würde der Titel ganz schön schlecht dastehen, könnte uns dann aber auch sofort den Weg zum wesentlich spannenderen Modus freigeben – ohne erst durch ein stundenlanges Tutorial zu zwingen, das uns narrativ in einen gelangweilten Wiederkäuer verwandelt.

Made in Abyss: Binary Star Falling into Darkness ist seit dem 02. September 2022 für Nintendo Switch, Playstation 4 und den PC via Steam erhältlich. Hierzulande könnt ihr den Titel ausschließlich digital und zum Vollpreis von 59,99€ erwerben. 

Der Test zu Made in Abyss: Binary Star Falling into Darkness basiert auf einem Reviewcode für die Nintendo Switch-Version des Spiels, der uns freundlicherweise vom Publisher zur Verfügung gestellt wurde. Screenshots stammen aus dem offiziellen Presse-Kit.

Jetzt bloß nicht niesen…

Was für ein Schlamassel!

Naturkatastrophen und ein alles zerstörender Krieg legen die Welt in Schutt und Asche. Das kennt man ja schon. Zu ihrem vermeintlichen Glück, bekommt Protagonistin Komaru Naegi von der absoluten Apokalypse aber überhaupt nichts mit. Die zaghafte Schülerin wird nämlich seit geraumer Zeit in einem Apartment gefangen gehalten. Wieso, weshalb, warum – das müssen wir erst noch in Erfahrung bringen.

Doch vorerst bleibt dafür gar keine Zeit. Als rasiermesserscharfe Klauen unserer Gefangenschaft im goldenen Käfig ein jähes Ende bereiten, geraten wir in einen Strudel bizarrer Ereignisse, die so schnell nicht mehr loslassen. Eine Gruppe von Kindern, die Warriors of Hope, hat es sich zur Aufgabe gemacht, alle Erwachsenen in der postapokalyptischen Towa City um die Ecke zu bringen. Selbstverständlich werden auch wir zu einem Teil ihres mörderischen Spiels. Die von ihnen kontrollierten Monokumas – böswillige Teddybären mit unnachgiebig tödlichen Absichten – machen eine direkte Flucht aus der ohnehin krisengebeutelten Stadt schier unmöglich. Vielleicht kann uns ja die Future Foundation, die den Kids unlängst den Kampf angesagt hat und ihnen mit Anzügen und modifizierten Megaphonen entgegentritt, helfen? Oder ist Toko Fukawa unsere größte Rettung in der Not – eine, nunja, Person sondergleichen, dessen zweite Persönlichkeit als brutaler Serienkiller gilt?

Ok, der Plot mag zwar etwas austauschbar klingen, doch sind es vor allem die obskuren Charaktere und dieser morbide Mix aus Ernsthaftigkeit und komplett überzogenen, fast schon sarkastischen (Gewalt-)Darstellungen, die Danganronpa Another Episode: Ultra Despair Girls zu einem unvergleichlichen Erlebnis werden lassen. Was hier wie ein Spaß wirkt, ist oft bitterer Ernst. Die Monokumas zum Beispiel erscheinen auf den ersten Blick äußerst niedlich, doch wenn die Roboter-Stofftiere in einer flotten Cutscene über etliche Passanten herfallen, wissen wir: Mit denen ist garantiert nicht gut kuscheln. Dabei können wir uns dann oft gar nicht entscheiden, ob wir jetzt wegen der übertriebenen Dramatik schmunzeln oder doch ernst auf den Bildschirm schauen sollen.

Eine der grausamsten Szenen von Ultra Despair Girls: Lila Blut. Ich kann kaum hinschauen…

Vertrautes Chaos

Mit Danganronpa Another Episode: Ultra Despair Girls verhält es sich grundsätzlich ähnlich, wie mit allen anderen Spielen, die von einem starken Fernost-Flair geprägt sind – entweder ihr könnt damit sowieso etwas anfangen oder eben nicht. Der Humor ist gewohnt albern, bedient sich dafür auch mal an sexuellen Untertönen, rutscht aber nie auf eine peinliche Ebene ab. Zusammen mit den vielen popkulturellen Anspielungen und den serientypischen Seitenhieben in Richtung japanischer Leistungsgesellschaft, ergibt sich  ein eher satirisches Gesamtbild – fast so, als würde sich Ultra Despair Girls selbst nicht so ganz ernst nehmen.

Unbekannt ist die Reihe jedenfalls nicht. 2014 fand sie mit Danganronpa: Trigger Happy Havoc ihren Einzug auf der europäischen Playstation Vita. Der Nachfolger, Danganronpa: Goodbye Despair, folgte noch im selben Jahr. Seit März 2017 dürfen auch Spieler auf der Playstation 4 ran und beide Titel in einer leicht aufgearbeiteten Compilation – Danganronpa 1-2 Reload – zocken.

Während die Vorgänger im Gameplay noch ausschließlich auf eine Visual Novel-Mechanik mit Murder Mystery-Aspekten setzen, ihr also kaum tatsächlich spielt und mehr eine digital präsentierte Geschichte verfolgt, geht es in Ultra Despair Girls schon deutlich interaktiver zur Sache. Und hier findet sich leider auch schon der größte Knackpunkt des Titels.

„Stehen bleiben, sonst schieße ich“. Was im Tatort meist klappt, ignorieren Killer-Bären mit Kochmütze gerne mal.

Ladehemmungen

Da es sich bei Ultra Despair Girls um ein Spin-Off der Reihe handelt, hat Entwickler Spike Chunsoft auch ein alternatives Gameplay gewählt. Klicken wir uns also nicht gerade durch toll geschriebene Dialoge mit zweidimensionalen Charaktermodellen oder schauen uns eine der zahlreichen Sequenzen in aufpolierter Spielgrafik oder gar in Anime-Pracht an, machen wir in Third-Person Shooter-Manier Jagd auf die gefährlichen Monokumas. Und was jetzt vielleicht noch wie eine gelungene Abwechslung zum spielerisch eher drögen Visual Novel-Alltag klingt, gestaltet sich leider schnell zum wahren Alptraum von Ultra Despair Girls.

Die Idee, uns ein Megafon in die Hand zu drücken, das die unterschiedlichsten Projektile verschießt – mit den geladenen Truth Bullets können wir Gegner paralysieren, sie in Brand stecken, zum Tanzen bringen und damit sogar kleinere Rätsel lösen – ist ja ganz nett, sie scheitert allerdings kläglich an ihrer Umsetzung. Die störrische Kamera ist dabei noch das kleinste Problem. Viel mehr frustriert der ewig gleiche Ablauf der Shooter-Passagen, das eintönige Leveldesign und ein Zielsystem, das an die Vergangenheit von Resident Evil erinnert – das Gunplay lässt schlicht keine Freude aufkommen.

Mit gefüllter Spezialanzeige schlüpfen wir aber hin und wieder auch in die Haut von Komarus neu gewonnener Freundin Toko – die mit der gespaltenen Persönlichkeit. Ihr zweites, deutlich brutaleres Ich, verwandelt das Geschehen für kurze Zeit in eine Hack and Slay-Orgie, bei der zwar endlich so etwas wie Dynamik aufkommt, dank fehlender Anvisier-Funktion aber die Übersicht flöten geht. Schade drum. Wenigstens sorgen kleinere Denksportaufgaben, Sammelgegenstände in Form von Literatur und das Säubern von Räumen, das immer etwas Taktik erfordert, für ein wenig frischen Wind im schnell angestaubten Spielgeschehen. Außerdem wird unser Spielstil fortlaufend bewertet, was zu unterschiedlichen Enden führen kann.

Sehen sie nicht wunderschön…VERZWEIFELT aus?

Klingt gut

Anders als noch für die beiden Vorgänger, hat man sich bei Danganronpa Another Episode: Ultra Despair Girls für eine fast vollständige Vertonung der Dialoge entschieden. Egal, ob wir nun den aufwendigen Anime-Sequenzen beiwohnen oder uns durch zahlreiche Textboxen klicken, die überzeugenden Stimmen der jeweiligen Sprecher erklingen nun wesentlich öfter. Das motiviert auch auf technischer Seite ungemein, der spannenden Story und ihren zahlreichen Wendungen aufmerksam zu folgen. In seiner Präsentation begeistert Ultra Despair Girls aber genauso mit den rasant geschnittenen Zwischensequenzen. Zu dem grotesken Mix aus überdrehter Popkultur und postapokalyptischem Szenario gesellt sich ein eigens für den Titel komponierter Soundtrack aus allen erdenklichen Genres, der diesen Kontrast nochmal gehörig unterstreicht.

Ansonsten schaut es auf technischer Seite eher mau aus. Wir laufen durch karge, statisch beleuchtete Schlauchlevels und erblicken nur wenige Details, dafür aber extrem matschige Texturen. Allzu sehr sollte das allerdings nicht verwundern, denn auch dieser Ableger ist eine Portierung von der Playstation Vita. Optisch wurde zwar etwas nachgezogen, insgesamt bleibt die technisch relativ schwache Herkunft aber nicht verborgen. Immerhin dürfen wir nun frei zwischen der englischen und japanischen Sprachausgabe wählen. Auf deutsche Bildschirmtexte müssen wir jedoch weiterhin verzichten.

Findet ihr eines der gut versteckten, literarischen Collectibles, schaltet ihr damit einen Bonus-Dialog zwischen Toko und Komaru frei. Prädikat: Cringe!

Woher weißt du das?

Unbedingt notwendig ist das Spielen der beiden Vorgänger nicht, um die Geschehnisse in Ultra Despair Girls zu verstehen, ratsam allerdings schon. Oft kommt es zu Begegnungen mit wichtigen Charakteren aus früheren Ablegern und selbst unsere Protagonistin ist keine Unbekannte. Die Story bleibt auch ohne große Verbindung zum weitreichenden Danganronpa-Universum unterhaltsam, verliert dabei aber einiges von ihrer erzählerischen Intention. Nachzügler sollten also schnell aufholen, am 29. September 2017 erscheint bereits der vierte Ableger, Danganronpa V3: Killing Harmony – diesmal zeitgleich für Playstation 4 und Playstation Vita.

Der Test basiert auf unserer Playstation 4-Testversion von Danganronpa Another Episode: Ultra Despair Girls, die uns vom Publisher NIS America freundlicherweise zur Verfügung gestellt wurde.

Für knapp 30 Euro, digital und physisch, dürft ihr die mysteriösen Geschehnisse in Towa City seit dem 23. Juni 2017 auf der Playstation 4 verfolgen. Seit dem 27. Juni ist auch eine Version für den PC erhältlich.