Mit Marvel Rivals hat Marvel ein Videospiel geschaffen, in dem die unterschiedlichsten Helden und Schurken aufeinandertreffen. Bekannte Figuren aus dem Marvel-Universum treten hier nicht nur in ihren klassischen Rollen gegeneinander an, sondern werden in völlig neue Konstellationen geworfen. Gerade diese Mischung aus vertrauten Charakteren, alternativen Designs und ungewöhnlichen Begegnungen macht einen großen Teil des Reizes des Spiels aus und eröffnet zahlreiche Möglichkeiten für neue Geschichten.

Dabei passt Marvel Rivals perfekt zu einem Konzept, das Marvel bereits seit Jahren immer wieder nutzt: dem Multiversum. Durch die unzähligen verschiedenen Realitäten existieren zahlreiche Versionen bekannter Figuren, die sich teilweise nur in kleinen Details, manchmal aber auch grundlegend voneinander unterscheiden. So kann ein vertrauter Held plötzlich eine völlig andere Geschichte erlebt haben oder eine bekannte Figur in einer Realität eine ganz andere Rolle einnehmen. Für Marvel bietet das die Möglichkeit, mit seinen etablierten Figuren zu experimentieren und gleichzeitig immer wieder etwas Neues zu erzählen.

Genau diese Vielfalt bildet auch die Grundlage für Marvel Rivals – Hellfire Gala. Der Comic verbindet die aus dem Spiel bekannten Charaktere mit dem kreativen Spielraum des Multiversums und verspricht damit eine ungewöhnliche Marvel-Geschichte. Welche Figuren dabei im Mittelpunkt stehen, wie die verschiedenen Versionen miteinander funktionieren und ob aus der Verbindung von Videospiel und Comic tatsächlich eine spannende Geschichte entsteht, zeigt sich in der folgenden Kritik.

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Inhalt:

Marvel Rivals – Hellfire Gala ist genau die Art von Comic, bei der ich schon nach den ersten Seiten gemerkt habe, dass hier gar nicht erst versucht wird, eine besonders tiefgründige oder komplexe Geschichte zu erzählen. Stattdessen geht es direkt mitten hinein in die wahrscheinlich chaotischste Party des Multiversums. Auf Krakoa treffen verschiedenste Versionen bekannter Marvel-Figuren aufeinander und natürlich dauert es nicht lange, bis aus der ausgelassenen Feier ein gewaltiges Problem wird. Als Ultron mit einer ganzen Armee von Maschinen auftaucht, ist es vorbei mit der entspannten Gala und plötzlich müssen Storm, Emma Frost, Wolverine, Steve Rogers und zahlreiche weitere Helden gemeinsam gegen die Bedrohung antreten.

Mir hat dabei besonders gefallen, wie aufgedreht die Geschichte ist. Der Comic nimmt sich selbst nicht übermäßig ernst und nutzt das Marvel-Rivals-Konzept genau so, wie ich es mir bei einem solchen Tie-In wünsche. Es werden verschiedene Versionen bekannter Figuren zusammengeworfen, die teilweise komplett unterschiedliche Hintergründe und Persönlichkeiten mitbringen. Gerade daraus entstehen einige wirklich unterhaltsame Situationen. Es macht einfach Spaß, diese Charaktere miteinander interagieren zu sehen und zu beobachten, wie schnell eine eigentlich glamouröse Feier komplett aus dem Ruder läuft.

Natürlich darf man hier keine große Charakterentwicklung oder eine Geschichte mit besonders vielen überraschenden Wendungen erwarten. Dafür ist der Comic einfach zu kurz und viel zu sehr auf Unterhaltung ausgelegt. Für mich ist das allerdings überhaupt kein großes Problem gewesen. Gerade weil die Handlung so schnell voranschreitet und ständig irgendetwas passiert, hatte ich beim Lesen eigentlich durchgehend meinen Spaß. Die Geschichte fühlt sich dadurch angenehm leicht an und passt meiner Meinung nach sehr gut zu dem völlig überdrehten Multiversum-Konzept von Marvel Rivals.

Trotzdem bleibt auch hier wieder das Gefühl, dass man aus dem Konzept noch deutlich mehr hätte machen können. Die Hellfire Gala, Krakoa, verschiedene Realitäten, alternative Versionen der Marvel-Helden und dann auch noch Ultron mit einer Roboterarmee bieten eigentlich unglaublich viele Möglichkeiten für verrückte Ideen. Vieles davon wird eher angerissen, als wirklich ausführlich genutzt. Das stört mich bei diesem Comic aber weniger als bei manch anderem Marvel Rivals-Tie-In, weil die Geschichte zumindest genau den Spaß liefert, den sie verspricht. Ich wollte hier keine große Marvel-Saga erleben, sondern eine völlig durchgedrehte Party, die in einer riesigen Schlacht endet. Und genau das bekommt man.

Zeichnungen:

Auch bei den Zeichnungen merkt man sehr schnell, dass Marvel Rivals – Hellfire Gala vor allem auf Unterhaltung und schnelle Action ausgelegt ist. Der Zeichenstil ist insgesamt eher schlicht gehalten und orientiert sich natürlich stark am Look der Figuren aus dem Spiel. Das funktioniert meiner Meinung nach ziemlich gut, auch wenn ich mir an einigen Stellen etwas mehr Eigenständigkeit gewünscht hätte.

Gerade bei der Hellfire Gala gibt es allerdings einige wirklich schöne Momente. Die verschiedenen Charakterdesigns machen einiges her und gerade die unterschiedlichen Versionen der bekannten Helden sorgen dafür, dass die Seiten immer wieder interessant aussehen. Besonders wenn viele Figuren gleichzeitig aufeinandertreffen und die Handlung komplett eskaliert, können die Zeichnungen ihre Stärken ausspielen. Dann wirkt der Comic schön dynamisch und teilweise herrlich chaotisch.

Gleichzeitig gibt es aber auch hier wieder das Problem, das ich bereits bei anderen Marvel Rivals-Comics hatte. Der Stil funktioniert, aber er überrascht mich nur selten. Es gibt einige Panels, bei denen ich wirklich länger hingeschaut habe, insgesamt bleibt die Optik aber eher zweckmäßig. Gerade bei einem Konzept wie der Hellfire Gala hätte ich mir noch mehr kreative Designs und visuelle Ideen gewünscht. Das Multiversum bietet schließlich die perfekte Möglichkeit, komplett verrückte Versionen der Figuren auf die Seiten zu bringen.

Trotzdem hatte ich auch mit den Zeichnungen meinen Spaß. Die Action ist übersichtlich genug dargestellt, die Figuren sehen gut aus und der typische Marvel Rivals-Look kommt ordentlich zur Geltung. Für mich passen die Zeichnungen daher ziemlich gut zum schnellen und aufgedrehten Ton der Geschichte, auch wenn sie mich künstlerisch nicht ganz so stark überraschen konnten, wie es das Konzept eigentlich ermöglichen würde.

Fazit zu Marvel Rivals – Hellfire Gala:

Marvel Rivals – Hellfire Gala hat bei mir insgesamt einen ziemlich unterhaltsamen Eindruck hinterlassen. Der Comic will gar keine große, tiefgründige Marvel-Geschichte erzählen, sondern setzt voll auf Tempo, verrückte Ideen und die vielen unterschiedlichen Versionen der bekannten Figuren. Genau das hat mir hier besonders gut gefallen. Die Geschichte ist herrlich aufgedreht und nimmt sich an den richtigen Stellen nicht zu ernst. Gerade das passt für mich hervorragend zum Grundkonzept von Marvel Rivals.

Besonders die verschiedenen Charaktere sorgen für einige spaßige Momente. Ich mag es einfach, wenn das Multiversum genutzt wird, um bekannte Figuren in etwas ungewohnten Konstellationen aufeinanderprallen zu lassen. Auch der Wechsel von der glamourösen Hellfire Gala zur völligen Eskalation mit Ultron und seiner Armee funktioniert für mich ziemlich gut. Zwar hätte man aus dieser Grundidee noch deutlich mehr herausholen können, aber dafür bleibt die Geschichte angenehm kurzweilig und kommt schnell auf den Punkt.

Bei den Zeichnungen fällt mein Eindruck ähnlich aus wie bei der Handlung. Sie funktionieren gut, übertragen den Look von Marvel Rivals ordentlich auf die Comicseiten und können vor allem in den actionreichen Momenten überzeugen. Gleichzeitig bleibt der Stil für meinen Geschmack etwas zu schlicht und nutzt die kreativen Möglichkeiten des Multiversums nicht vollständig aus. Gerade bei einer Hellfire Gala hätte ich mir noch ausgefallenere Designs und visuell mutigere Ideen gewünscht.

Unterm Strich ist Marvel Rivals – Hellfire Gala für mich aber ein gelungenes kleines Tie-in, das vor allem eines sein möchte: unterhaltsam. Wer eine kurze, actionreiche und ziemlich durchgedrehte Marvel-Geschichte mit bekannten Figuren in ungewöhnlichen Versionen sucht, bekommt hier genau das geboten. Erzählerisch bleibt zwar einiges an Potenzial liegen und auch optisch wäre noch mehr möglich gewesen, aber ich hatte mit dem Comic definitiv meinen Spaß. Gerade der etwas überdrehte Stil hat für mich dafür gesorgt, dass sich der Band angenehm von einer gewöhnlichen Marvel-Geschichte abhebt. Für Fans von Marvel Rivals ist das daher durchaus eine nette Ergänzung, auch wenn ich mir für zukünftige Tie-ins noch etwas mehr Mut und Kreativität wünschen würde.

Die Klonkriege gehören zu den prägendsten Konflikten der gesamten Star Wars-Saga. Was zunächst wie ein weiterer Krieg zwischen den Mächten der Galaxis wirkt, entwickelt sich schnell zu einem Ereignis, das die politische Ordnung nachhaltig verändert. Mit dem Aufstieg der Separatisten und der Entstehung einer riesigen Klonarmee steht die Republik plötzlich vor einer Bedrohung, die sie mit ihren bisherigen Mitteln kaum bewältigen kann. Aus dem einstigen Konflikt zwischen politischen Lagern wird ein galaxisweiter Krieg, der Jedi, Soldaten und zahlreiche Welten in seinen Bann zieht.

Besonders interessant ist dabei, welchen Stellenwert die Klonkriege innerhalb der Geschichte von Star Wars einnehmen. Sie verbinden verschiedene Epochen der Saga miteinander und zeigen eine Republik, die sich immer weiter von ihren ursprünglichen Idealen entfernt. Gleichzeitig stehen die Jedi nicht mehr ausschließlich für Frieden und Diplomatie, sondern werden zu Generälen auf den Schlachtfeldern. Die Klonsoldaten wiederum werfen ganz eigene Fragen über Identität, Loyalität und die Bedeutung eines einzelnen Lebens auf. Dadurch sind die Klonkriege weit mehr als nur spektakuläre Schlachten zwischen Lichtschwertern, Droiden und riesigen Armeen.

Kein Wunder also, dass dieser Abschnitt der Star Wars-Geschichte über die Jahre immer wieder erweitert und aus unterschiedlichen Perspektiven erzählt wurde. Neben Filmen und Serien haben auch die Comics dazu beigetragen, die Zeit der Klonkriege mit neuen Geschichten und bekannten Figuren weiter auszubauen. Star Wars Comics – The Clone Wars Deluxe 1 widmet sich genau dieser spannenden Ära und verspricht damit einen Ausflug in eine der wichtigsten und ereignisreichsten Phasen des Star Wars-Universums. Doch wie gut funktioniert diese Comic-Ausgabe heute und was hat sie abseits des bekannten Konflikts zu bieten? Genau das schauen wir uns in der folgenden Kritik genauer an.

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Inhalt:

Die Klonkriege haben die Galaxis fest im Griff und bringen die Republik an ihre Grenzen. Während die Separatisten ihren Einfluss immer weiter ausdehnen, richten sie ihren Blick auf eine der wichtigsten Klonanlagen der Republik. Eine kleine Staffel von Sternenjägern und ein Bataillon kampferprobter Klonkrieger stellen sich gemeinsam mit den Jedi dem Angriff entgegen. Doch damit nicht genug: Auch Naboo, die Heimat von Padmé Amidala, gerät ins Visier der Separatisten. Für Jedi-General Obi-Wan Kenobi und seinen Schüler Anakin Skywalker beginnt damit ein Krieg, der sie vor völlig neue Herausforderungen stellt und über das Schicksal zahlreicher Welten entscheiden könnte.

Natürlich ist das nur ein kleiner Einblick in den Comic. Es geht hier nämlich nicht nur um eine Geschichte, sondern gleich um mehrere Erzählungen aus den Anfängen der Klonkriege. Star Wars Comics – The Clone Wars Deluxe 1 ist eine Sammlung verschiedener Comics aus der Ära der Klonkriege, die es meiner Meinung nach richtig gut schafft, unterschiedliche Geschichten miteinander zu verbinden, die auch inhaltlich gut zusammenpassen. Es sind Storylines dabei, die in gewisser Weise zusammengehören und immer wieder durch einzelne Elemente ergänzt werden, die die Thematik der Klonkriege noch einmal klarer hervorheben.

Dabei sorgt die Mischung aus politischen und actionreichen Inhalten für eine sinnvolle Abwechslung. Trotzdem verliert der Band nie den Kern der Klonkriege aus den Augen, nämlich die ständigen Konflikte innerhalb und außerhalb der Republik. Für mich als Fan der Animationsserie und von allem, was rund um die Klonkriege passiert, ist dieser Sammelband daher wirklich eine grandiose Zusammenfassung von Geschichten, die ich bisher noch nicht kannte. Ich mag solche Veröffentlichungen sehr und finde, dass mehr ältere Comics auf diese Weise zugänglich gemacht werden sollten. Ich freue mich schon sehr auf die anderen Bände und kann den Comic jedem ans Herz legen, der Fan der Klonkriege ist oder generell Interesse an Star Wars mitbringt.

Zeichnungen:

Die Zeichnungen in Star Wars Comics – The Clone Wars Deluxe 1 sind nicht ganz so einfach zu loben wie der Inhalt. Versteht mich dabei bitte nicht falsch: Die Panels sind ein echter Augenschmaus und stecken voller kleiner Kunstwerke, bei denen ich gerne einmal länger verweilen konnte. Dafür ist mir der Stil an manchen Stellen allerdings etwas zu basic und bietet für meinen Geschmack zu wenig interessante Designs.

Ich verstehe natürlich, dass man sich an der Vorlage, also vor allem an der Animationsserie und den Filmen, orientieren muss. Gerade Grievous hat mir allerdings gezeigt, wie cool man Charaktere innerhalb des bestehenden Universums mit einem passenden Stil neu beziehungsweise besonders interessant darstellen kann. Ich hoffe daher sehr, dass andere Comics in zukünftigen Sammlungen auch einmal etwas mutiger andere Wege gehen. Denn was ich hier gesehen habe, ist gerade bei den großen Schlachten künstlerisch richtig genial und kann dort mit beeindruckenden Bildern überzeugen. Gleichzeitig hätte ich mir an einigen Stellen etwas mehr kreative Eigenständigkeit gewünscht.

Fazit zu Star Wars Comics – The Clone Wars Deluxe 1:

Star Wars Comics – The Clone Wars Deluxe 1 ist für mich ein richtig schöner Sammelband geworden, der vor allem durch seine abwechslungsreiche Zusammenstellung verschiedener Geschichten überzeugt. Statt sich nur auf eine einzelne Handlung zu konzentrieren, bekommt man mehrere Einblicke in die frühen Phasen der Klonkriege und erlebt dabei ganz unterschiedliche Situationen. Mal steht die Action im Vordergrund, mal geht es stärker um politische Konflikte und die Schwierigkeiten, mit denen die Republik während des Krieges zu kämpfen hat. Genau diese Mischung hat mir besonders gut gefallen.

Als großer Fan der Klonkriege und der dazugehörigen Animationsserie hatte ich mit dem Band sehr viel Spaß. Besonders schön fand ich, dass hier Geschichten enthalten sind, die ich bisher noch nicht kannte und die trotzdem wunderbar in diese bekannte Ära von Star Wars passen. Dadurch fühlt sich der Sammelband nicht wie eine beliebige Zusammenstellung älterer Comics an, sondern wie eine sinnvolle Erweiterung der Klonkriege. Gerade solche Veröffentlichungen machen für mich den Reiz älterer Comics aus, weil man dadurch auch Geschichten entdecken kann, die bisher etwas unter dem Radar geblieben sind.

Bei den Zeichnungen sehe ich dagegen etwas mehr Luft nach oben. Die Comics können gerade bei den großen Schlachten richtig beeindruckende Bilder liefern und zeigen, wie viel Potenzial in der Darstellung der bekannten Figuren und Schauplätze steckt. Gleichzeitig hätte ich mir an einigen Stellen einen etwas mutigeren und eigenständigeren Stil gewünscht. Trotzdem passt die Optik insgesamt gut zur Ära und schafft es, das bekannte Star Wars-Gefühl auf die Seiten zu übertragen.

Unterm Strich bin ich mit Star Wars Comics – The Clone Wars Deluxe 1 aber sehr zufrieden. Der Band bietet eine schöne Mischung aus Action, Politik und bekannten Figuren und erweitert die Klonkriege um Geschichten, die auch für Fans der Animationsserie interessant sein dürften. Wer die Klonkriege liebt oder generell tiefer in die verschiedenen Comicgeschichten des Star Wars-Universums eintauchen möchte, bekommt hier eine sehr unterhaltsame Sammlung geboten. Ich freue mich jedenfalls schon darauf, auch die nächsten Bände zu entdecken.

Tony Stark gehört seit Jahrzehnten zu den faszinierendsten Figuren des Marvel-Universums. Als genialer Erfinder, milliardenschwerer Unternehmer und Iron Man hat er eine Entwicklung durchgemacht, die weit über das klassische Bild des selbstbewussten Superhelden hinausgeht. Aus dem Waffenproduzenten, dessen eigenes Leben durch seine Erfindungen aus den Fugen gerät, wurde im Laufe der Jahre ein Held, der immer wieder mit den Konsequenzen seiner Entscheidungen konfrontiert wird. Dabei standen nicht nur technische Innovationen und spektakuläre Rüstungen im Mittelpunkt, sondern auch Tonys ganz persönliche Schwächen, seine Beziehungen und die Frage, was eigentlich hinter der glänzenden Fassade steckt.

Besonders seine Beziehungen zu Frauen haben Tony Stark immer wieder geprägt. Pepper Potts ist dabei zweifellos die bekannteste und wichtigste Person in seinem Umfeld. Ihre gemeinsame Geschichte reicht von der klassischen Dynamik zwischen Chef und Angestellter bis hin zu einer engen persönlichen Verbindung, die in zahlreichen Geschichten immer wieder auf die Probe gestellt wurde. Doch Pepper ist längst nicht die einzige Frau, die in Tonys Leben eine bedeutende Rolle spielt. Gerade Madame Masque nimmt dabei eine besondere Stellung ein, denn ihre Verbindung zu Tony ist weitaus komplizierter, als es die übliche Beziehung zwischen Held und Gegenspielerin vermuten lässt. Zwischen Anziehung, persönlichen Konflikten und gegensätzlichen Interessen entwickelte sich über die Jahre eine Geschichte, die Madame Masque zu einer der interessantesten Figuren in Tonys Umfeld macht.

Mit Iron Man 1 steht nun ein neuer Abschnitt für den Rüstungsträger an. Der Neustart bietet die Gelegenheit, Tony Stark und sein Umfeld aus einer neuen Perspektive zu betrachten und gleichzeitig auf Elemente zurückzugreifen, die seine Comicgeschichte seit Jahrzehnten begleiten. Dass dabei ausgerechnet Madame Masque als zentrale Gegenspielerin in den Mittelpunkt rückt, verspricht eine Geschichte, in der persönliche Beziehungen mindestens genauso wichtig sein könnten wie die nächste große Bedrohung. Wie gut dieser neue Einstieg funktioniert und was der Band aus der langen Geschichte von Iron Man macht, zeigt sich in der folgenden Kritik.

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Inhalt:

Während Iron Man alles daransetzt, die skrupellosen Wissenschaftler von AIM aufzuhalten, die es auf junge Genies abgesehen haben und diese kurzerhand entführen, braut sich gleichzeitig eine ganz andere Gefahr zusammen. Denn während Tony Stark seinen eigenen Kampf führt, stellen sich Captain America und die Avengers gegen ihn. Ein Konflikt zwischen den größten Helden der Welt nimmt seinen Lauf und markiert den Beginn einer völlig neuen Ära für Iron Man.

Okay, ehrlicherweise nimmt der zweite Konflikt rund um Captain America nur einen geringen Platz in diesem Band ein. Vielmehr geht es um Madame Masque und darum, wie sie Tonys auserwählte Gewinner für seinen Award entführt, um einen neuen Iron Man zu erschaffen, den AIM kontrollieren kann. Eine simple und typische Storyline, die sich jedoch stark mit Tonys Liebschaften auseinandersetzt und dadurch eine Büchse der Pandora öffnet, die schon länger nicht mehr geöffnet wurde: Wie geht Tony eigentlich mit Frauen um und wohin führt ihn dieses Verhalten?

Das ist in diesem Comic sehr spannend dargestellt. Allerdings befindet sich dieser Arc noch ganz am Anfang, weshalb man das vollständige Ausmaß der Geschichte noch nicht wirklich bewerten kann. Trotzdem ist der eingeschlagene Weg auf jeden Fall interessant und macht Lust auf mehr. Iron Man 1 funktioniert dabei sowohl als sinnvoller Neustart für langjährige Fans als auch als guter Einstiegspunkt für Neueinsteiger, die bisher noch keinen Iron-Man-Comic gelesen haben. Mal sehen, wohin sich dieser neue Weg entwickelt. Ich bin auf alle Fälle gerne mit dabei.

Zeichnungen:

Die Zeichnungen von Carmen Canero in Iron Man 1 sind relativ klassisch gehalten, was gut zur ebenfalls eher klassischen Geschichte passt. Trotzdem schafft sie es vor allem, Iron Man wirklich cool in Szene zu setzen, ohne dabei auf detailreiche Umgebungen zu verzichten. Einige Panels gefallen mir ausgesprochen gut und laden durchaus dazu ein, sie etwas länger zu betrachten.

Etwas schade finde ich allerdings, wie wenig Aufmerksamkeit den Nebencharakteren gewidmet wird. Immer wenn diese in den Panels auftauchen, wirken sie deutlich detailärmer als Tony selbst und vor allem als der Iron-Man-Anzug. Hier könnte man in zukünftigen Ausgaben gerne noch etwas nachsteuern.

Trotzdem sind die Zeichnungen insgesamt sehr schön anzusehen und bieten einige wirklich coole Momente. Gerade Iron Man selbst kommt hervorragend zur Geltung, sodass der Band auch optisch einiges zu bieten hat.

Fazit zu Iron Man 1:

Iron Man 1 erweist sich als gelungener Neustart, der zwar noch nicht alle Karten auf den Tisch legt, aber durchaus neugierig auf das macht, was noch kommen wird. Die Geschichte setzt dabei weniger auf eine völlig außergewöhnliche Handlung, sondern nutzt bekannte Elemente aus Tonys Vergangenheit, um seinen Charakter und vor allem seine komplizierten Beziehungen zu Frauen wieder stärker in den Mittelpunkt zu rücken. Besonders Madame Masque sorgt dabei für eine interessante Dynamik, die im weiteren Verlauf noch einiges an Potenzial bieten dürfte.

Auch wenn der Konflikt mit Captain America und den Avengers im ersten Band deutlich weniger Raum einnimmt, als die Inhaltsbeschreibung zunächst vermuten lässt, fällt das insgesamt nicht sonderlich negativ ins Gewicht. Viel wichtiger ist, dass der eigentliche Handlungsbogen rund um AIM und Madame Masque einen interessanten Grundstein legt. Da die Geschichte noch am Anfang steht, bleibt allerdings abzuwarten, wie gut sich die einzelnen Ideen im weiteren Verlauf entwickeln.

Optisch präsentiert sich der Band klassisch, kann Iron Man selbst aber immer wieder eindrucksvoll in Szene setzen. Bei den Nebencharakteren hätten die Zeichnungen für meinen Geschmack stellenweise etwas mehr Aufmerksamkeit vertragen können. Insgesamt passt der Stil jedoch gut zur Geschichte und sorgt für einige wirklich schöne Panels.

Unterm Strich ist Iron Man 1 damit ein vielversprechender Auftakt, der sowohl langjährigen Fans als auch Neueinsteigern einen guten Zugang zu Tony Stark bietet. Der Band erfindet Iron Man nicht komplett neu, schafft es aber, bekannte Aspekte seiner Figur interessant miteinander zu verbinden und gleichzeitig neue Fragen aufzuwerfen. Ich bin deshalb gespannt, wohin dieser neue Weg führt, und werde Tony Stark auch im nächsten Band gerne wieder begleiten.

Spider-Man gehört seit Jahrzehnten zu den bekanntesten Figuren aus dem Marvel-Universum. Seit seinem ersten Auftritt im Jahr 1962 hat sich Peter Parker von einem Jugendlichen, der mit den ganz normalen Problemen des Erwachsenwerdens kämpft, zu einem der wichtigsten und beliebtesten Helden des Marvel-Universums entwickelt. Dabei ist es gerade die Mischung aus spektakulären Superheldenabenteuern und persönlichen Problemen, die Spider-Man bis heute so besonders macht. Hinter der Maske steckt schließlich kein unbesiegbarer Held, sondern ein Mensch, der mit Verantwortung, Verlust, Beziehungen und den Konsequenzen seiner Entscheidungen umgehen muss.

Im Laufe der Jahre wurde Spider-Mans Geschichte unzählige Male weitererzählt und aus ganz unterschiedlichen Blickwinkeln betrachtet. Neben den regulären monatlichen Comicserien entstanden dabei immer wieder aufwendig produzierte Graphic Novels, die sich bewusst von den fortlaufenden Geschichten abheben. Diese Ausgaben erzählen jeweils eine in sich geschlossene Geschichte und geben den Autoren die Möglichkeit, Spider-Man in einem eigenen Rahmen zu präsentieren. Dadurch konnten ganz unterschiedliche Facetten der Figur beleuchtet werden, ohne dass man dafür jahrelang die regulären Serien verfolgen musste.

Genau hier setzt Spider-Man – Die Graphic Novel Collection an. Die Sammlung vereint vier besonders beliebte Graphic Novels aus unterschiedlichen Jahren und zeigt damit gleichzeitig, wie vielseitig Spider-Man als Figur funktionieren kann. Obwohl alle Geschichten ihre eigene Handlung besitzen, verbindet sie natürlich die zentrale Figur des Netzschwingers, der seit Generationen Leser begeistert. Welche Geschichten es in die Sammlung geschafft haben und was die einzelnen Graphic Novels so besonders macht, schauen wir uns in dieser Kritik genauer an.

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Inhalt:

Dieser Band vereint vier außergewöhnliche Spider-Man-Graphic-Novels, die den Netzschwinger in völlig unterschiedliche Abenteuer führen. Gemeinsam mit Silver Sable verschlägt es Peter Parker auf eine geheime Mission nach Deutschland, während Gerry Conway und Alex Saviuk einen Blick auf die bewegte Beziehung zwischen Peter und Mary Jane werfen. Anschließend bekommt es Spider-Man mit einer düsteren Welt voller Magie und Monster zu tun, bevor ihn Charles Vess gemeinsam mit MJ auf verspätete Flitterwochen ins schottische Hochland schickt. Vier eigenständige Geschichten, vier ungewöhnliche Szenarien und jede Menge Netzschwinger-Action machen diese Sammlung zu einer abwechslungsreichen Reise durch einige besondere Kapitel aus Spider-Mans Comicgeschichte.

Ich mag solche Sammlungen. Klar, alle Geschichten sind nicht wirklich aktuell und wirken sowohl in ihrer Erzählweise als auch in ihrer Darstellung teilweise sehr veraltet. Es geht hier aber auch nicht um neue Comics, sondern um Geschichten, die in einer Zeitspanne zwischen 1986 und 1992 veröffentlicht wurden. Das war eine gänzlich andere Zeit für Comics. Es macht eine Menge Spaß, in diese Geschichten einzutauchen und sie in ihrem zeitlichen Kontext zu lesen. Was hier geschaffen wurde, ist für die damalige Zeit wirklich eine coole Sammlung an Spider-Man-Geschichten, die für sich selbst stehen und von denen eine besser als die andere ist.

Mein absoluter Favorit dieser Sammlung ist Parallel Lives, die zweite Story aus dem Jahr 1989. Hier bekommen wir Peter und MJ zu sehen, wie sie ihr eigenes Leben gelebt haben und sich immer wieder begegnet sind, bevor ihre Wege schließlich enger miteinander verflochten wurden. Das zeigt, dass das Leben der beiden sehr ähnlich und doch immer wieder völlig unterschiedlich war. Ein echtes Wunder, dass sie es überhaupt so weit gemeinsam geschafft haben. Die anderen Geschichten sind natürlich ebenfalls supercool und haben alle ihre eigenen lesenswerten Aspekte.

Insgesamt bekommen wir hier also eine Sammlung, die vor allem für Fans des Netzschwingers interessant sein dürfte und auch für all jene, die durch den neuesten Film Spider-Man: Brand New Day, die Spiele oder ganz andere Medien zum Fan geworden sind. Es ist schön, einen solchen Blick in die Vergangenheit konserviert und auf diese Weise zugänglich zu bekommen.

Zeichnungen:

Die Zeichnungen der verschiedenen Künstler in den einzelnen Graphic Novels haben für mich genau die gleichen Pluspunkte wie auch die Geschichten. Es sind Zeichnungen, die aus heutiger Sicht veraltet wirken, die aber trotz ihres Alters immer noch richtig gut aussehen und auf den unzähligen Seiten ein Kunstwerk nach dem anderen zaubern. Vor allem manche Bilder aus der Schottland-Geschichte oder aus Angst sind richtig brachial und schaffen einige geniale Panels voller kreativer Ideen.

Für die damalige Zeit sind hier also wirklich schöne Bilder entstanden, auch wenn man diese natürlich auf keinen Fall mit modernen Werken vergleichen sollte. Man sieht aber bereits hier, dass Spider-Man schon immer dafür geeignet war, spektakuläre und eindrucksvolle Bilder entstehen zu lassen.

Fazit zu Spider-Man – Die Graphic Novel Collection:

Spider-Man – Die Graphic Novel Collection ist eine schöne Zeitreise durch die Comicgeschichte des Netzschwingers. Die vier enthaltenen Graphic Novels stammen zwar aus einer Zeit, in der Comics erzählerisch und zeichnerisch noch deutlich anders funktioniert haben als heute, gerade das macht aber einen großen Teil des Reizes dieser Sammlung aus. Wer sich darauf einlässt, bekommt vier eigenständige Geschichten, die Spider-Man jeweils auf eine andere Weise zeigen und dabei ganz unterschiedliche Seiten der Figur beleuchten.

Besonders Parallel Lives konnte mich dabei überzeugen. Die Geschichte rund um Peter Parker und Mary Jane zeigt sehr schön, wie eng die Leben der beiden miteinander verbunden sind, obwohl sie sich über lange Zeit immer wieder auf ganz unterschiedliche Weise entwickeln. Aber auch die übrigen Geschichten haben ihre eigenen Stärken und sorgen dafür, dass der Band trotz seines Alters abwechslungsreich bleibt. Vor allem die teilweise sehr besonderen Szenarien und die kreativen Ideen machen die Sammlung interessant.

Natürlich merkt man den Geschichten ihr Alter an. Sowohl die Erzählweise als auch die Zeichnungen wirken aus heutiger Sicht teilweise deutlich veraltet. Wer ausschließlich moderne Comics gewohnt ist, muss sich deshalb zunächst an den Stil dieser Zeit gewöhnen. Gleichzeitig liegt genau darin aber auch der Charme der Sammlung. Man bekommt einen authentischen Einblick in eine andere Ära der Spider-Man-Comics und kann nachvollziehen, wie unterschiedlich die Figur über die Jahrzehnte interpretiert wurde.

Unterm Strich ist Spider-Man – Die Graphic Novel Collection deshalb vor allem für Fans des Netzschwingers interessant, die gerne einen Blick zurückwerfen möchten. Die vier Geschichten bieten kurzweilige und abwechslungsreiche Abenteuer und zeigen gleichzeitig, wie viel kreatives Potenzial schon damals in der Figur steckte. Wer Spider-Man bisher vor allem aus Filmen oder Spielen kennt, bekommt hier außerdem eine gute Gelegenheit, einen etwas anderen Blick auf den Charakter und seine Comicgeschichte zu werfen.

Kaum ein anderes Science Fiction Universum hat die Popkultur so nachhaltig geprägt wie Star Wars. Seit dem ersten Film aus dem Jahr 1977 begeistert die weit entfernte Galaxis Generationen von Fans und erzählt Geschichten über Jedi, Sith, Rebellen, Imperien und unzählige Welten, die weit über die großen Abenteuer der Skywalker Saga hinausgehen. Dabei war Star Wars schon immer mehr als nur klassische Weltraumaction. Zwischen epischen Schlachten, fremdartigen Planeten und mächtigen Wesen gab es immer wieder Momente, die eine deutlich düsterere und unheimlichere Seite der Galaxis angedeutet haben.

Genau hier setzt die Anthologie Reihe Star Wars Comics – Galaktische Geschichten des Schreckens an. Statt eine einzelne zusammenhängende Handlung zu erzählen, versammelt die Reihe unterschiedliche Horrorgeschichten aus den verschiedensten Epochen und Winkeln des Star Wars Universums. Dabei wird aus dem Fundus der Filme geschöpft und mit bekannten Figuren, Schauplätzen und Motiven gespielt. Ob Imperium, Rebellen, Jedi oder Sith, jeder Teil der weit entfernten Galaxis kann zum Schauplatz einer unheimlichen Geschichte werden. Geschichten rund um den Todesstern treffen dabei auf Erzählungen über die Nachtlande und zeigen, wie vielfältig die Möglichkeiten für düstere Abenteuer innerhalb des bekannten Universums sind.

Doch wie gut funktioniert Star Wars eigentlich als Horror? Können die bekannten Figuren und Schauplätze tatsächlich für Gänsehaut sorgen oder bleiben die Geschichten letztlich nur nette Abstecher in eine etwas dunklere Version der weit entfernten Galaxis? Genau dieser Frage widmet sich die folgende Kritik zu Galaktische Geschichten des Schreckens. Denn die Idee, das wohl berühmteste Science Fiction Universum der Welt mit klassischen Horrorelementen zu verbinden, klingt auf dem Papier zumindest ausgesprochen spannend.

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Inhalt:

„Es war einmal vor langer Zeit, in einer gruseligen Galaxis …“ So oder so ähnlich könnte man die Geschichten des Comics beschreiben. Eine klassische Handlung, die man zusammenfassen könnte, gibt es nicht, da die Anthologie aus vielen verschiedenen Ansätzen besteht. Jeder Teil bietet einen groben Handlungsrahmen, innerhalb dessen unterschiedliche Abenteuer mit Horrorelementen erzählt werden. So geht es beispielsweise im ersten Teil um einen Gefangenen in Jabbas Palast, der Gruselgeschichten erzählt, um nicht getötet zu werden. Im zweiten Teil versucht ein ehemaliger Sturmtruppler, die Überreste des zweiten Todessterns zu erreichen, während er gleichzeitig von den Geistern und Geschichten ehemaliger Bewohner des Todessterns hört.

Dabei muss ich allerdings sagen, dass sich der Horror insgesamt ziemlich zurückhält. Es handelt sich eher um bösartige und düstere Geschichten mit Monstern und Geistern, die allerdings nur wenig wirklichen Horror beinhalten. Das ist etwas schade, denn Horror und Splatter gehören zu meinen absoluten Lieblingsgenres. Horrorelemente gibt es zwar in jeder Geschichte, wirkliches Horrorgefühl kommt beim Lesen aber nur selten auf. Auch Splatter gibt es in diesem Zusammenhang leider nur sehr wenig.

Das bedeutet allerdings keineswegs, dass die einzelnen Geschichten der Anthologie schlecht sind. Ganz im Gegenteil. Immer wieder schaffen es die Autoren, wirklich tolle Geschichten zu erzählen, die das Star Wars Universum um interessante Horrorelemente erweitern. Nicht jede Geschichte trifft dabei gleich ins Schwarze, doch beispielsweise der Teil über das Monster im Todesstern oder die Geschichte, in der sich die Skywalker Familie den Nachtlanden stellen muss, funktionieren richtig gut. Beide sorgen für ein tolles Leseerlebnis, das letztlich allerdings deutlich mehr Abenteuer als Horror bietet. Mir hat das insgesamt gut gefallen, auch wenn ich mir persönlich etwas mutigeren Horror und zumindest etwas mehr Splatter gewünscht hätte.

Zeichnungen:

Die Zeichnungen der verschiedenen Künstler in Star Wars Comics – Galaktische Geschichten des Schreckens haben ein ähnliches Problem wie die Geschichten selbst: Sie schwanken teilweise ziemlich stark in ihrer Qualität. Das ist bei einer Anthologie mit so vielen unterschiedlichen Stilen, Geschichten und Künstlern allerdings auch keine große Überraschung. Dadurch gibt es immer wieder richtig starke Bilder voller Leben, Details und kreativer Ideen.

Wenn ich mir eine Geschichte herauspicken müsste, wäre es die Story rund um Luke und die Schattenlande gegen Ende des Comics. Die Zeichnungen sind hier bunt, voller kreativer Energie und liefern ein starkes Panel nach dem anderen. Insgesamt bin ich mir deshalb sicher, dass hier jeder etwas für seinen Geschmack finden kann, auch wenn man beim Lesen vermutlich immer wieder auf Geschichten und Zeichenstile stoßen wird, die den eigenen Geschmack nicht ganz treffen.

Fazit zu Star Wars Comics – Galaktische Geschichten des Schreckens:

Star Wars Comics – Galaktische Geschichten des Schreckens ist am Ende eine interessante Mischung aus Star Wars und Horror, die allerdings nicht ganz das liefert, was der Titel zunächst verspricht. Die Anthologie zeigt, dass die weit entfernte Galaxis durchaus genügend Stoff für düstere und unheimliche Geschichten bietet. Monster, Geister, mysteriöse Orte und bekannte Figuren sorgen immer wieder für spannende Abenteuer, die das Star Wars Universum auf eine etwas andere Art präsentieren.

Allerdings sollte man nicht mit der Erwartung an den Comic herangehen, hier wirklich schaurige Horrorgeschichten zu bekommen. Dafür bleibt der Horror schlicht zu oberflächlich. Die meisten Geschichten funktionieren deutlich besser als düstere Star Wars Abenteuer denn als echter Horror. Auch beim Splatter hätte ich mir deutlich mehr gewünscht. Gerade weil das Konzept so viel Potenzial bietet, wäre es schön gewesen, wenn die Autoren an einigen Stellen mutiger geworden wären und sich stärker auf die Möglichkeiten des Genres eingelassen hätten.

Dafür überzeugt die Anthologie immer wieder mit kreativen Ideen und einigen wirklich gelungenen Geschichten. Auch optisch gibt es durch die vielen unterschiedlichen Zeichenstile einiges zu entdecken. Zwar schwanken sowohl die Geschichten als auch die Zeichnungen in ihrer Qualität, doch gerade die stärkeren Beiträge machen deutlich, wie gut Star Wars mit düsteren und unheimlichen Elementen funktionieren kann.

Unterm Strich ist Galaktische Geschichten des Schreckens deshalb vor allem für Star Wars Fans interessant, die gerne einmal eine etwas andere Seite der bekannten Galaxis erleben möchten. Wer blutigen Splatter und echten Horror erwartet, dürfte dagegen etwas enttäuscht werden. Ich hatte trotz dieser Kritik meinen Spaß mit der Anthologie, denn die gelungenen Geschichten machen Lust auf weitere Experimente mit dem Horror Genre innerhalb des Star Wars Universums. Ein wirklich gruseliger Ausflug in die weit entfernte Galaxis ist es zwar nicht geworden, ein unterhaltsamer und abwechslungsreicher aber allemal.

Kaum eine Figur aus dem Marvel-Universum steht so kompromisslos für die dunkle Seite des Superheldencomics wie der Punisher. Frank Castle ist kein Held im klassischen Sinne, besitzt keine übermenschlichen Kräfte und folgt auch nicht den moralischen Regeln, die für viele seiner berühmten Kollegen gelten. Seit seiner Entstehung in den 1970er-Jahren hat sich die Figur vor allem durch ihre schonungslose Haltung gegenüber Verbrechern einen Namen gemacht. Was als düstere Nebenfigur begann, entwickelte sich über die Jahrzehnte zu einem der bekanntesten und zugleich kontroversesten Charaktere Marvels. Dabei hat der Punisher immer wieder unterschiedliche Facetten angenommen, blieb seinem grundlegenden Prinzip jedoch treu: Wo andere Helden an ihre Grenzen kommen, überschreitet Frank Castle sie bewusst.

Besonders interessant wurde diese Seite der Figur mit dem Aufkommen von Marvel Knights. Die Anfang der 2000er-Jahre gestartete Reihe sollte Marvels bekannte Helden aus einer erwachseneren, härteren und oftmals deutlich düstereren Perspektive betrachten. Statt sich ausschließlich an den klassischen Superheldenton zu halten, setzte Marvel Knights auf Geschichten mit mehr Gewalt, moralischen Grauzonen und einer stärkeren Nähe zu Crime, Thriller und Noir. Figuren wie Daredevil, Black Panther oder eben der Punisher konnten dadurch von einer Seite gezeigt werden, die im traditionellen Marvel-Universum nur begrenzt Platz fand. Das Label wurde damit zu einem wichtigen Bestandteil jener Entwicklung, die Marvels Comics für ein erwachseneres Publikum öffnete.

Nun soll der Punisher erneut an dieses Konzept anknüpfen. Eine Rückkehr zu Marvel Knights weckt dabei unweigerlich die Frage, ob sich die besondere Atmosphäre vergangener Geschichten tatsächlich wieder einfangen lässt. Kann eine moderne Punisher-Geschichte noch dieselbe kompromisslose Härte, düstere Stimmung und moralische Ambivalenz entfalten, die das Konzept einst so reizvoll machte? Oder ist die Rückkehr zu den Wurzeln am Ende vor allem eine nostalgische Reise in eine längst vergangene Ära? Genau hier setzt Marvel Knights – Punisher an und verspricht eine Geschichte, die den Charakter wieder näher an jene düstere Interpretation heranführen möchte, mit der er einst zu einer der markantesten Figuren des Marvel-Kosmos wurde. Ob dieses Vorhaben gelingt und was hinter der Rückkehr wirklich steckt, zeigt sich bei einem genaueren Blick auf den Comic.

Danke an Panini für das Bereitstellen des Rezensionsexemplars!

Inhalt:

Auch in der nahen Zukunft der alternativen MK-Welt ist Frank Castle noch immer als gnadenloser Punisher unterwegs und führt seinen persönlichen Krieg gegen das Verbrechen. Als seine Jagd nach einer gefährlichen neuen Droge ihn bis zu einem mexikanischen Drogenkartell führt, trifft er jedoch auf einen Gegner, mit dem selbst er nicht gerechnet hat: den mysteriösen Auftragskiller El Zombie. Frank gerät in die Hände der Verbrecher und statt ihn zu töten, verfolgen sie einen weitaus grausameren Plan. Sie machen aus dem Punisher selbst eine willenlose Waffe und schicken ihn als untoten Killer auf ihre Feinde los. Während Frank damit zum Albtraum seiner eigenen Gegner wird, begibt sich Black Panthers alter Freund Agent Everett K. Ross undercover auf eine gefährliche Mission.

Marvel ist oftmals am stärksten in abgeschlossenen Reihen außerhalb der eigentlichen Kontinuität. Ich kann es nicht ganz erklären, aber DC hat die Seifenoper in Comics mit seinen langen Reihen definitiv perfektioniert, während Marvel meiner Meinung nach eher mit seinen eigenständigen Geschichten triumphiert. Das beste Beispiel dafür war die ursprüngliche Marvel-Knights-Reihe. Dass Marvel dieses Label nun zurückbringt und dann auch noch dem Punisher einen eigenen Band spendiert, ist so genial, dass ich es fast nicht glauben konnte. Denn der Punisher ist immer dann am besten, wenn er einfach drauflosschießen darf, ohne sich den Zwängen einer umfangreichen Kontinuität unterordnen zu müssen. Genau das zeigt auch dieser Comic. So viele coole Szenen voller erwachsener und düsterer Gewalt machen die Geschichte zu einem Fest für Punisher-Fans. Einen halbwegs robusten Magen sollte man allerdings mitbringen.

Vor allem liegt die Stärke des Comics darin, dass sich die Geschichte von vorne bis hinten rund anfühlt. Die Idee, dass der Punisher vom Jäger zum gejagten Tier wird und sich plötzlich einem Drogenboss unterwerfen muss, ist eine schöne Umkehrung der bekannten Ausgangslage. Daraus entwickelt sich ein unterhaltsames Actionfeuerwerk, das den Charakter auf interessante Weise aus seiner gewohnten Rolle herausreißt. Ein wenig Spionage-Thriller ist ebenfalls dabei, wobei dieser Aspekt letztlich von der gewohnt brutalen Punisher-Action überschattet wird. Wenn die Wiederbelebung des Labels tatsächlich auf diesem Niveau weitergeht, freue ich mich jedenfalls schon jetzt auf mehr Marvel Knights.

Zeichnungen:

Die Zeichnungen von Dan Panosian in Marvel Knights – Punisher sind genauso brutal, wie es die Geschichte vermuten lässt. Es gibt jede Menge Blut, Mündungsfeuer und Leichen. Genau das, was den Punisher irgendwo in seinem Kern auszeichnet. Denn Frank Castle ist kein Held, geschweige denn ein Antiheld. Er ist ein Mörder, der den Tod seiner Familie rächen möchte und dabei diejenigen zur Rechenschaft zieht, die er für schuldig hält.

Entsprechend viele wirklich grausame Bilder stecken in diesem Comic. Man bleibt an den Panels regelrecht hängen, nicht nur, weil sie hervorragend gezeichnet sind, sondern auch, weil sie eine unangenehme Realität vermitteln. Vieles wirkt so, als könnte es tatsächlich aus einer Welt stammen, die von Drogen und organisierter Kriminalität geprägt ist. Die Linien sind kantig, die Charaktere wirken teilweise bewusst unsauber und der gesamte Stil besitzt eine raue, dreckige Optik, die einfach perfekt zur Geschichte passt. Ich liebe es, wenn die Zeichnungen die Thematik eines Comics nicht nur begleiten, sondern sie auf visueller Ebene regelrecht verstärken.

Fazit zu Marvel Knights – Punisher:

Marvel Knights – Punisher ist genau die Art von Geschichte, für die das Marvel-Knights-Konzept wie geschaffen scheint. Statt sich mit der großen Kontinuität des Marvel-Universums aufzuhalten, konzentriert sich der Comic auf das, was den Punisher seit jeher auszeichnet: kompromisslose Gewalt, dreckige Action und einen Frank Castle, der seine eigenen Regeln macht. Die Geschichte fühlt sich dadurch angenehm eigenständig an und gibt dem Charakter den nötigen Freiraum, um seine brutalste Seite auszuleben.

Besonders gelungen ist dabei die ungewöhnliche Ausgangslage. Den Punisher selbst zum willenlosen Killer zu machen und ihn damit gewissermaßen vom Jäger zum Opfer werden zu lassen, sorgt für eine interessante Dynamik. Gleichzeitig bleibt die Handlung jederzeit ihrem actionreichen Grundton treu und liefert zahlreiche brutale und unterhaltsame Momente. Auch der Spionageanteil rund um Everett K. Ross fügt sich gut in die Geschichte ein, ohne den Fokus von Frank Castle zu nehmen.

Dazu kommen die passenden Zeichnungen von Dan Panosian, die den rauen und dreckigen Charakter der Geschichte hervorragend unterstreichen. Blut, Gewalt und die kantige Optik sorgen dafür, dass die visuelle Umsetzung genau das liefert, was man von einer modernen Marvel-Knights-Geschichte erwartet. Der Comic sieht nicht einfach nur brutal aus, sondern vermittelt auch die passende Atmosphäre.

Unterm Strich ist Marvel Knights – Punisher eine äußerst unterhaltsame Rückkehr zu den Wurzeln des Labels. Wer den Punisher vor allem dann mag, wenn er nicht durch die üblichen Grenzen des Marvel-Universums eingeschränkt wird, bekommt hier genau das richtige Futter. Die Geschichte nimmt sich nicht übermäßig ernst, weiß aber gleichzeitig sehr genau, was sie mit dem Charakter anstellen möchte. Für Punisher-Fans ist dieser Band deshalb ein blutiges Actionfest und zugleich ein vielversprechender Auftakt für die Wiederbelebung von Marvel Knights. Wenn Marvel diesen Weg weitergeht, darf gerne noch einiges folgen.

Spider-Man gehört seit Jahrzehnten zu den bekanntesten und beliebtesten Superhelden überhaupt. Doch neben Peter Parker aus dem klassischen Marvel-Universum existieren zahlreiche alternative Versionen der Figur, die ganz eigene Wege gehen. Eine der faszinierendsten Varianten ist ohne Zweifel Spider-Man Noir. Statt bunter Kostüme und moderner Großstadttechnik erwartet Leser hier ein düsteres New York der 1930er Jahre, geprägt von Kriminalität, Korruption und einer Atmosphäre, die direkt aus alten Film-Noirs stammen könnte. Gerade dieser starke Kontrast zum vertrauten Spider-Man macht den Charakter seit seinem ersten Auftritt so besonders.

Im Laufe der Jahre hat Spider-Man Noir eine bemerkenswerte Entwicklung durchlaufen. Die Figur musste in den Comics nicht nur zahlreiche Gefahren überstehen, sondern sogar den Tod erleiden, ehe sie auf ungewöhnliche Weise zurückkehrte und gewissermaßen eine Wiedergeburt erfuhr. Diese wechselvolle Geschichte zeigt, dass Spider-Man Noir weit mehr ist als nur eine alternative Version eines bekannten Helden. Er besitzt eine eigene Mythologie, die ihn von vielen anderen Varianten des Netzschwingers abhebt.

Seine größte Popularität erreichte Spider-Man Noir jedoch außerhalb der Comics. Durch die erfolgreichen Spider-Verse-Filme wurde die Figur einem weltweiten Publikum bekannt und entwickelte sich rasch zum Fanliebling. Vor allem die markante Darstellung und die Stimme von Nicolas Cage hinterließen einen bleibenden Eindruck. Dass Cage nun auch die Hauptrolle in einer eigenen Live-Action-Serie für Prime übernimmt, zeigt eindrucksvoll, welchen Stellenwert Spider-Man Noir inzwischen erreicht hat. Doch was macht den düsteren Helden eigentlich so reizvoll und kann seine aktuelle Comic-Reihe an den besonderen Charme der Figur anknüpfen? Genau dieser Frage widmet sich die folgende Kritik.

Danke an Panini für das Bereitstellen des Rezensionsexemplars!

Inhalt:

New York, 1939: Zwischen verrauchten Bars, dunklen Gassen und der allgegenwärtigen Macht des organisierten Verbrechens ermittelt Privatdetektiv Peter Parker als maskierter Spider-Man. Mit Hut, Mantel und Pistolen nimmt er es mit den Gangstern der Stadt auf, bis eines Tages Gwen Stacy in seinem Büro auftaucht. Sie will, dass Peter den Mord an ihrem Vater aufklärt. Was zunächst wie ein gewöhnlicher Auftrag wirkt, entwickelt sich jedoch schnell zu einem gefährlichen Netz aus Lügen, Gewalt und Korruption. Während Peter bei seinen Ermittlungen immer tiefer in die Unterwelt New Yorks eintaucht und Gwen ihm dabei zunehmend näherkommt, führt ihn die Spur schließlich zu einer skrupellosen Organisation, die vor nichts zurückschreckt: der tödlichen Scorpion Gang.

Spider-Man Noir schafft tatsächlich direkt eine Sache, die ich nicht erwartet hätte: Die Reihe fängt die Noir-Atmosphäre hervorragend ein und erzählt einen spannenden und reizvollen Fall, den man von Anfang bis Ende gerne mitverfolgt. Dabei wird Gwen sinnvoll in dieses Universum eingeführt und die Geschichte wartet mit einigen gelungenen Twists auf, die man nur zum Teil vorhersehen kann. Schade ist lediglich, dass sich vor allem der letzte große Twist recht einfach erahnen lässt.

Besonders gut gefallen haben mir dafür die Actionsequenzen und die teilweise herrlich „ragebaitenden“ Dialoge von Peter. Dadurch wirkt die Figur wie eine deutlich erwachsenere Version des bekannten Spider-Man, die zudem Waffen in ihrem Arsenal verwendet. Genau diese Mischung verleiht ihm eine ganz eigene Note und passt hervorragend zu diesem düsteren Szenario.

Hier und da muss ich allerdings zugeben, dass sich die Geschichte etwas zu sehr am üblichen Spider-Man-Mythos bedient. Tante May, die immer wieder die große Verantwortungskarte ausspielt, oder MJ, die mit ihren kecken Sprüchen um die Ecke kommt, fühlen sich doch sehr nach klassischen Spider-Man-Elementen an. Letztlich ist es eben immer noch Spider-Man. Gleichzeitig wirkt diese Iteration der Figur deutlich gebrochener, was nicht zuletzt an ihrer düsteren Umwelt liegt.

Dann sind da natürlich auch noch die Nazis. Und sind wir ehrlich: Wenn Nazis verkloppt werden, macht es doch immer Spaß.

Auch das Ende hat mich zunächst etwas stutzig gemacht. Ich bin mir gar nicht einmal sicher, ob man daran problemlos anknüpfen kann. Und wisst ihr was? Das ist eigentlich sogar ganz gut. Dadurch fühlt sich die Geschichte angenehm abgeschlossen und eigenständig an. Unterm Strich bekommt man hier einen richtig guten Spider-Man-Noir-Krimi, der die besondere Atmosphäre der Figur hervorragend einfängt.

Zeichnungen:

Die Zeichnungen von Andrea Broccardo und Marika Cresta stecken voller Details und erwecken die Noir-Welt in jedem Panel zum Leben. Dabei zeigt sich direkt, dass dieses Universum nicht zwingend komplett schwarz-weiß sein muss, wenn man die richtigen Farben verwendet und eine besonders dichte Atmosphäre erzeugt.

Die Charaktere sind allesamt hervorragend designt und immer wieder entstehen Panels, die kleinen Kunstwerken gleichen und an denen man einfach hängen bleibt. Ein besonderes Highlight ist dabei die Dynamik der Kämpfe. Diese wechseln sich hervorragend mit den Dialogen ab und sorgen für ein insgesamt äußerst unterhaltsames Leseerlebnis.

Wer hier der Meinung ist, es gäbe für die Augen nichts zu entdecken, sollte sich vielleicht eher Gedanken über seine Sehkraft machen. Die Zeichnungen sind von vorne bis hinten wirklich gelungen und tragen einen großen Teil dazu bei, dass Spider-Man Noir so stimmungsvoll funktioniert.

Fazit zu Spider-Man Noir:

Spider-Man Noir gelingt etwas, das bei alternativen Versionen bekannter Helden längst nicht selbstverständlich ist: Die Reihe fühlt sich tatsächlich wie eine eigenständige Interpretation der Figur an. Die düstere Noir-Atmosphäre, der spannende Kriminalfall und ein deutlich erwachsenerer Peter Parker passen hervorragend zusammen und sorgen dafür, dass man den Ermittlungen von der ersten bis zur letzten Seite gerne folgt. Auch wenn sich einige Elemente sehr stark am bekannten Spider-Man-Mythos orientieren, funktioniert die Mischung aus Vertrautem und Neuem erstaunlich gut.

Besonders überzeugen kann der Comic dabei durch seine Atmosphäre und die gelungenen Zeichnungen. Andrea Broccardo und Marika Cresta verleihen New York eine unglaublich dichte Stimmung und lassen die Welt trotz ihrer düsteren Grundausrichtung immer wieder visuell beeindruckend wirken. Hinzu kommen dynamische Actionsequenzen und Dialoge, die Peter eine angenehm raue und bissige Persönlichkeit verleihen. Gerade diese Mischung macht den Comic zu deutlich mehr als einem gewöhnlichen Superhelden-Abenteuer.

Natürlich ist Spider-Man Noir nicht vollkommen. Einige Wendungen sind vorhersehbar und gerade beim letzten großen Twist hätte die Geschichte gerne etwas mutiger sein dürfen. Auch manche Figuren und Elemente wirken so vertraut, dass man sich gelegentlich fragt, wie viel Noir tatsächlich in dieser Version steckt und wie viel klassischer Spider-Man geblieben ist. Trotzdem sind das letztlich nur kleinere Schwächen einer ansonsten sehr gelungenen Interpretation.

Wer Spider-Man Noir bisher vor allem aus den Spider-Verse-Filmen kennt, bekommt hier einen hervorragenden Einblick darin, warum die Figur auch abseits ihrer berühmten Filmauftritte so gut funktioniert. Der Comic verbindet Krimi, Superheldengeschichte und klassische Noir-Elemente zu einem unterhaltsamen Gesamtpaket und macht dabei definitiv Lust auf mehr. Ein düsterer, brutaler und atmosphärisch starker Spider-Man, der zeigt, dass sich mit der Figur auch nach all den Jahrzehnten noch interessante Geschichten erzählen lassen.

Kaum ein Gegner verkörpert die düstere Seite der Klonkriege so eindrucksvoll wie General Grievous. Zwischen organischem Leben und kalter Maschine gefangen, wirkt er wie ein Wesen, das selbst in einer Galaxis voller außergewöhnlicher Figuren aus dem Rahmen fällt. Sein Erscheinungsbild ist ebenso markant wie seine Persönlichkeit: erbarmungslos, berechnend und von einem beinahe schon fanatischen Hass auf die Jedi getrieben. Gleichzeitig haftet ihm etwas Unheimliches an, denn hinter der mechanischen Hülle steckt kein gefühlloser Droide, sondern ein Lebewesen, das seine eigene Verletzlichkeit nur allzu gut kennt.

Während die Klonkriege die Jedi vor zahlreiche Herausforderungen stellen, nimmt Grievous dabei eine besondere Stellung ein. Als Oberbefehlshaber der Separatistenarmeen ist er nicht bloß irgendein weiterer Gegner, der den Helden im Weg steht. Er wird zu einem der gefährlichsten und hartnäckigsten Widersacher der Republik und vor allem der Jedi. Seine Fähigkeit, es mit mehreren Lichtschwertkämpfern gleichzeitig aufzunehmen, macht ihn zu einer geradezu monströsen Erscheinung auf dem Schlachtfeld. Doch seine Bedeutung entsteht nicht allein durch seine Kampfkraft. Grievous steht sinnbildlich für einen Krieg, der immer brutaler und persönlicher wird – und für eine Ära, in der selbst die Jedi zunehmend an ihre Grenzen geraten.

Gerade seine Beziehung zu den Jedi macht ihn als Gegenspieler so interessant. Wo andere Feinde vor allem nach Macht oder Einfluss streben, scheint Grievous eine regelrechte Obsession mit der Vernichtung seiner Gegner entwickelt zu haben. Lichtschwerter werden für ihn zu Trophäen, Jedi zu Beute und Begegnungen mit ihnen zu einer persönlichen Herausforderung. Dabei besitzt er eine ganz eigene Mischung aus Einschüchterung, Brutalität und fast schon grotesker Theatralik, die ihn von vielen anderen Star-Wars-Schurken unterscheidet. Für mich gehört er deshalb ohne Frage zu den faszinierendsten und liebsten Feinden dieser Ära – und genau deshalb ist es besonders spannend, sich einer Geschichte zu widmen, die diesen ungewöhnlichen Charakter in den Mittelpunkt stellt.

Doch was macht eine Grievous-Geschichte eigentlich zu einer guten Grievous-Geschichte? Reicht es aus, ihn als unaufhaltsame Kampfmaschine auftreten zu lassen, oder steckt hinter der mechanischen Maske noch mehr, das diesen Gegner so reizvoll macht? Genau diesen Fragen widmet sich der Comic, der General Grievous eine Bühne gibt, auf der er ganz in seinem Element sein kann. Und wie gut ihm diese Rolle steht, verrät ein genauerer Blick auf die Geschichte, ihre Figuren und die Umsetzung.

Danke an Panini für das Bereitstellen des Rezensionsexemplars!

Inhalt:

Count Dooku schickt den erst kürzlich zum Anführer der Separatisten-Droidenarmee ernannten General Grievous auf einen abgelegenen Dschungelplaneten im Wilden Raum. Dort soll der gefürchtete Cyborg gezielt Chaos und Unruhe stiften, um die Aufmerksamkeit der Republik auf sich zu ziehen und ihre Streitkräfte in einen offenen Kampf zu verwickeln. Für Grievous ist dieser Auftrag weit mehr als eine taktische Mission: Endlich erhält der fanatische Jedi-Hasser die Gelegenheit, seine neuen Feinde direkt herauszufordern, ihre Truppen zu dezimieren und ihnen zu zeigen, mit welchem Gegner sie es künftig zu tun haben.

Star Wars – Grievous spielt, wie schon angedeutet, an den Anfängen der Klonkriege und zeigt daher einen Grievous, der gerade erst seine neue Position erhalten hat. Das ist super spannend, weil ich viel zu oft das Gefühl habe, dass wir den Anfang der Separatisten in den Serien und Filmen nicht wirklich genug miterleben dürfen. Immer mal wieder passiert das zwar, aber leider viel zu selten. Hier bekommen wir einen Grievous, der noch mehr Tier als Anführer ist. Das zeigt sich vor allem darin, wie er den Jedi gegenübertritt und wie roh sein Kampfstil ist. Das sorgt für einen super spannenden Einblick in den Charakter des Jedi-Jägers, den man sonst nur sehr selten bekommt.

Generell finde ich den Comic sehr gelungen, wenn es darum geht, uns einen Abschnitt aus Grievous‘ früher Geschichte zu zeigen. Ohne zu viel zu spoilern: Der Comic endet auf eine Art, die von Grievous gar nicht anders zu erwarten war. Bayes als Jedi-General der Geschichte bleibt dabei leider etwas sehr „Jedi Basic“, kann aber auch für den ein oder anderen coolen Moment sorgen. Sind wir aber ehrlich: Es geht hier doch eher um Grievous und seine Brutalität, auch wenn es am Anfang etwas anders dargestellt wird.

Besonders gelungen finde ich dabei die Allegorie der Monster auf dem Planeten, die ein Gegenstück zu Grievous‘ tierischem Verhalten darstellen. Das sorgt für eine mehr als gelungene Comicstory für Fans und alle, die Grievous gerne besser kennenlernen möchten. Gerne mehr solcher Charakterstudien aus dem Star-Wars-Universum.

Zeichnungen:

Die Zeichnungen von Caio Filipe in Star Wars – Grievous sind klar das Highlight des Comics. Anfangs dachte ich, dass der Stil auf dem Cover doch etwas kindlich und kantig wirkt, aber man nutzt ihn toll, um stetig Dynamik zu erzeugen und immer wieder für richtig krasse Bilder zu sorgen – vor allem auf Seiten von Grievous. Es gibt eine in Rot getauchte Szene, in der nur Grievous‘ Augen auf dem Panel zu sehen sind, und das sieht einfach mega aus. Solche Kunstwerke sind über den gesamten Comic verstreut und waren für mich der Hauptgrund, bis zum Ende dranzubleiben.

Auch die Monsterdesigns sind fantastisch und stellen Grievous in einem noch viel brutaleren und vor allem übermächtigeren Licht dar. Tolle Bilder für ein Monster, das sie auch verdient hat.

Fazit zu Star Wars – Grievous:

Star Wars – Grievous ist für mich vor allem deshalb ein gelungener Comic, weil er genau das in den Mittelpunkt stellt, was General Grievous als Figur so faszinierend macht: seine Brutalität, seinen Hass auf die Jedi und die Mischung aus Maschine und Raubtier, die ihn zu einem der markantesten Gegner der Klonkriege macht. Die Geschichte nutzt dabei die frühe Phase des Krieges, um einen Grievous zu zeigen, der noch nicht ganz der erfahrene Anführer ist, den wir aus späteren Geschichten kennen. Stattdessen wirkt er unberechenbarer, wilder und beinahe animalisch – und genau das steht ihm hervorragend.

Besonders gefallen hat mir, dass der Comic nicht versucht, Grievous unnötig umzudeuten, sondern seine Stärken gezielt ausspielt. Die Geschichte lebt von seiner Präsenz und davon, wie bedrohlich er auf seine Umgebung und insbesondere auf die Jedi wirkt. Die Handlung rund um die Monster des Dschungelplaneten greift dabei auf eine schöne Allegorie zurück, die Grievous‘ eigenes Verhalten widerspiegelt und ihm gleichzeitig eine zusätzliche Ebene gibt. Bayes bleibt als Jedi-General zwar etwas blass und erfüllt eher die klassische Rolle des Gegenspielers, doch letztlich ist das hier auch vollkommen in Ordnung: Dieser Comic gehört Grievous.

Ein ganz besonderer Pluspunkt sind für mich die Zeichnungen von Caio Filipe. Der zunächst etwas kantig und vielleicht sogar kindlich wirkende Stil entwickelt eine enorme Dynamik und schafft immer wieder Bilder, die Grievous genau so monströs und einschüchternd erscheinen lassen, wie man es sich von einer Geschichte über ihn wünscht. Gerade die düsteren und brutalen Momente bleiben im Gedächtnis und machen den Comic auch visuell zu einem echten Highlight.

Unterm Strich bekommt man mit Star Wars – Grievous eine kurzweilige und vor allem visuell starke Charaktergeschichte, die einen interessanten Blick auf die frühen Tage des gefürchteten Cyborgs wirft. Wer Grievous ohnehin zu seinen liebsten Figuren der Klonkriegsära zählt, dürfte hier einiges zu finden haben. Der Comic ist vielleicht keine tiefgreifende Charakterstudie, aber er versteht sehr gut, was Grievous ausmacht – und liefert genau deshalb eine unterhaltsame Geschichte mit einem herrlich brutalen Hauptcharakter. Für mich definitiv ein Comic, der Lust auf weitere Geschichten über die frühen Jahre dieses außergewöhnlichen Star-Wars-Schurken macht.

„Aber das hat Marvel doch schon mit dem Ultimate Universe gemacht. Und DC hat so etwas doch auch schon mehrfach probiert“, höre ich euch sagen. Und ja, das stimmt natürlich. Doch nachdem ich nun Absolute Batman, Absolute Wonder Woman und Absolute Superman im ersten Band gelesen habe, verstehe ich den Hype absolut und möchte einfach mal kurz darüber schwärmen. Denn das Absolute Universe ist nicht nur eine Neuinterpretation bekannter Helden. Es nimmt ihre Grundidee, reißt sie aus ihrer Komfortzone und setzt sie an einen Punkt, an dem eigentlich alles gegen sie spricht. Sie müssen erst zu den Helden werden, die wir kennen und lieben, obwohl die Voraussetzungen dafür schlechter kaum sein könnten. Komplett neue Anfänge, komplett andere Origin-Geschichten – dafür aber absoluter Spaß beim Lesen.

DCs Helden mal ganz anders

Beginnen wir mit dem wohl bekanntesten der Absolute-Comics: Absolute Batman. Der Comic wird nicht nur weltweit gehypt, inzwischen wurde sogar schon eine animierte Serie angekündigt. Ich bin mir ziemlich sicher, dass ich noch nie erlebt habe, dass eine Comicreihe so schnell eine Adaption bekommen hat. Und genau deshalb ist Absolute Batman besonders spannend: Bruce Wayne ist hier nicht mehr der kleine reiche Junge, der nach dem Tod seiner Eltern auf ein riesiges Vermögen zurückgreifen kann. Seine Eltern hat er zwar ebenfalls verloren, doch sein Vater war Lehrer und seine Mutter Sozialarbeiterin – und natürlich steckt auch hinter dieser Geschichte noch mehr, als man zunächst denkt.

Dadurch fühlt sich Bruce deutlich geerdeter an. Er hat kein Vermögen im Hintergrund, keine Wayne Enterprises, die ihm alles ermöglicht. Wenn er etwas erreichen will, muss er es selbst schaffen. Und genau das macht diese Version des Charakters so interessant. Bruce wird als unglaublich kluger Mensch dargestellt, der unbedingt seine Mitmenschen beschützen möchte. Seine Motivation wirkt dadurch fast noch ehrenvoller als bei vielen klassischen Interpretationen. Auch Black Mask als ersten großen Gegenspieler und Kartellführer einzusetzen, passt hervorragend zu dieser bodenständigeren Welt und verleiht der Geschichte einen angenehm dreckigen und realistischen Einschlag.

Dazu kommt die Action, die für mich eines der großen Highlights des Comics ist. Batman gewinnt nicht einfach jeden Kampf, nur weil er Batman ist. Er wird genauso oft an seine Grenzen gebracht, kassiert ordentlich und muss sich seinen Status als Held erst verdienen. Absolute Batman ist dadurch ein absolut fantastischer Auftakt, der seinem Hype meiner Meinung nach vollkommen gerecht wird. Ich habe bisher zwar nur den ersten Band gelesen, aber nach allem, was ich über die folgenden Geschichten gehört habe, wartet hier offenbar noch verdammt viel cooler Scheiß auf mich.

Von der Hölle bis zu kranken Planeten

Oft sind es in solchen alternativen Universen einzelne Geschichten, die besonders herausstechen. Eine Figur bekommt eine geniale Neuinterpretation, während andere eher auf der Strecke bleiben. Nicht so im Absolute Universe. Genau das macht dieses Konzept für mich so besonders: Bisher wirkt es, als hätte DC bei praktisch jeder Figur den Mut gehabt, wirklich etwas zu verändern. Nicht alles konnte ich bisher lesen, aber sowohl Absolute Wonder Woman als auch Absolute Superman haben mich absolut abgeholt.

Wonder Woman wird hier als Kind der Hölle neu interpretiert, das von Circe aufgezogen wird. Als letzte Amazone muss sie sich in dieser Hölle behaupten, bevor sie schließlich auf die Erde kommt, um diese vor genau jener Bedrohung zu beschützen. Superman wiederum ist der Sohn einer kryptonischen Bauernfamilie und kommt nicht als Baby auf die Erde. Stattdessen muss der Teenager seinen kranken Heimatplaneten verlassen und landet erst später auf der Erde.

Beide Figuren haben dadurch völlig andere Ursprünge und trotzdem bleiben die entscheidenden Elemente erhalten, aus denen die Helden entstehen können, die wir kennen. Genau darin liegt für mich die große Stärke des Absolute Universe: Es verändert die Figuren radikal, ohne sie dabei völlig fremd wirken zu lassen.

Gerade Absolute Wonder Woman ist dabei so genial geschrieben und gezeichnet, dass ich mich wirklich schwer zurückhalten kann, nicht sofort alle weiteren Bände zu kaufen. Holy, ich liebe vor allem das Monsterdesign. Das sieht einfach absolut großartig aus und passt perfekt zu dieser düsteren Version der Figur. Bei Absolute Superman gefällt mir wiederum besonders, dass Clark nicht bei einer menschlichen Familie aufgewachsen ist. Er ist noch relativ frisch auf der Erde und muss diese Welt selbst kennenlernen. Und genau das tun wir gemeinsam mit ihm. Dadurch fühlt sich seine Geschichte tatsächlich wie ein Neuanfang an und nicht nur wie eine weitere Variante derselben Origin.

Und genau deshalb habe ich gerade so viel Lust, dieses Universum weiter zu erkunden. Das Absolute Universe fühlt sich nicht wie ein einfacher Neustart an, bei dem man bekannte Geschichten mit ein paar neuen Details erzählt. Es nimmt die DNA der Figuren und fragt: Was wäre, wenn wir wirklich alles verändern? Was bleibt von Batman übrig, wenn Bruce Wayne kein Milliardär ist? Was wird aus Wonder Woman, wenn ihre Wurzeln direkt aus der Hölle kommen? Und was bedeutet es für Superman, wenn er die Erde erst als Jugendlicher kennenlernt?

Ein absolut gelungener Neustart

Nach den ersten drei Bänden kann ich deshalb absolut verstehen, warum das Absolute Universe gerade so viel Aufmerksamkeit bekommt. Jede Reihe geht ihren eigenen Weg, jede Figur fühlt sich frisch an und trotzdem erkennt man immer noch die Helden, wegen denen man überhaupt zu diesen Comics greift. Für mich ist das Absolute Universe damit nicht einfach nur ein weiterer Versuch, DC neu zu erfinden, sondern tatsächlich einer der spannendsten Ansätze, die der Verlag seit Langem auf die Beine gestellt hat. Wenn die kommenden Reihen dieses Niveau halten können, steht uns hier noch eine absolut starke Comic-Ära bevor – und ich bin definitiv gespannt, wohin die Reise noch geht.

Keine klassischen Skillbäume, keine vorgeschriebenen Builds und stattdessen jede Menge Freiheit: DreamEcho schickt uns in eine ungewöhnliche Welt voller Träume, Loot und schneller Kämpfe. Ich habe mich in die Traumwelt gewagt und dabei meinen ganz eigenen Charakter erschaffen.

Was passiert, wenn ein Spiel uns nicht vorschreibt, wie unser Charakter gespielt werden soll? Genau diese Frage stellt DreamEcho und lässt uns dabei erstaunlich viele Freiheiten.

Statt uns durch einen klassischen Skillbaum zu schicken, sammeln wir sogenannte „Concepts“ und kombinieren diese miteinander. Dadurch können wir unseren Charakter ganz nach unseren eigenen Vorstellungen entwickeln.

Bei mir war die Richtung allerdings ziemlich schnell klar: Ich wollte einen Barbaren.

Also ab ins Getümmel, ordentlich austeilen und möglichst viele Gegner gleichzeitig erwischen. Mit den passenden Concepts entwickelte sich mein Charakter schon nach kurzer Zeit zu einem ziemlich starken Nahkämpfer, der sich stellenweise verdächtig nach einem Wirbelwind-Barbaren gespielt hat.

Und genau hier hat mich DreamEcho direkt abgeholt.

Das Spiel ist unglaublich kurzweilig. Ein Run folgt auf den nächsten, neue Concepts werden ausprobiert und ständig entsteht die Frage, ob sich aus der nächsten Kombination vielleicht ein noch stärkerer Build basteln lässt.

Dabei bleibt DreamEcho angenehm unkompliziert und verliert sich nicht in unnötigen Systemen.

Doch wie gut funktioniert dieses Konzept tatsächlich – und schafft es das Roguelite-ARPG auch über die ersten Spielstunden hinaus zu motivieren?

Quelle: Thomas ingame footage – Games-Mag

Willkommen in der Welt der Träume

Schon der Name DreamEcho verrät, wohin die Reise geht: Wir bewegen uns durch eine Welt, die sich ganz unseren Träumen verschrieben hat. Statt einer klassischen Fantasywelt erwartet uns eine Mischung aus surrealen Umgebungen, Gegnerhorden und jeder Menge Möglichkeiten, unseren Charakter weiterzuentwickeln.

Das grundlegende Spielprinzip ist dabei schnell erklärt. Wir starten einen neuen Run, kämpfen uns durch die verschiedenen Bereiche der Traumwelt, besiegen Gegner und sammeln dabei neue Ausrüstung und Concepts. Je weiter wir kommen, desto stärker wird unser Charakter – gleichzeitig werden aber auch die Herausforderungen größer.

Scheitern gehört dabei ganz selbstverständlich zum Konzept.

Denn wenn ein Run endet, ist nicht automatisch alles verloren. Durch die Meta-Progression nehmen wir Teile unseres Fortschritts mit und können uns für den nächsten Versuch neue Möglichkeiten eröffnen. Über sogenannte „Memories“ lassen sich bestimmte Concepts für kommende Abenteuer sichern.

Genau dieser Kreislauf funktioniert erstaunlich gut. Ein Run fühlt sich nicht wie eine große, stundenlange Reise an, sondern eher wie ein kompakter Ausflug in die Traumwelt. Dadurch fällt es leicht, nach einem abgeschlossenen oder gescheiterten Durchlauf einfach noch einen weiteren zu starten.

Und genau das ist für mich eine der größten Stärken von DreamEcho: Das Spiel weiß, wann es genug ist.

Es hält mich nicht unnötig lange in einem Run fest, sondern gibt mir regelmäßig das Gefühl, etwas erreicht zu haben – und gleichzeitig einen Grund, es direkt noch einmal zu versuchen.

Concepts statt Skillbaum: Mein eigener Wirbelwind-Barbar

Das für mich spannendste System von DreamEcho ist gleichzeitig eines der Systeme, das man am besten selbst ausprobieren muss. Statt uns durch einen klassischen Skillbaum zu schicken, können wir verschiedene Talente und Concepts miteinander kombinieren und dadurch unseren ganz eigenen Spielstil entwickeln.

Und ich wusste ziemlich schnell, was ich wollte: einen Barbaren.

Mein Build dreht sich aktuell komplett um „Wirbelschlag“. Sobald ich die Fähigkeit aktiviere, beginnt mein Charakter zu kanalisieren und dreht sich durch die Gegner. Dabei werden Feinde in einem Radius von drei Metern kontinuierlich getroffen. Der Schaden basiert auf meinem Waffenangriff und wird dreimal pro Sekunde ausgelöst – mit höherer Angriffsgeschwindigkeit steigt entsprechend auch die Trefferfrequenz.

Genau hier beginnt die eigentliche Build-Bastelei.

Mit „Superkritisch“ erhöhe ich meinen kritischen Schaden um 30 Prozent, während „Paradoxon“ meine Krit-Chance um satte 50 Prozent erhöht. Dazu kommt „Schockwelle“, wodurch kritische Treffer meiner Waffe zusätzlich eine Schockwelle erzeugen.

Damit wird aus einem eigentlich ziemlich simplen Wirbelangriff schnell eine kleine Schadensmaschine.

Noch mehr Angriffsgeschwindigkeit durch „Gezeiten der Aktion“, zusätzliche 30 Prozent Schaden gegen nahe Gegner durch „Aufprall aus der Nähe“ und weitere 25 Prozent Waffenschaden durch „Disziplin“ runden meinen aktuellen Build ab.

Als Waffe kommt momentan noch ein Schwert zum Einsatz. Ob das langfristig meine bevorzugte Waffe bleibt, wird sich allerdings noch zeigen – schließlich lädt DreamEcho geradezu dazu ein, den eigenen Build immer weiter zu verändern.

Das Entscheidende ist dabei nicht einmal, dass mein Charakter aktuell besonders stark ist. Viel wichtiger ist das Gefühl, das beim Zusammenstellen entsteht.

Ich habe nicht einfach einen vorgegebenen „Barbaren-Build“ ausgewählt.

Ich habe ihn selbst gebaut.

Und genau dadurch fühlt sich jeder neue Fund und jedes neue Talent interessant an. Vielleicht passt das nächste Concept perfekt zu meinem Wirbelschlag und macht meinen Charakter noch stärker. Vielleicht funktioniert eine Kombination aber auch überhaupt nicht.

Beides gehört für mich zum Reiz des Systems.

Gerade mein aktueller Build zeigt dabei ziemlich gut, was DreamEcho anders macht: Aus einer einzelnen Fähigkeit entsteht durch die richtige Kombination aus Krit-Chance, Krit-Schaden, Angriffsgeschwindigkeit und zusätzlichen Effekten ein komplett anderer Spielstil.

Und ja – aktuell fühlt sich mein Charakter verdächtig stark nach einem klassischen Wirbelwind-Barbaren an.

Quelle: Thomas ingame footage - Games-Mag

Quelle: Thomas ingame footage - Games-Mag

Quelle: Thomas ingame footage - Games-Mag

Quelle: Thomas ingame footage - Games-Mag

Quelle: Thomas ingame footage - Games-Mag

Durch die Gegner wirbeln

Was mir beim Kampfsystem besonders gut gefällt, ist das direkte Feedback. Mit meinem aktuellen Build wirble ich regelrecht durch die Gegnergruppen und kann dabei ordentlich Schaden austeilen. Gerade wenn mehrere Gegner gleichzeitig auf dem Bildschirm stehen und die verschiedenen Effekte meines Builds anfangen auszulösen, entsteht ein angenehm chaotischer Spielfluss.

Dabei funktioniert der Wirbelschlag nicht nur gegen normale Gegner erstaunlich gut. Auch bei Bossen kann mein Build ordentlich austeilen. Dadurch fühlt sich die investierte Zeit in Angriffsgeschwindigkeit, Krit-Chance und zusätzlichen Waffenschaden tatsächlich sinnvoll an.

Ganz ohne Einschränkung funktioniert das Ganze allerdings nicht. Der Wirbelschlag verbraucht während des Kanalisierens kontinuierlich Energie. Ist diese aufgebraucht, heißt es also erst einmal: raus aus dem Wirbel und wieder mit den normalen Angriffen Energie aufladen.

Und genau das gefällt mir eigentlich ganz gut.

Denn dadurch kann ich nicht einfach dauerhaft durch die Gegner wirbeln. Stattdessen entsteht ein kleiner Rhythmus aus normalen Angriffen, Energie aufladen und anschließend wieder mitten ins Getümmel springen.

Das macht den Build nicht nur stark, sondern vor allem spaßig.

Gerade bei Bosskämpfen merkt man diesen Wechsel besonders. Ich kann ordentlich Schaden verursachen, muss aber trotzdem darauf achten, wann meine Energie zur Neige geht und wann ich wieder auf meine normalen Angriffe zurückgreifen muss.

Für mich funktioniert dieser kleine Kreislauf erstaunlich gut – und sorgt dafür, dass sich selbst ein relativ simples Grundprinzip nicht langweilig anfühlt.

Quelle: Thomas ingame footage – Games-Mag

Nicht einfach blind draufhauen

Beim Schwierigkeitsgrad trifft DreamEcho für mich aktuell einen ziemlich guten Mittelweg. Das Spiel fordert mich, ohne dabei unnötig frustrierend zu werden. Gerade bei den Bossen zeigt sich, dass blindes Draufhauen nicht immer der beste Weg ist.

Auch mit meinem aktuell ziemlich starken Wirbelwind-Build muss ich bei einigen Angriffen des Bosses aufpassen und den richtigen Moment abwarten. Statt einfach dauerhaft im Gegner zu stehen, lohnt es sich, bestimmte Attacken abzuwarten und anschließend selbst zum Angriff überzugehen.

Das sorgt dafür, dass die Bosskämpfe trotz meines starken Builds nicht komplett zur Nebensache werden.

Bei den Elite-Gegnern sieht die Sache momentan etwas anders aus. Die sind zwar vorhanden, werden von meinem aktuellen Build allerdings teilweise einfach über den Haufen gewirbelt. Ob das tatsächlich am Balancing liegt oder schlicht daran, dass mein Wirbelwind-Barbar momentan ziemlich gut funktioniert, lässt sich nach meinem bisherigen Spielverlauf schwer sagen.

Das ist sicherlich nichts revolutionär Neues, funktioniert im Zusammenspiel mit dem schnellen Kampfsystem aber ausgesprochen gut.

Gerade die Mischung aus eher unkomplizierten Gegnergruppen und etwas anspruchsvolleren Bosskämpfen gefällt mir dabei. Die normalen Gegner geben mir den nötigen Spielfluss, während die Bosse zwischendurch dafür sorgen, dass ich meinen Kopf einschalten und meinen Charakter etwas bewusster einsetzen muss.

Loot gibt es mehr als genug

DreamEcho geizt definitiv nicht mit Loot. Im Gegenteil: Neue Upgrades gibt es gefühlt ständig.

Für den Spielfluss ist das zunächst einmal angenehm. Mein Charakter wird regelmäßig stärker und eigentlich gibt es immer etwas Neues auszuprobieren oder zu verbessern.

Gleichzeitig verliert der einzelne Fund dadurch ein wenig an Bedeutung.

Gerade bei einem Spiel, dessen großer Reiz darin liegt, seinen eigenen Build zusammenzustellen, hätte ich mir häufiger den Moment gewünscht, in dem ein neues Concept oder Upgrade einen echten „Wow, das könnte meinen Build komplett verändern!“-Effekt auslöst.

Stattdessen ist es momentan teilweise eher:

„Ah, wieder ein Upgrade. Okay, nehme ich mit.“

Das ist keineswegs schlecht und passt sogar zum schnellen Spielfluss. Besonders aufregend ist das Loot-System dadurch aber nicht immer.

Eine Traumwelt mit Comic-Charme

Optisch schlägt DreamEcho eine deutlich leichtere Richtung ein. Der Stil lässt sich irgendwo zwischen Anime und Comic einordnen und wirkt insgesamt bewusst jugendlich und zugänglich. Statt auf eine düstere oder realistische Fantasywelt zu setzen, präsentiert sich das Spiel farbenfroh und stilisiert.

Teilweise musste ich beim Spielen sogar ein wenig an den Charakter und die Präsentation von Super Smash Bros. denken. Nicht, weil DreamEcho optisch eine direkte Kopie wäre, sondern weil die Figuren und Effekte diesen leicht verspielten, comichaften Charakter vermitteln.

Das passt erstaunlich gut zum Grundkonzept des Spiels. Schließlich befinden wir uns in einer Traumwelt – und dort darf die Präsentation ruhig etwas verrückter und weniger realistisch ausfallen.

Besonders während der Kämpfe kommt der Stil gut zur Geltung. Wenn mehrere Gegner gleichzeitig auf dem Bildschirm stehen und mein Wirbelwind-Barbar durch die Menge pflügt, sorgen die verschiedenen Effekte für ordentlich Bewegung auf dem Bildschirm.

Grafisch möchte DreamEcho dabei keine technische Meisterleistung abliefern. Das muss es aber auch nicht. Der eigene Stil funktioniert und gibt dem Spiel einen Charakter, der gut zum schnellen und unkomplizierten Gameplay passt.

Für mich ist die Optik deshalb weniger ein Grund, DreamEcho zu spielen, aber definitiv auch kein Punkt, der mich während meines Tests gestört hätte.

Technik und Steuerung

Auch bei der Steuerung macht es DreamEcho seinen Spielern angenehm einfach. Wer klassisch mit Maus und Tastatur spielen möchte, kann das problemlos tun. Gleichzeitig lässt sich das Spiel auch mit einem Controller sehr komfortabel steuern.

Gerade bei einem schnellen Action-RPG ist das für mich ein wichtiger Punkt. Bewegungen und Angriffe fühlen sich mit beiden Steuerungsarten direkt an, sodass letztlich jeder die Variante wählen kann, mit der er sich am wohlsten fühlt.

Auch die Menüführung fällt angenehm unkompliziert aus. Die einzelnen Systeme sind schnell verstanden und übersichtlich aufgebaut. Selbst wer zum ersten Mal in DreamEcho startet, dürfte sich hier nicht lange orientieren müssen.

Das zieht sich auch bei den Ladezeiten durch. Die Übergänge fallen angenehm kurz aus, wodurch nur wenig Zeit zwischen den einzelnen Abschnitten verloren geht. Gerade bei einem Roguelite, bei dem wir immer wieder neue Runs starten, ist das ein echter Pluspunkt.

Technisch hinterlässt DreamEcho bei mir deshalb einen erfreulich sauberen Eindruck. Nichts fühlt sich unnötig kompliziert an und das Spiel hält sich mit seinen Menüs und Ladezeiten angenehm zurück.

Das klingt zunächst nach einer Kleinigkeit, trägt aber einiges zum Spielfluss bei: DreamEcho möchte offensichtlich, dass wir spielen – und nicht minutenlang durch Menüs navigieren oder auf den nächsten Ladebildschirm warten.

Für ein paar Stunden abtauchen

Die große Frage bei einem Roguelite-ARPG ist natürlich, wie lange das Ganze motiviert. Und hier würde ich DreamEcho aktuell etwas anders einordnen als die ganz großen Vertreter des Genres.

Das Spiel macht Spaß und tut genau das, was es soll. Ich kann mich hinsetzen, ein paar Runs starten, meinen Charakter verbessern, an meinem Build schrauben und dabei problemlos einige Stunden versinken.

Was DreamEcho für mich allerdings nicht ist, ist ein Spiel, das ich jeden Tag für mehrere Stunden starten müsste. Dafür fehlt momentan noch etwas die langfristige Perspektive.

Wenn man das Genre als Maßstab nimmt, würde ich DreamEcho irgendwo zwischen Torchlight: Infinite und Diablo 4 einordnen. Es bietet genug Systeme, um sich mit seinem Charakter und den verschiedenen Builds zu beschäftigen, erreicht bei mir aber nicht den Punkt, an dem ich das Gefühl habe, dauerhaft in diesem Spiel bleiben zu müssen.

Auch die Geschichte bleibt für mich momentan etwas im Hintergrund. Das Traum-Setting ist interessant und bietet einen schönen Rahmen für das Gameplay, aber die Story selbst konnte mich während meines Tests noch nicht vollständig abholen. Vieles fühlt sich eher wie ein zusätzlicher Hintergrund für die Runs an, statt wie eine Geschichte, der ich unbedingt folgen möchte.

Das ist für mich aktuell aber kein großes Problem, denn DreamEcho weiß ziemlich genau, wo seine Stärken liegen: im Gameplay.

Und genau dort funktioniert es.

Ich kann ein paar Stunden in die Traumwelt eintauchen, meinen Charakter stärker machen, einen neuen Build ausprobieren und anschließend mit dem Gefühl aufhören, eine gute Zeit gehabt zu haben.

Für mich ist das momentan genau die richtige Erwartungshaltung an DreamEcho.

Fazit: Ein Traum, in dem man gerne ein paar Stunden bleibt

DreamEcho hat mich vor allem deshalb positiv überrascht, weil das Spiel genau weiß, was es sein möchte. Es ist kein riesiges Action-RPG, das uns für hunderte Stunden an sich binden möchte, sondern ein kurzweiliges Abenteuer, bei dem vor allem das eigentliche Gameplay im Mittelpunkt steht.

Besonders das freie Build-System mit den Concepts hat mir dabei gefallen. Statt einfach einen vorgegebenen Skillbaum abzuarbeiten, konnte ich meinen Charakter so entwickeln, wie ich es wollte. In meinem Fall wurde daraus ein ziemlich brachialer Wirbelwind-Barbar, der sich durch Gegnergruppen dreht und selbst bei Bossen ordentlich austeilen kann.

Genau solche Momente machen DreamEcho für mich aus.

Dazu kommen schnelle Ladezeiten, eine unkomplizierte Menüführung, eine gute Steuerung mit Controller sowie Maus und Tastatur und ein insgesamt sehr angenehmer Spielfluss.

Natürlich gibt es auch Punkte, bei denen noch Luft nach oben bleibt. Der Loot kommt teilweise etwas zu häufig, wodurch einzelne Upgrades weniger besonders wirken. Die normalen Gegner bieten genretypische Hack-and-Slay-Kost und auch die Geschichte konnte mich während meines Tests noch nicht vollständig packen.

Auch bei der langfristigen Motivation bleibt für mich aktuell noch ein Fragezeichen. Wie sich DreamEcho dauerhaft weiterentwickeln wird und ob zukünftige Inhalte, Seasons oder andere Systeme für eine langfristige Motivation sorgen, muss die Zeit zeigen.

Trotzdem hatte ich mit DreamEcho eine richtig gute Zeit.

Für mich ist es kein Spiel, das Path of Exile 2 oder Diablo 4 ersetzen wird. Es ist vielmehr ein Spiel für die Abende, an denen man einfach ein paar Stunden abtauchen, seinen Charakter stärker machen und einen weiteren Run starten möchte.

Und gerade der aktuelle Preis macht DreamEcho interessant. Zum Release ist das Spiel auf Steam für den PC momentan im Rahmen eines 10-prozentigen Einführungsrabatts für 11,02 Euro erhältlich. Das Angebot läuft noch bis zum 24. August.

Für diesen Preis fällt es meiner Meinung nach noch leichter, dem Spiel eine Chance zu geben. DreamEcho auf Steam

Wer Lust auf ein unkompliziertes Roguelite-ARPG mit einem interessanten Build-System hat, sollte DreamEcho definitiv eine Chance geben.

Positiv

Freies und kreatives Build-System

Schnelle und spaßige Kämpfe

Starker Spielfluss

Controller- und Maus-/Tastatur-Steuerung

Sehr kurze Ladezeiten

Übersichtlich und schnell erlernt

Negativ

 Loot teilweise zu inflationär

Normale Gegner eher genretypisch

Story bleibt etwas blass

Langzeitmotivation aktuell noch schwer einzuschätzen

Unsere Gesamtwertung: 7,50 / 10 

Wer gerne Builds ausprobiert und schnelle Action-RPG-Runs mag, kann hier bedenkenlos einen Blick riskieren. Auch der kurzweilige Spielstil macht Spaß auf mehr und zwingt einen nicht „das Spiel wie einen

Job zu sehen“ Vorallem für Fans die mal abschalten wollen und eine Runde daddeln ist es ein absoluter Must-Test. Durch die vielen Möglichkeiten hat man sehr viele Möglichkeiten den Charakter so zu gestalten wie man möchte. Wir sprechen aufjedenfall eine absolute Empfehlung aus!

Hinweis: Für diesen Test wurde uns ein Review-Key für DreamEcho zur Verfügung gestellt. Die Bereitstellung des Keys hatte keinen Einfluss auf unsere Wertung. Die Bilder die für diesen Artikel benutzt wurden sind während des Spielens von unserem Redakteur Thomas aufgenommen worden und nur für redationelle Berichterstattung verwendet. Sämtliche Rechte und Lizenzen gehören PR Outreach, HotWaterStudio bzw. den jeweiligen Rechteinhabern.

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