Für mich ist Oz Perkins aber ein Regisseur geworden, bei dem ich die Lauscher aufmache, seit er den Film Longlegs gemacht hat. Ein wirklich verstörender Thriller mit Nicolas Cage als Antagonist. Ich habe mitbekommen, wie man diesen Film sowohl gefeiert als auch gehasst hat, ich selbst mochte aber die sehr weirde Herangehensweise und den Mut, hier mit sehr unangenehmen Szenen zu spielen. Es war eine Art Vorreiter zu dem, was dieses Jahr der Film Weapons wurde. Auch The Monkey empfand ich persönlich als wirklich unterhaltsame Horrorkomödie voller kreativer Energie und wirklich verdammt witzigem Humor.

Keeper geht hier jetzt einen anderen Weg. Es ist eher ein ernster Horrorfilm voller klassischer Elemente und dem bekannten Oz-Perkins-Charme. Warum das diesmal aber nicht reicht, ihr dem Film im Kino aber trotzdem eine Chance geben solltet, erfahrt ihr in dieser Filmkritik.

Weird ist dieser Film auf alle Fälle…

Erstmal vorweg: Wir durften uns vorab den Film im Heimkino ansehen und haben dadurch keinen wirklichen Bezug zur Kinofassung. Der Film erscheint genau heute am 20. November in den Kinos, sieben Tage nach dem US-Kinostart. Keeper handelt von Liz, die zu ihrem Jubiläum mit ihrem Partner Malcolm auf ein romantisches Wochenende in eine einsame Hütte mitten im Wald fährt. Doch kaum sind sie angekommen, wird Malcolm unerwartet zurück in die Stadt gerufen und Liz bleibt allein in der Stille des Waldes zurück. Was zunächst wie eine harmlose Nacht in Abgeschiedenheit wirkt, verwandelt sich rasch in einen Albtraum, als in der Hütte eine ungreifbare, finstere Präsenz erwacht, die Stück für Stück ihre grausigen Geheimnisse offenbart.

Keeper ist auf alle Fälle eines: richtig schön weird. Egal ob es die Hauptfigur ist, die Scheiße isst, oder das wirklich komische Verhalten von Malcolm, hier gibt es sehr viele unangenehme Szenen. Es ist auch nicht dieses Cringe-unangenehm, sondern das Oz-Perkins-unangenehm-schauderhafte, das ich auch schon in Longlegs mochte. Hier sind so viele Szenen dabei, die mir richtig gut gefallen haben. Besonders das Ende und das Monsterdesign sind für mich persönlich das klare Highlight dieses Films. Ich hoffe sehr, mehr von den Monstern zu sehen und zu erleben, wohin sich dieses Ende entwickeln kann, wären da nicht…

…leider nur sehr langweilig.

Wären da nicht die vielen langweiligen Momente, welche die nicht vorhandene Geschichte ständig ausbremsen. Hier kommt nämlich das Ding: Ich brauche im Horror keine gute Story oder eine Handlung, die wirklich gut ist, wenn der Horror oder zumindest die Spannung stimmt. Das ist hier teilweise auch der Fall, der gute Horror wird aber ständig von purer Langeweile unterbrochen, die so gar nichts zur Geschichte oder zu den Charakteren beiträgt. Auch der Horror wird so gar nicht von diesen Momenten untermauert. Wenn nichts passiert, dann passiert auch einfach nichts. Es fühlt sich einfach nicht ausgereift an und als hätte man noch Zeit gebraucht. Vielleicht ist das auch so, bedenkt man, dass es neben The Monkey sein zweiter Film dieses Jahr ist.

Und naja, durch all das bleibt man einfach mit einem Film zurück, der zwar echt gute Momente bietet, welche aber von nicht ganz so guten Szenen und einer miesen Handlung überschattet werden. Ich weiß so sehr, dass Oz Perkins das besser kann und deswegen bleibe ich dem Regisseur treu, auch wenn Keeper eher ein Fleck auf der sonst so weißen Weste des Horrorregisseurs wird.

Fazit zu Keeper:

Keeper ist ein Film, der zweifellos Mut beweist und sich nicht davor scheut, dem Publikum ein seltsam verstörendes Erlebnis zu bieten. Die kreative Handschrift von Oz Perkins ist in jeder Szene spürbar. Besonders das unheimliche Monsterdesign und das starke Finale zeigen, wie viel Potenzial in diesem Konzept steckt und wie gut der Regisseur unnötige Konventionen umgehen kann, um etwas Eigenes zu schaffen.

Gleichzeitig kämpft der Film jedoch mit einer träge erzählten Handlung, die immer wieder in langatmige Momente abrutscht. Diese Passagen nehmen dem Horror die Wucht und bremsen die Spannung spürbar aus. Man merkt, dass hier vieles atmosphärisch funktioniert, aber nicht alles dramaturgisch. Das sorgt am Ende dafür, dass manche Szenen stark beeindrucken, während andere schlicht verpuffen.

Trotz dieser Schwächen bleibt Keeper ein Film, den man sich als Horrorfan durchaus ansehen sollte. Er zeigt, wohin sich Oz Perkins entwickelt und welche ungewöhnlichen Wege er für seine Visionen wählt. Wer sich auf die merkwürdige Stimmung einlassen kann und geduldig bleibt, wird mit einigen wirklich faszinierenden Momenten belohnt. Auch wenn dieser Film nicht an seine stärkeren Werke heranreicht, macht er neugierig auf das, was der Regisseur als Nächstes erschaffen wird.

Mr. No Pain ist ein Actionfilm, der im März erschienen ist. Im Mittelpunkt steht Nathan, der aufgrund einer seltenen genetischen Störung keinen Schmerz empfinden kann. Der Originaltitel Novocaine verweist auf ein Lokalanästhetikum und passt inhaltlich sehr gut. Dennoch finde ich den deutschen Titel ebenfalls passend und stimmig.

Wir hatten die Gelegenheit, die Blu-ray des Films schon vor dem offiziellen Release im Juni zu testen. Ob sich der Kauf lohnt oder ob man lieber die Finger davon lassen sollte, erfahrt ihr jetzt.

Mr. No Brain

Nathan Caine lebt mit einer Krankheit, die ihn völlig unempfindlich für Schmerzen macht. Als seine große Liebe bei einem brutalen Banküberfall als Geisel genommen wird, wird aus seiner Schwäche eine ungewöhnliche Stärke. Getrieben von Verzweiflung und dem festen Willen, sie zu retten, begibt er sich auf einen gnadenlosen Rachefeldzug. Er kennt keine Schmerzgrenze und geht bis ans Äußerste.

Viel mehr passiert inhaltlich eigentlich nicht. Mr. No Pain ist ein geradliniger Film, bei dem man einfach mal abschalten kann. Die Figuren bleiben weitgehend oberflächlich. Besonders die Bösewichte handeln extrem klischeehaft – sie ballern auf alles, was sich bewegt, ohne auch nur einen Moment innezuhalten. Das wirkt oft albern und wenig glaubwürdig, als hätte man ihnen jedes Maß an Realismus genommen.

Trotzdem liegt genau darin die Stärke des Films. Die rohe Brutalität und die einfache, direkte Erzählweise haben für mich erstaunlich gut funktioniert. Mr. No Pain macht Spaß, von Anfang bis Ende. Die Art, wie mit der Schmerzlosigkeit der Hauptfigur gespielt wird, ist richtig einfallsreich. Auch bei der Auswahl der Waffen wurde nicht gespart, was den Actionfan in mir sehr glücklich gemacht hat. Wer auf kreative Ideen steht, wird hier viel Freude haben. Für mich war das ein echter Überraschungshit.

Mr. No Frame

Wenn ihr euch fragt, ob man sich den Film lieber digital oder auf Blu-ray holen sollte: Die Blu-ray überzeugt technisch in jeder Hinsicht. Das Bild ist durchgehend scharf, ohne erkennbare Schwächen. Gerade in den Actionszenen kommen die Effekte und die kreative Gewalt so richtig zur Geltung. Auch der Ton ist klar und gut abgemischt. Das Menü ist übersichtlich, alles funktioniert reibungslos.

Und ja, es gibt Bonusmaterial. Drei Kurzfilme geben spannende Einblicke in die Produktion. Das ist zwar nicht viel, aber immerhin mehr, als viele andere Discs bieten. Für Filmfans, die gern hinter die Kulissen schauen, definitiv ein Pluspunkt.

Aktuell liegt der Vorbestellerpreis bei 14,99 Euro – und allein der Film ist dieses Geld meiner Meinung nach schon wert. Wer auf klassische Action steht und Lust auf einen besonderen Twist hat, kann hier nichts falsch machen.

Fazit zu Mr. No Pain:

Mr. No Pain ist ein Film, der ganz genau weiß, was er sein will – und das auch konsequent umsetzt. Wer auf der Suche nach einem tiefgründigen Drama mit vielschichtigen Charakteren ist, wird hier sicher nicht fündig. Stattdessen erwartet einen ein geradliniger, kompromissloser Actionfilm, der seine Prämisse voll auskostet: Ein Mann, der keinen Schmerz empfinden kann, kämpft sich durch eine Welt voller Gewalt, um das zu retten, was ihm am meisten bedeutet.

Gerade diese Ausgangssituation bringt eine erfrischende Dynamik mit sich. Die Tatsache, dass der Protagonist keine Schmerzen spürt, eröffnet erzählerisch wie inszenatorisch viele kreative Möglichkeiten – und der Film nutzt sie mit sichtbarer Freude. Es wird experimentiert, übertrieben und gnadenlos durchgezogen, was in anderen Filmen vielleicht zu viel gewesen wäre. Doch hier passt es ins Konzept. Die Gewalt ist stilisiert, fast schon comicartig überzeichnet, und genau dadurch funktioniert sie erstaunlich gut.

Natürlich bleibt dabei einiges auf der Strecke. Die Nebenfiguren sind meist blass, die Dialoge nicht immer ausgefeilt und die Handlung folgt einem sehr klassischen Muster. Doch das stört erstaunlich wenig. Mr. No Pain punktet nicht durch Raffinesse, sondern durch Energie, Tempo und einen gewissen Mut zur Übertreibung. Wer sich darauf einlässt, wird mit einem unterhaltsamen Ritt belohnt, der keine Sekunde langweilig wird.

Nicht zu unterschätzen ist auch der Spaßfaktor. Der Film nimmt sich selbst nicht zu ernst, lässt aber trotzdem genug Spannung aufkommen, um mitzufiebern. Diese Balance ist nicht leicht, doch Mr. No Pain trifft den Ton genau richtig. Gerade Actionfans, die genug von austauschbaren Blockbustern haben, dürften hier auf ihre Kosten kommen. Es ist diese Mischung aus roher Wucht und spielerischer Kreativität, die dem Film seine eigene Identität verleiht.

Unterm Strich ist Mr. No Pain kein cineastisches Meisterwerk – will es aber auch gar nicht sein. Stattdessen liefert er solide, handgemachte Action mit einem cleveren Twist und viel Tempo. Wer einfach mal abschalten will und Freude an stylischer Inszenierung und einer ungewöhnlichen Hauptfigur hat, wird hier bestens bedient. Ein Film, der nicht lange nachwirkt, aber in dem Moment, in dem man ihn schaut, einfach Spaß macht. Und manchmal ist genau das genug.

Zugegeben, der Titel sagte mir zunächst gar nichts. Aber als ich mir den Inhalt durchgelesen hatte, war schnell klar: Das könnte richtig Spaß machen. Ob der Film dieses Versprechen hält oder ob ihr lieber zu einem anderen Vertreter des Genres greifen solltet, erfahrt ihr in dieser Kritik zu Take Cover.

Action in nur einem Raum

Sam Lorde war über Jahre hinweg als eiskalter Auftragskiller gefürchtet – ein Meister seines Fachs, tödlich präzise. Doch jetzt will er aussteigen. Nur noch ein letzter Auftrag – so der Plan. Doch ausgerechnet dieser entpuppt sich als Falle: Sam wird selbst zur Zielscheibe.

Gefangen in einem gläsernen Penthouse, hoch über der Stadt, ohne Deckung oder Fluchtmöglichkeit, beginnt für ihn ein gnadenloser Überlebenskampf. Was bleibt, sind sein Instinkt, seine militärische Ausbildung – und die Tatsache, dass diesmal mehr auf dem Spiel steht als nur sein Leben.

Ein Großteil von Take Cover spielt tatsächlich nur an einem einzigen Ort: einem stylischen Penthouse. Dort soll Sams letzter Job über die Bühne gehen – doch schnell wird es zum Schauplatz eines Katz-und-Maus-Spiels auf Leben und Tod.
Der Titel ist dabei Programm: „Take Cover“ – in Deckung bleiben – wird zur obersten Überlebensregel. Solche Kammerspiele können schnell monoton werden, wenn nicht genug kreative Ideen vorhanden sind. Doch Regisseur Nick McKinless schafft es erstaunlich gut, die Spannung über die gesamte Laufzeit aufrechtzuerhalten. Die knapp 90 Minuten sind kompakt, straff erzählt und durchweg unterhaltsam.

Non-Stop Action ohne Langeweile

Vielleicht liegt es auch an der Kürze des Films, aber Take Cover kommt ohne Längen aus. Zwar nimmt sich der Film an manchen Stellen Zeit für kleinere Charaktermomente, doch ab der Eröffnungsszene gilt: Action, Action, Action – und die ist wirklich hervorragend choreografiert.

Klar: Die Story selbst ist eher schlicht gehalten, und die Eröffnungsszene wirkt rückblickend etwas ziellos. Aber genau das gleicht der Film durch seine packenden Actionsequenzen locker wieder aus. Es ist genau die spaßige Actionorgie, auf die ich gehofft hatte.

Auch die schauspielerischen Leistungen können sich sehen lassen. Natürlich wird hier kein oscarreifes Drama abgeliefert, aber das ist auch gar nicht nötig. Der Cast liefert genau das, was man für einen unterhaltsamen Actionfilm braucht – glaubwürdige Präsenz und überzeugendes Timing.

Sound und Bildqualität der Blu-ray sind ebenfalls top. Das Bild ist klar, ohne störende Fragmente, und auch der Soundtrack kommt kraftvoll rüber. Extras bietet die Blu-ray zwar kaum, aber das ist zu verschmerzen, wenn man dafür einen soliden Actionfilm bekommt, der locker einen unterhaltsamen Nachmittag oder Abend füllt.

Fazit zu Take Cover:

Take Cover ist ein klassisches Beispiel dafür, wie viel Spannung und Intensität man auch mit einem minimalistischen Setting erzeugen kann. Statt auf große Schauplätze oder spektakuläre Locations zu setzen, konzentriert sich der Film ganz auf ein enges, überschaubares Szenario – ein Penthouse als tödliche Falle. Dieser Fokus funktioniert erstaunlich gut, weil Regisseur Nick McKinless versteht, wie man mit einfachen Mitteln effektive Spannung aufbaut. Das Ergebnis ist ein Kammerspiel voller Tempo, das sich fast wie ein Videospiel-Level anfühlt, in dem jede Bewegung zählt und jeder Fehler tödlich sein kann.

Stärken zeigt der Film eindeutig in seiner Action: Die Kämpfe sind dynamisch inszeniert, clever choreografiert und – was besonders wichtig ist – angenehm bodenständig. Es wird nicht übertrieben, sondern präzise gearbeitet. Die Actionszenen wirken dadurch glaubwürdig und intensiv. Scott Adkins, der in der Hauptrolle einmal mehr sein Können zeigt, trägt viel zur Wirkung des Films bei. Er bringt sowohl physische Präsenz als auch eine gewisse Ruhe mit, die gut zu seiner Figur des erfahrenen Profikillers passt.

Schwächen hat Take Cover eher im erzählerischen Bereich. Die Story ist sehr simpel gestrickt und bietet wenig Überraschungen. Auch der Einstieg wirkt etwas unentschlossen und scheint nicht viel zur eigentlichen Handlung beizutragen. Wer hier auf tiefgründige Charakterentwicklung oder große emotionale Momente hofft, wird enttäuscht. Doch der Film macht keinen Hehl daraus, was er sein will – ein schnörkelloser, direkter Actionfilm, der seine Prioritäten klar setzt.

Technisch gibt es wenig auszusetzen. Bild und Ton der Blu-ray sind hochwertig und lassen die Inszenierung gut zur Geltung kommen. Die reduzierte Ausstattung der Blu-ray ist angesichts des kompakten Films zu verschmerzen – hier steht das pure Filmerlebnis im Vordergrund. Für Fans von schnörkelloser Action, die auf clevere Spannung und kompromisslose Dynamik stehen, ist Take Cover auf jeden Fall einen Blick wert.

Unterm Strich bleibt ein kurzweiliger, spannender Actionthriller, der vor allem durch seine dichte Atmosphäre, solide Inszenierung und starke Hauptfigur punktet. Kein Meilenstein des Genres, aber definitiv eine gelungene Abwechslung für zwischendurch – vor allem, wenn man einfach mal 90 Minuten lang abschalten und sich von sauber inszenierter Action mitreißen lassen möchte.

Es sollte also niemanden verwundern, wenn ich etwas verwirrt war, nachdem ich die doch echt zerschmetternden Reviews bezüglich Silent Night sehen musste. Wie kann es sein, dass der neueste John Woo Film so schlecht aufgenommen wurde? Mit diesem ersten Ausblick habe ich also keinen Ausflug ins Kino gewagt und erstmal abgewartet, bis der Film auf Blu-ray erscheint. Jetzt hat man Silent Night schon etwas länger fürs Heimkino veröffentlicht. Es hat zwar etwas gedauert, nun habe ich mir aber endlich den Film auch selbst auf Blu-ray angeschaut. Warum ich die Kritiken ungerecht finde und definitiv Spaß mit dem Actionkracher hatte, erfahrt ihr in dieser Kritik zum Film Silent Night.

Da fehlen die Worte

Am Heiligabend des Jahres 2021 ereignet sich eine Tragödie, die das Leben von Brian Godlock für immer verändert. Sein siebenjähriger Sohn wird während eines brutalen Bandenkriegs in einem Kugelhagel getötet. Nach dem direkten Versuch, diese Tat zu rächen, wird Brian selbst schwer verwundet; eine Kugel trifft ihn am Hals und raubt ihm die Stimme. Die Ereignisse hinterlassen nicht nur körperliche, sondern auch seelische Narben. Ein Jahr später, am Heiligabend 2022, während die Stadt in festlicher Stimmung ist und Lichterglanz die Straßen erhellt, plant Brian seine blutige Vergeltung. Gezeichnet von Schmerz und Rachegelüsten macht er sich auf, jeden Einzelnen der Verantwortlichen zur Rechenschaft zu ziehen. Seine Mission ist gnadenlos, und er lässt nichts unversucht, um Gerechtigkeit für seinen Sohn zu erlangen. In einer Nacht, die eigentlich von Liebe und Frieden erfüllt sein sollte, verwandelt sich Brian in einen düsteren Racheengel, der die Beteiligten für ihre Taten büßen lässt.

Eine klassische Rachegeschichte, wie es scheint. Okay – nein – eigentlich scheint es nicht nur so, sondern entspricht auch der Wahrheit. Silent Night ist in seinen Grundfesten nicht mehr als eine klassische Geschichte über Verlust und Rache. Nicht mehr und nicht weniger. Trotzdem war ich zwischendurch immer wieder gehooked und konnte mich von der Action begeistern lassen. Jetzt aber mal ganz von vorne: Der Film bereitet am Anfang ein tolles Mysterium auf. Was ist passiert und warum möchte dieser Mann Rache üben? Ich wurde direkt mitgenommen und musste durch die emotionale Achterbahn auch direkt ein paar Tränen vergießen (ich bin sehr nah am Wasser gebaut). Dann wurde das Mysterium aber viel zu schnell aufgelöst und der Film hat mich direkt wieder verloren. Der Mittelteil ist dann leider wirklich öde und schafft es nicht, eine spannende Story aufzubauen. Dafür ist die Action in der letzten halben Stunde wieder richtig gut, leider etwas zu spät. Zusammengefasst lässt sich Silent Night also so beschreiben: Toller packender Anfang, langweiliger Mittelteil, richtig gute Action am Ende. Wer also mit der Langeweile in der Mitte des Films klarkommt, wird mit einem dennoch guten John Woo Film belohnt.

Action in packendem Full-HD

Wie bereits am Anfang erwähnt, habe ich mir Silent Night in der Blu-ray-Fassung angeschaut. Diese habe ich mir jedoch nicht selbst zugelegt, sondern als Rezensionsexemplar zugeschickt bekommen. Damit kann ich also nicht direkt sagen, ob sich der Film für die derzeit 17,99 € lohnt, ich finde aber schon, dass der Preis für die geringe Substanz der Blu-ray etwas zu viel ist. Auf der anderen Seite bin ich auch der Meinung, dass Fans von Actionfilmen und von John Woo nicht um einen Kauf herumkommen werden, weshalb ich euch empfehle, noch etwas auf eine Preisreduzierung zu warten. Diese wird sicherlich kommen.

Bei der Optik habe ich mal wieder nichts zu meckern. Die Action im Film kann sich in Full-HD richtig sehen lassen und überzeugt mit einem klaren Bild, das keine ersichtlichen Fehler aufweist. Natürlich ist diese Fassung wie immer kein direkter Ausgleich für das Anschauen im Kino, da ich mir selbst den Film aber nicht auf der großen Leinwand geben konnte, bin ich froh, dass diese Version mit dem Bild und der Soundqualität an meiner Soundbar überzeugen konnte. Wer sich also erhofft hat, mit der Blu-ray eine gute, wenn nicht sogar perfekte Version des eigentlichen Films zu bekommen, wird hier sicherlich nicht enttäuscht sein. Es bleibt bei der Frage, ob ihr euch die langweiligen Abschnitte auch mit der Blu-ray antun könnt.

Fazit zu Silent Night:

Silent Night von John Woo ist ein Film, der die Erwartungen an einen klassischen Actionfilm sowohl erfüllt als auch enttäuscht. Die Grundgeschichte über Verlust und Rache ist altbekannt und wird hier ohne viel Innovation präsentiert. Der Film startet stark mit einem packenden Mysterium und emotionalen Momenten, verliert jedoch im Mittelteil stark an Spannung. Trotz der langatmigen Passagen überzeugt das Finale mit intensiver und gut inszenierter Action.

Für Fans von John Woo und actiongeladenen Filmen lohnt sich Silent Night trotz seiner Schwächen. Die Blu-ray-Fassung bietet eine hervorragende Bild- und Tonqualität, was den Filmgenuss im Heimkino angenehm macht. Dennoch sollte man sich auf eine durchwachsene Erzählung einstellen, die nur phasenweise ihr volles Potenzial ausschöpft. Wer mit den ruhigeren Abschnitten zurechtkommt, wird am Ende mit typischer Woo-Action belohnt. Ein Kauf lohnt sich besonders für eingefleischte Actionfans, während Gelegenheitszuschauer eventuell auf eine Preisreduzierung warten sollten.

Und dann sind da noch Filme wie Prom Dates, der mich nicht nur mit seinem überraschenden Ende begeistern konnte, sondern mich auch immer wieder zum Schmunzeln gebracht hat. Die Coming-of-Age-Komödie von Regisseurin Kim O. Nguyen ist bereits seit dem 3. Mai auf Disney Plus verfügbar und ist eine Originalproduktion von dem amerikanischen Sender Hulu, der hierzulande als Disney Star auf Disney Plus zugänglich ist. Wer also ein Abo besitzt, hat keinen Grund, den Film nicht zu schauen. Bevor ihr aber euren nächsten Filmabend plant, lasst mich euch in dieser Kritik sagen, ob sich Prom Dates auf Disney Plus lohnt oder ob ihr euch doch für einen anderen Film entscheiden solltet.

Über Sex, Drogen und Frat-Boys

Jess und Hannah sind unzertrennliche Freundinnen an der gleichen Highschool. Mit 13 Jahren schworen sie sich, den perfekten Abschlussball gemeinsam zu erleben. Nun, kurz vor dem großen Ereignis, gibt es plötzlich Ärger mit ihren Dates, und sie stehen ohne Begleitung da. Werden sie es schaffen, in letzter Minute neue Partner zu finden und ihren Pakt einzuhalten?

Um euch kein anderes Bild zu vermitteln: Prom Dates ist in seinen Grundfesten ein klassischer Coming-of-Age-Film im Highschool-Setting, der die typischen Probleme von Jugendlichen in der modernen Zeit thematisiert. Es geht sehr oft um das erste Mal, um den Umgang mit Drogen oder verschiedene Gruppen, die sich in Schulen bilden und damit eine eigene Gesellschaft entwickeln. Prom Dates hat für mich hier aber schon zwei Dinge richtig gemacht – der Umgang mit Outings sowie die Inklusion verschiedener Charaktere. Was ich damit meine, ist ganz einfach gesagt: Niemand in diesem Film wird auf direkte Weise für seine Sexualität bzw. Familienzugehörigkeit angegriffen oder hervorgehoben. Es wird einfach akzeptiert, wodurch nie zu schamhafte Momente entstehen, bei denen ich durch eine Cringe-Gefahr wegschauen musste.

Vor allem auch der Humor hat mir in Prom Dates richtig gut gefallen. Aufmerksam geworden bin ich auf den Film durch den YouTube-Kanal „American High“, welcher nicht nur als Werbepartner fungiert, sondern auch Auftritte innerhalb des Filmes hatte (zumindest ein paar der Akteure des Kanals sind als Nebenfiguren im Film zu sehen). Dabei wirken die Witze nie unpassend oder reingeschoben – alles passt sich toll an die Geschehnisse an und ist zusätzlich noch viel kreativer als in ähnlichen Filmen. Ich kann natürlich nicht versprechen, dass ihr den gleichen Humor habt und dadurch ebenso über die Witze lachen könnt, trotzdem empfehle ich euch, dem Ganzen mal eine Chance zu geben, um zu sehen, ob der Humor euch zum Lachen bringt. Merkt euch einfach die Frat-Boys-Szene, die hat mich richtig erwischt.

Mehr als nur ein Highschool-Film

Jetzt aber zum eigentlichen Kern dieser Kritik. Der Titel des Beitrags lautet „Nur ein weiterer Highschool-Film?“ und natürlich möchte ich euch diese Frage auch beantworten. Zum Großteil ist Prom Dates einfach ein normaler Highschool-Film, mit den immer selben Klischees, den gleichen Thematiken und vor allem ähnlichen Witzen. Das ist Fakt und kann ich leider auch nicht ändern. Dafür hat der Film aber ein ungewöhnliches Ende für diese Art von Film, welches ich persönlich nicht habe kommen sehen. Hier also direkt erstmal eine dicke fette SPOILERWARNUNG.

Am Ende von Prom Dates bekommen wir nämlich kein Happy End zu sehen – oder zumindest kein wirkliches Happy End. Sowohl Jess als auch Hannah enden nicht mit der Person ihrer Träume im Bett oder schaffen es, sich komplett selbst zu finden. Nein, sogar der Abschlussball stellt sich für beide als absolute Katastrophe heraus. Der Film endet damit, dass sich Jess erstmal selbst finden muss, während Hannah zu lernen hat, wie es ist, mit ihrer neu entdeckten Sexualität umzugehen. Beide gehen während des Abschlussballs nach Hause, wo sie auf der Couch Pizza essen und Guitar Hero spielen. Etwas traurig, aber dennoch ein reales Ende, das sich toll in die Thematiken des Films einfügt. So ein Ende wie in Prom Dates würde ich gerne öfter sehen und das, obwohl ich eigentlich immer großer Fan von schönen Enden bin. Gelungen und das dank einem überraschenden Ende, mit dem ich nicht gerechnet habe.

Fazit zu Prom Dates:

Prom Dates ist ein erfrischender Beitrag im Genre der Highschool-Filme, der sich durch seinen Humor und die Einbindung zeitgemäßer Themen auszeichnet. Trotz der bekannten Klischees und typischen Erzählstrukturen bietet der Film eine authentische und einfühlsame Darstellung von jugendlichen Problemen und Identitätssuche. Besonders hervorzuheben sind der respektvolle Umgang mit Outings und die Inklusion vielfältiger Charaktere, die dem Film eine moderne Note verleihen.

Der überraschende und realistische Schluss hebt Prom Dates von vielen seiner Genre-Kollegen ab und liefert eine ehrliche, wenn auch bittersüße, Perspektive auf das Erwachsenwerden. Wer sich von den klassischen Elementen nicht abschrecken lässt und Lust auf eine Coming-of-Age-Komödie mit Herz und Verstand hat, wird mit diesem Film sicherlich gut unterhalten. Prom Dates ist auf Disney Plus verfügbar und definitiv einen Blick wert.

Abigail läuft bereits in den hiesigen Kinos und konnte bereits bei den Kritikern eine gute Figur machen. Kein Wunder, bedenkt man, dass es bei einem Ballett-Vampir zum guten Ton gehört, eine schöne Figur zu machen. Wortwitz beiseite, haben wir den Film bereits einen Tag vorab im Kino sehen können und verraten euch in dieser Kritik, ob sich ein Besuch des ungewöhnlichen Genremixes lohnt. Denn egal, ob ihr Heist-Filme, Horrorstreifen oder Splatter-Action liebt, diese Geschichte hat wirklich für jeden etwas im Petto.

Ein Ballett-Vampir tanzt zu Schwanensee

Abigail, eine zwölfjährige Ballerina und die Tochter eines einflussreichen Unterweltbosses, gerät ins Visier einer Gruppe von Kriminellen, die sie entführen und in einem abgelegenen Herrenhaus festhalten sollen. Die Forderung: ein Lösegeld von 50 Millionen US-Dollar. Doch die Gang ahnt nicht, dass Abigail kein gewöhnliches Mädchen ist. Während die Entführer nacheinander verschwinden, wird deutlich, dass diese Mission alles andere als einfaches Geld verspricht.

Wir müssen nicht um den heißen Brei herumreden: Bei Abigail handelt es sich um einen Vampir, das macht auch schon der Trailer zum Film klar. Abigail jetzt aber nur einen Vampirfilm zu nennen, wird der Geschichte nicht ganz gerecht. Nein, sogar im Gegenteil, denn das Werk von Regisseur Matt Bettinelli-Olpin und Tyler Gillett (beide unter anderem bekannt für Ready or Not oder auch die neuen Scream-Filme) startet als Heist-Film, entwickelt sich zu einem spannenden Horrorabenteuer und mündet als Splatter-Action-Spektakel vom Allerfeinsten. Auf unnötige Hintergrundsequenzen wird komplett verzichtet.

Versteht mich nicht falsch, es gibt Hintergründe zu den Ereignissen und den Charakteren, diese werden aber nicht in unnötigen Rückblicken erzählt, sondern von den Dialogen getragen und spannend in die Geschichte eingewoben. Böse Zungen würden behaupten, dass die Entscheidung, Abigail in drei Genres zu unterteilen, für Verwirrung und Inkonsistenz in der Entwicklung der Ereignisse sorgen würde. Ich bin jedoch der Meinung, dass man es geschafft hat, eine mitreißende Story zu erzählen, die sich zwar nicht allzu ernst nimmt, trotzdem aber den ein oder anderen Schockmoment parat hat. Ein unkomplizierter Abendfüller, kann man mit anderen Worten sagen.

Pause gibt es nicht

Abigail macht direkt von Anfang an klar, dass man von dem Film keine Pause erwarten braucht. Es gibt immer mal wieder ruhigere Momente in Abigail – das steht fest – gefühlt wird man aber von einem Event ins nächste geworfen, wobei nie wirklich Langeweile aufkommt und man bis zum Ende dabei bleibt. Das Ende fühlt sich zwar, wie in dieser Art von Film üblich, etwas in die Länge gezogen an, die tollen Effekte (wie die explodierenden Vampire im Sonnenlicht) sorgen aber dafür, dass man sich am Ende nach mehr sehnt und vielleicht auf einen weiteren Film dieser Art in Zukunft hofft.

Besonders die schauspielerische Leistung von Alisha Weir (bekannt als Matilda in Matilda – Das Musical) als Abigail selbst möchte ich an dieser Stelle noch hervorheben. Gepaart mit ihrer deutschen Stimme von Zoe Durakovic leistet sie im Film eine unglaublich tolle Arbeit und haucht der Figur einer Ballett-Vampirin viel Leben ein. Alle anderen Schauspieler liefern natürlich auch gute Arbeit ab, diese eine Leistung musste ich aber unbedingt erwähnen, da das Schauspiel mir im Film wirklich gut gefallen hat (auch wenn die Bewegungen manchmal etwas lächerlich gewirkt haben, aber definitiv zum Film gepasst haben).

Bevor die Frage in die Kommentare kommt: Auch wenn man das Genre zwischendurch mixt, funktionieren die Horroraspekte mehr, als man meinen mag. Ich war mit einer Freundin im Kino, die sich sehr oft bei den Jumpscares erschreckt hat und auch generell von der Atmosphäre eingeschüchtert wurde. Ich liebe es besonders, wenn Horror-/Splatterfilme kreativ sind, und ich kann mit bestem Gewissen sagen, dass sowohl die Gruselmomente als auch die Tode der Figuren wirklich kreativ auf den Bildschirm gezaubert wurden, wodurch ich in diesem Film nicht ständig das Gefühl bekommen habe, den Moment schon einmal erlebt zu haben. Damit ist Abigail in meinen Augen weit über meinen Erwartungen und eine klare Empfehlung.

Fazit zu Abigail:

Abigail entpuppt sich als erfrischender Genre-Mix, der geschickt Elemente von Heist-Filmen, Horrorabenteuern und Splatter-Action kombiniert. Regisseure Matt Bettinelli-Olpin und Tyler Gillett präsentieren eine mitreißende Geschichte, die von Anfang bis Ende fesselt.

Die schauspielerische Leistung von Alisha Weir als Abigail ist bemerkenswert und verleiht der Hauptfigur eine faszinierende Tiefe. Auch die anderen Darsteller überzeugen mit ihren Leistungen, wobei besonders die kreativen und originellen Horroraspekte hervorstechen.

Trotz einiger vorhersehbarer Elemente und einem etwas in die Länge gezogenen Ende bietet Abigail ein unterhaltsames Kinoerlebnis, das Fans verschiedener Genres gleichermaßen ansprechen wird. Mit einer gelungenen Mischung aus Spannung, Action und überraschenden Wendungen hebt sich dieser Film wohltuend von der Masse ab und verdient eine klare Empfehlung.

Chantals verwirrendes Märchen

Chantal und ihre beste Freundin Zeynep finden sich plötzlich in einem Märchenland wieder, nachdem sie versehentlich durch einen antiken Zauberspiegel gestolpert sind, den sie für ein cooles Social Media Gadget gehalten haben. Chantal, die ewige Influencerin ohne Followerschaft, sieht darin eine perfekte Gelegenheit, königliche Inhalte zu produzieren. Doch das Märchen, in das sie geraten, entpuppt sich ausgerechnet als „Dornröschen“, und Chantals Begeisterung bekommt einen Dämpfer: Das Wachküssen ist hier eine riskante Angelegenheit! Auf der Suche nach einem Weg zurück in ihre Welt stellen sie fest, dass in diesem Reich der Drachen und Feen nichts so läuft, wie in den altbekannten Märchen der Gebrüder Grimm.

Fangen wir direkt erstmal mit den negativen Punkten an: Chantal im Märchenland hat keine klare Vision und ist viel zu lang. Die Geschehnisse wirken alle zufällig und so, als hätte man erst zu spät gemerkt, dass man zu seiner Komödie auch noch eine Geschichte braucht. Versteht mich nicht falsch – ich finde die Thematiken von Feminismus, Offenheit und auch seinen eigenen Weg gehen zu können unglaublich wichtig, all diese Grundpfeiler werden aber nur lose von dem Anschein einer Geschichte zusammengehalten, wodurch man nie wirklich sicher ist, wo es in dem Film eigentlich hingehen soll. Da helfen auch die Klischees einer Märchenstory nicht.

Zu lang ist der Film deswegen, weil die fehlende Vision dazu führt, dass man den Witzen schnell überdrüssig wird und so gegen Ende nur noch wenig Lust auf Chantal im Märchenland hat. Man hätte gerne 30 Minuten oder zumindest 15 Minuten wegnehmen können. Vor allem, weil der Film durch das Abtrennen bestimmter Teile nicht wirklich an Inhalt verlieren würde. Es könnte natürlich auch sein, dass dieser negative Punkt dem doch sehr verwirrenden Pacing des Films geschuldet ist, es lenkt aber nicht davon ab, dass man von einem kürzeren Zeitrahmen vielleicht sogar profitiert hätte, da so die Witze besser funktionieren und nicht unnötig von verschwendeten Dialogen unterbrochen werden.

Eine gute Zeit im Märchenland

Jetzt aber der große Plot-Twist: Chantal im Märchenland macht eine Menge Spaß, ist superwitzig und wirkt richtig modern. Ich bin mir hier nicht ganz sicher, ob es daran liegt, dass ich zur Zielgruppe gehöre oder mit den Fack ju Göhte-Filmen aufgewachsen bin, aber ich musste immer wieder lachen und konnte meine Begeisterung während der Pressevorführung kaum zurückhalten. Zumindest habe ich von älteren Personen mitbekommen, dass sie von den Witzen abgeneigt waren. Es ist aber ehrlicherweise auch schwieriger, eine Komödie zu bewerten, einfach weil Humor sehr individuell ist. Deshalb lasst es mich so ausdrücken: Wenn ihr asozialen Humor, gepaart mit überzeichneten Figuren und Sprüchen aller Gen Z, nicht abgeneigt seid, dann seid ihr bei Chantal im Märchenland gut aufgehoben.

Auch fand ich es richtig toll, wie man Social Media mit den Grimm-Märchen gepaart hat. Genau so hätte ich mir Chantal im Märchenland vorgestellt. Natürlich muss man ehrlich sagen, dass auch jede andere Figur in den Film gepasst hätte, man aber mit der Lizenz viel mehr Zuschauer anlocken wird. Das ist gut so, vor allem, weil der Anfang sowie das Ende wichtige Moralvorstellungen bezüglich des Arbeitens und des Selbstbildes vermitteln. Social Media ist nun einmal nicht alles. Und auch wenn ich mit diesen Worten direkt wie ein Boomer wirke, schafft es der Film zusätzlich in gewisser Hinsicht zu berühren. Mich hat das Ende nämlich wirklich getroffen und war ein toller Abschluss für einen Film, der mich doch irgendwie überrascht hat.

Oh – und bevor ich es vergesse… Natürlich leisten die Schauspieler eine gute (wenn auch manchmal sehr überdrehte) Arbeit, die die Figuren von der ersten Sekunde an zum Leben erweckt. Das CGI ist nicht immer gut, macht aber seine Arbeit darin, eine glaubhafte Märchenwelt zu erschaffen, die zusätzlich von den tollen Requisiten und den fabelhaften Kostümen hervorgehoben wird. Bestimmt könnte man auch noch mehr beanstanden, aber weil ich finde, dass Chantal im Märchenland der perfekte Film ist, um auch mal seinen Kopf auszuschalten und einfach das Kino zu genießen, werde ich euch mit diesen Punkten aus der Kritik entlassen.

Fazit zu Chantal im Märchenland:

Chantal im Märchenland ist ein unterhaltsamer Film, der mit seinem Mix aus modernem Humor, Märchenfantasie und einer Prise Gesellschaftskritik zu überzeugen weiß. Obwohl der Film mit einer etwas verworrenen Handlung und einer unklaren Vision zu kämpfen hat, schafft er es dennoch, sein Publikum zu unterhalten und zum Lachen zu bringen.

Die gelungene Verbindung von Social-Media-Elementen mit den klassischen Grimm-Märchen verleiht dem Film eine frische Note und macht ihn zu einem zeitgemäßen Märchen für die Generation Z. Dabei werden wichtige Themen wie Feminismus, Selbstbild und die Balance zwischen virtueller und realer Welt angesprochen, ohne dabei den Spaßfaktor aus den Augen zu verlieren.

Trotz einiger Schwächen in der Handlung und der visuellen Umsetzung bietet Chantal im Märchenland eine kurzweilige und unterhaltsame Kinounterhaltung, die sowohl jüngeres als auch älteres Publikum ansprechen kann. Wer bereit ist, sich auf den humorvollen Ausflug in eine märchenhafte Welt einzulassen, wird mit einem Film belohnt, der nicht nur zum Schmunzeln, sondern auch zum Nachdenken anregt.

Von Kindheitsfreunden und Teddybären

Jessica, gespielt von DeWanda Wise, ist gespannt auf ein friedliches Leben in der Vorstadt, nachdem sie mit ihrem neuen Ehemann und den beiden Stieftöchtern in ihr altes Elternhaus zurückkehrt. Doch die Idylle wird durch ihre jüngste Stieftochter Alice, gespielt von Pyper Braun, gestört, die im Keller den alten Teddybären Chauncey findet. Dieser Bär wird schnell zu Alices ständigem Begleiter, aber ihre Verbindung zu ihm nimmt unheimliche Ausmaße an, als Alice beginnt, auf Anweisung von Chauncey gefährliche und schmerzhafte Dinge zu tun. Zuerst sind die Erwachsenen ratlos angesichts des besorgniserregenden Verhaltens des Kindes, bis Jessica den Verdacht hegt, dass Chauncey mehr ist als nur ein harmloses Kuscheltier.

Die Geschichte von Imaginary ist nichts Halbes und nichts Ganzes. Durchzogen mit lieblos verwendeten Klischees schafft es der Film nie wirklich Interesse zu wecken. Die Figuren wirken eindimensional, die Jumpscares vorhersehbar und irgendwie glaube ich, der Film weiß nicht, was er sein will. Ein Horrorfilm, eine Komödie oder doch eher ein klassisches Drama? Imaginary lässt eine klare Vision vermissen, wodurch es schwer ist, eine Bindung zu den Ereignissen aufzubauen. Es war mir letztendlich einfach egal, was mit den Figuren passiert. Das ist schlecht – vor allem, weil es so auch zu keiner Spannung kommt oder gar eine passende Atmosphäre aufgebaut werden kann.

Atmosphäre ist auch gleich ein weiteres Stichwort. Zwar schafft es Imaginary immer mal wieder, eine gewisse Gruselstimmung zu erzeugen, diese kann aber nie durchgehend gehalten werden und wechselt sich ab mit der trögen Langweile vom Rest des Films. Es ist so schade – die Thematik des imaginären Freundes mit einem lebendigen Teddybären hätte so viel Potenzial und könnte auf eine wirklich tolle und kreative Weise für den Horror genutzt werden. Es gibt nämlich eine Szene mit der Figur Liam, die den Bären und seine Aufziehschnur richtig gut in die erzeugte Spannung einbaut. Wenn der Teddy immer wieder unter einer Decke auftaucht und dann auch noch seinen Kopf von alleine bewegt, dann ist das gruselig und man spürt Angst. Das ist aber die einzige Szene, die wirklich kreativ ist, sonst verschenkt man jegliches Potenzial, einen Horrorbären in den Mittelpunkt der Geschehnisse gesetzt zu haben.

Das Budget sitzt an den falschen Stellen

Leider geht man sogar noch einen Schritt weiter als das Potenzial zu verschwenden: man verschwendet auch das ganze Budget von Imaginary an den völlig falschen Stellen. Am Ende des Films erwarten Zuschauer eine CGI-Welt, in welcher die Protagonisten von einem großen Bären verfolgt werden. Ohne zu viel zu spoilern, hat man hier einen echt unnötigen Handlungspunkt erschaffen, der nur dazu dient, ein pompöses Ende zu kreieren, das jegliche Spannung vermissen lässt und auch in Sachen Effekte nur das Minimum anbietet. Es wäre mir so viel lieber gewesen, hätte man das Geld für das Finale lieber in die kreativen Effekte für den restlichen Film gesteckt, um vom doch sehr mittelmäßigen Schauspiel und der schlechten Story abzulenken.

Sonst kann man nur erwähnen, dass die deutsche Synchronisation zumindest gut gelungen ist und auch der Sound sowie die Musik durch den ganzen Film gut sind. Das Schauspiel ist wie bereits erwähnt leider nicht das Gelbe vom Ei. Es muss nicht unbedingt am Cast selbst liegen, sondern kann auch zum Großteil dem Skript und den beteiligten Personen geschuldet sein, trotzdem bekommt man hier keine überragenden Darstellungen. Besonders deutlich wird es an dem Punkt, in welchem der Vater der Hauptfigur aus der Fantasiewelt entkommt. Irgendwie wirkt seine Flucht echt nicht gut und man erkennt deutlich, dass man es hier nur mit einem Schauspieler und ein paar lächerlichen Effekten zu tun hat. Das reißt einen definitiv aus der Immersion – die zwar nicht vorhanden ist, ich hätte mir aber gerne eingeredet, sie spüren zu können. Ich war sowas von enttäuscht, vor allem, weil ich durch die Prämisse doch irgendwie Hoffnungen an Imaginary hatte.

Fazit zu Imaginary:

Imaginary verspricht mit seiner Prämisse eines lebendigen Teddybären und der Thematik von imaginären Freunden eine interessante Mischung aus Horror und Fantasie. Leider bleibt der Film weit hinter seinen Möglichkeiten zurück und verschwendet sein Potenzial auf bedauerliche Weise. Die Geschichte leidet unter lieblos verwendeten Klischees und einer fehlenden klaren Vision, was zu einer mangelnden Bindung zu den Charakteren und Ereignissen führt. Die Figuren wirken eindimensional, die Spannung ist vorhersehbar und die Atmosphäre schwankt zwischen Gruselstimmung und tröger Langeweile.

Obwohl es vereinzelte kreative Momente gibt, insbesondere in Bezug auf die Darstellung des lebendigen Teddybären, werden diese nicht konsequent genutzt, um eine durchgehende Faszination beim Publikum zu erzeugen. Stattdessen wird das Budget an den falschen Stellen eingesetzt, um ein enttäuschendes Finale zu inszenieren, das die Spannung vermissen lässt und keine beeindruckenden Effekte bietet. Trotz solider Leistungen bei der deutschen Synchronisation, dem Sound und der Musik kann Imaginary letztendlich nicht überzeugen. Das durchschnittliche Schauspiel und die schwache Story trüben das Gesamterlebnis, und selbst vielversprechende Ansätze werden nicht vollständig ausgeschöpft.

Insgesamt hinterlässt Imaginary den Zuschauer enttäuscht und mit dem Gefühl, dass das Potenzial des Films nicht ausgeschöpft wurde. Trotz seiner interessanten Ausgangsidee bleibt er letztendlich weit hinter den Erwartungen zurück.

Jetzt gibt es ein Remake zu Mean Girls in den deutschen Kinos (ja, der neue Film heißt komplett Mean Girls – Der Girls Club, während das Original in Deutschland den Namen Girls Club – Vorsicht bissig! bekam). Anders als aber im Jahr 2004 ist der neue Film ein Musical. Nicht verwunderlich, bedenkt man, dass die neue Fassung auf dem Broadway Musical basiert, welches wiederum das Original und damit auch das Buch als Vorlage nimmt. Verwirrend – klar ist aber, dass ein Kult-Klassiker mit neuem Anstrich in den Kinos ist. Natürlich habe ich mir das Teenie-Musical direkt reingezogen und erzähle euch in dieser Kritik, was ich von der neuen Fassung halte.

So weit, so fetch

Mean Girls dokumentiert das Leben der 16-jährigen Cady Heron, die nach Jahren des Hausunterrichts erstmals eine öffentliche Schule besucht. Cady gerät in die faszinierende, aber gnadenlose Welt der High-School-Hierarchie, besonders beeinflusst von der Gruppe der „Plastics“, angeführt von der charismatischen Regina George. Während Cady versucht, sich anzupassen und in die sozialen Strukturen einzufügen, wird sie ungewollt in einen Plan verwickelt, Rache gegen Regina zu üben.

Wer sich fragt, warum diese Zusammenfassung sich genau nach dem Original aus 2004 anhört, der wird nicht verrückt, sondern hat gerade das erste Mal erfahren, dass der neue Mean Girls nur ein Remake des alten Klassikers darstellt. So ehrlich muss ich zu euch sein: Nein, der neue Film von Tina Fey macht nichts sonderlich neu. Es gibt hier und da immer wieder neue Witze, und auch ein paar Charaktere wurden in die Neuzeit überführt (weg mit dem pädophilen Lehrer), trotzdem folgt das Remake eins zu eins der Geschichte aus dem Original und bringt dabei auch noch viele der gleichen Sätze mit. Die großen Neuerungen sind und bleiben die Musicalnummern.

Mittwochs tragen wir pink und es wird gesungen

Ja – in Mean Girls wird viel und oft gesungen. Wer damit ein Problem hat, wird mit großer Sicherheit keinen Spaß am neuen Film haben und sollte lieber nicht einen Fuß ins Kino wagen. Das ist besonders schade für alle, die nur die Trailer gesehen haben, weil man sich im Marketing nicht als Musical dargestellt hat und damit vielleicht ein paar Ahnungslose in den Untergang schickt (übertrieben gesprochen). Solltet ihr dieser Tatsache aber nicht abgeneigt sein, dann kann ich euch jetzt schon versprechen, dass ihr mit dem Film definitiv auf eure Kosten kommt.

Tolle Hintergründe, coole Tänze und großartige Sänger sind der Hauptgrund, warum für mich persönlich die Musicalnummern so unglaublich gut funktionieren. Ich habe mehrfach online Kritik zur Schauspielerin von Cady gelesen und dass einige der Songs nicht ganz so stark überzeugen wie im Broadway-Musical. Da ich jedoch erstens noch nie im Musical war und zweitens kein großer Experte in diesem Feld bin, mochte ich alle Musikstücke, die mir der Film präsentiert hat. Von „World Burn“ bis zu „Apex Predator“ – ich habe ganz klar neue Titel für meine Playlist und viele Ohrwürmer, die mir jetzt noch eine Weile im Kopf bleiben.

Fazit zum neuen Mean Girls:

Mean Girls präsentiert sich als ein unterhaltsames Remake des kultigen Originals von 2004, diesmal jedoch im Gewand eines Musicals. Die Neuauflage, basierend auf dem Broadway-Musical, bleibt der vertrauten Handlung des Originals treu, führt jedoch frischen Wind durch humorvolle Dialoge und mitreißende Musicalnummern ein.

Für Liebhaber des Originalfilms bietet der neue Mean Girls sicherlich nostalgische Momente und bekannte Charaktere. Tina Fey, die auch am Drehbuch beteiligt ist, bringt den Humor von damals gekonnt ins Hier und Jetzt. Die Entscheidung, den Film als Musical zu inszenieren, mag für einige Zuschauer überraschend sein, doch die eingängigen Songs, choreografierten Tänze und die kreative Umsetzung der Musicalnummern tragen maßgeblich zur Unterhaltung bei.

Obwohl das Remake nicht zwingend innovative Elemente einführt und die Handlung weitgehend dem Original folgt, schafft es durch die musikalische Komponente, frische Akzente zu setzen. Die Leistungen der Darsteller, insbesondere in den Gesangseinlagen, sowie die gelungenen Hintergrundgestaltungen, tragen dazu bei, dass der Film als eigenständiges Werk überzeugt.

Insgesamt bietet Mean Girls – Der Girls Club eine gelungene Mischung aus Nostalgie und zeitgemäßer Inszenierung, die durch die Musical-Elemente neue Facetten hinzufügt. Für Fans des Originals und Liebhaber von Musicals ist der Film definitiv einen Besuch im Kino wert.

Ein junger Mann auf der Suche nach Glück in Australien sieht sich mit zahlreichen Hindernissen konfrontiert und muss alles tun, um in dieser grausamen Stadt zu überleben. Warum ich so unerwartet begeistert wurde und warum ihr die Serie nicht übergehen solltet, erfahrt ihr in dieser Kritik zu The Artful Dodger.

Oliver Twist trifft auf modernes Fernsehen

Im Australien der 1850er Jahre erlebt Jack Dawkins, einst gerissener Taschendieb in London, ein neues Leben als angesehener Arzt in Port Victory. Doch als er sich bei Darius Cracksworth verschuldet und mit dem Verlust seiner Hände bedroht wird, tritt sein alter Lehrmeister Norbert Fagin wieder in sein Leben. Fagin überzeugt Jack, gemeinsam einen großen Coup zu wagen. Während Jack zwischen seiner dunklen Vergangenheit und dem Bestreben, Lady Belle, der Tochter des Gouverneurs, zu gewinnen, hin- und hergerissen ist, wird er in einen Spagat zwischen rauen Welten, Gesellschaftsschichten und Lebensentscheidungen gezogen. Die Geschichte, geprägt von Neuerfindung, Verrat, Wiedergutmachung und Liebe, wirft nicht nur einen Blick auf Jacks abenteuerliche Wandlung, sondern birgt auch einen überraschenden Twist.

Wer Dodger als Charakter nicht kennt, den werde ich kurz aufklären. Der Junge aus London war zusammen mit der bekannten literarischen Figur Oliver Twist in einer Diebesbande, bekommt aber mit der Serie The Artful Dodger nun seinen eigenen Platz im Rampenlicht – und das zurecht! Auch wenn ich selbst nicht viel von der Figur wusste, zeigt das Werk von Sony Pictures, dass viel mehr in dem jungen Chirurgen steckt, als man annehmen würde. Die Kostüme sind ein Traum, die schauspielerische Leistung atemberaubend und die Geschichte witzig, aber auch dramatisch, immer an den richtigen Stellen zur richtigen Zeit.

Der perfekte Mix aus verschiedenen Genres

Es ist für mich ein bisschen schwierig greifbar zu machen, was genau mir an der Serie gefallen hat, da es mehr ein Zusammenspiel zwischen allen Elementen ist, die zu einem tollen Endergebnis führt, von dem ich mir definitiv eine zweite Staffel wünsche. Genretechnisch würde ich den Mix zwischen Romance, Komödie aber auch einem Drama verordnen, wobei vor allem der Humor sehr stark auf das Fehlen von Frauenrechten, geringer Hygiene und dem Tod einschlägt.

Gefallen hat mir hier, dass kein einzelnes Genre zu lange verweilt und man ständig auf eine Achterbahn der Gefühle geschickt wird. Wenn man in einem Moment der Romantik überdrüssig wird, reißt einer der Charaktere einen Witz, dann kommt noch eine Verfolgungsjagd, und am Schluss muss Dodger einem Mann mit blutigen Händen das Leben retten. Irgendwie wild und doch ein geordnetes Chaos. Etwas unzufrieden war ich persönlich mit dem Ende. Es hat schon wieder direkt so gewirkt, als wolle man sich auf eine neue Staffel vorbereiten, dabei weiß man doch noch gar nicht, ob es überhaupt weitergehen darf. Dadurch wirkt das Ende – naja – nicht wie ein Ende. So etwas muss meiner Meinung nach nicht unbedingt sein.

Was dafür aber am Ende von The Artful Dodger besonders deutlich wird, ist die Chemie zwischen den beiden Hauptfiguren, gespielt von Thomas Brodie-Sangster (bekannt aus Maze Runner) und Maia Mitchell (bekannt aus Teen Beach Movie). Schon lange habe ich nicht mehr so viel Liebe und Leidenschaft zwischen einem Schauspielerpaar wahrgenommen. Ich wurde von der Romanze von Anfang an mitgerissen und musste unbedingt erfahren, wie es für die beiden ausgeht (auch wenn man es sich bei diesen Klischees irgendwie denken konnte). Außerdem gibt es für Disney Plus-Besitzer keine Ausrede, die Serie nicht anzuschauen, schließlich ist sie im Abo enthalten.

Fazit zu The Artful Dodger:

The Artful Dodger erweist sich als gelungene Serie, die geschickt historische Elemente mit zeitgenössischem Flair verwebt. Die fesselnde Geschichte von Jack Dawkins, einem einstigen Taschendieb, der in Australien als angesehener Arzt neu beginnt, zieht die Zuschauer mit einem ansprechenden Mix aus Romantik, Komödie und Drama in ihren Bann. Die Serie überzeugt nicht nur durch die beeindruckende Charakterentwicklung von Jack, seine Auseinandersetzung mit der eigenen Vergangenheit und die damit verbundenen Herausforderungen, sondern auch durch die unerwarteten Intrigen durch die Rückkehr seines alten Lehrmeisters Norbert Fagin.

Die Kombination aus historischer Kulisse, beeindruckenden Kostümen und herausragenden schauspielerischen Leistungen verleiht der Serie Tiefe und Authentizität. Trotz einiger vorhersehbarer Klischees bietet The Artful Dodger eine gelungene Mischung aus Humor und Dramatik, die den Zuschauer in eine emotionale Achterbahnfahrt entführt. Das Ende lässt Raum für eine potenzielle Fortsetzung, könnte jedoch besser ausbalanciert sein. Nicht zuletzt unterstreicht die herausragende Chemie zwischen den Hauptdarstellern, Thomas Brodie-Sangster und Maia Mitchell, die emotionale Intensität der Serie. Insgesamt präsentiert sich The Artful Dodger als ein packendes Serienerlebnis, dass das Interesse für eine mögliche zweite Staffel weckt.