Das Marvel-Universum hat im Laufe seiner Geschichte bereits zahlreiche gewaltige Ereignisse erlebt, doch nur wenige haben die gesamte Welt der Superhelden so nachhaltig erschüttert wie Secret Wars aus dem Jahr 2015. Das von Jonathan Hickman geschriebene Großereignis stellte einen der ambitioniertesten Wendepunkte der modernen Marvel-Geschichte dar und führte zahlreiche Handlungsstränge zusammen, die über Jahre hinweg aufgebaut worden waren. Im Zentrum dieses gewaltigen Vorhabens standen die Avengers, deren Geschichte weit über ein gewöhnliches Superheldenabenteuer hinausging. Mit Avengers – Die Zeit läuft ab legte Marvel den Grundstein für eine Entwicklung, die schließlich das Schicksal des gesamten Multiversums bestimmen sollte.

Eine besondere Bedeutung kommt dabei dem Aufeinandertreffen des klassischen Marvel-Universums, auch als Erde-616 bekannt, mit dem ursprünglichen Ultimate-Universum zu. Letzteres wurde Anfang der 2000er-Jahre als moderne Neuinterpretation bekannter Marvel-Helden geschaffen und brachte eigenständige Versionen von Figuren wie Spider-Man, den X-Men und den Avengers hervor. Was zunächst wie zwei voneinander unabhängige Welten erschien, wurde im Zuge der Ereignisse rund um Secret Wars zu einem zentralen Bestandteil einer Geschichte, deren Ausmaße kaum zu überschätzen sind. Hickman verknüpft dabei zahlreiche Entwicklungen zu einem großen Ganzen und schafft die Voraussetzungen für eines der bedeutendsten Marvel-Crossover überhaupt.

Auch über die Comicseiten hinaus besitzt diese Geschichte eine besondere Aktualität. Die Ereignisse und Ideen aus Avengers – Die Zeit läuft ab und dem anschließenden Secret Wars gelten als wichtige Inspiration für den kommenden Marvel-Film Avengers: Doomsday. Damit erhält die Geschichte auch für Kinofans eine zusätzliche Bedeutung, denn einige der grundlegenden Ideen, die damals in den Comics entwickelt wurden, könnten nun ihren Weg auf die große Leinwand finden. Grund genug, einen Blick auf die beiden Bände zu werfen, die den Auftakt zu diesem gewaltigen Marvel-Ereignis bilden und zeigen, wie aus einer scheinbar gewöhnlichen Avengers-Geschichte der Beginn einer Bedrohung für das gesamte Multiversum werden kann.

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Inhalt:

Das Ende des Multiversums rückt unaufhaltsam näher und die Existenz des gesamten Universums steht auf dem Spiel. Während Steve Rogers und SHIELD Jagd auf Reed Richards, Black Panther und weitere Verschwörer machen, die für die Rettung ihrer Welt offenbar zu drastischen Mitteln gegriffen haben, brechen Thor und Hyperion zu einer scheinbar aussichtslosen Mission in die Tiefen des Kosmos auf. Gleichzeitig ist Tony Stark spurlos verschwunden und auch Dr. Strange muss sich gewaltigen kosmischen Bedrohungen stellen. Die Ereignisse spitzen sich immer weiter zu, bis schließlich sogar Steve Rogers und Tony Stark auf gegnerischen Seiten stehen und eine letzte Schlacht unausweichlich wird. Doch während das Multiversum seinem Untergang entgegensteuert, könnte ausgerechnet Dr. Doom der Einzige sein, der noch einen Weg findet, die gesamte Existenz zu retten.

Wer diesen Comic kennt, braucht diese Review eigentlich gar nicht. Avengers – Die Zeit läuft ab vereint die Geschichten aus den Avengers– und New Avengers-Comics, die letztendlich in das 2015 erschienene Großereignis Secret Wars münden. Ein modernes Comic-Epos, das bis heute seine Wellen schlägt und durch die kommenden Kinofilme aktueller ist denn je. Zwar gab es bereits zuvor ein Event namens Secret Wars, doch das hier besprochene Ereignis legte den Grundstein für die Verschmelzung verschiedener Comicwelten und dafür, dass Charaktere aus dem Ultimate-Universum wie Miles Morales ihren Weg in das Hauptuniversum fanden. Gleichzeitig markiert es einen wichtigen Wendepunkt in der modernen Marvel-Geschichte, an dem ein über die Jahre immer komplexer gewordenes Comic-Universum neu geordnet und in eine neue Richtung gelenkt wurde.

Diese Hinführung zu Secret Wars ist meiner Meinung nach einfach nur episch. So viele Schlachten, Ideen und Momente der Hoffnungslosigkeit bauen eine ungemein hohe Spannung auf, wie ich sie selten zuvor bei einer übergreifenden Storyline erlebt habe. Hier wird deutlich, wie Marvel es schafft, eine große Geschichte über zahlreiche Einzelreihen hinweg zu entwickeln, immer weiter aufzubauen und schließlich zu einem gewaltigen Höhepunkt zu führen. Trotz des enormen Umfangs der beiden Bände hatte ich dabei nie das Gefühl, dass sich die Handlung unnötig in die Länge zieht. Vielmehr fühlte es sich wie eine Seifenoper an, von der man einfach nicht genug bekommt und die einem immer wieder vor Augen führt, wie viel tatsächlich auf dem Spiel steht.

Selbst wenn man nicht alle Figuren kennt, lässt sich der Geschichte erstaunlich leicht folgen. Für mich ist Avengers – Die Zeit läuft ab ein Meilenstein der Comicgeschichte und ein hervorragender Grund, anschließend direkt wieder Secret Wars zur Hand zu nehmen. Die gesamte Erzählung ist wirklich gelungen und zeigt eindrucksvoll, warum Jonathan Hickman zu den besten modernen Marvel-Autoren zählt. Nicht ohne Grund wurde ihm später auch die kreative Leitung des neuen Ultimate-Universums anvertraut.

Zeichnungen:

Bei den Zeichnungen der zahlreichen Künstler, die an Avengers – Die Zeit läuft ab beteiligt waren, fällt es mir leider schwer, uneingeschränkt ins Schwärmen zu geraten. Stilistisch ist das Ganze zwar klar in seiner Entstehungszeit verankert, doch gerade bei einem Comic-Epos dieser Größenordnung hätte ich mir visuell etwas mehr erhofft. Viele Zeichnungen wirken leider recht plump und austauschbar. Zwar gibt es immer wieder wirklich beeindruckende Panels, die mit atemberaubenden Motiven und starken Bildkompositionen punkten können, doch solche Highlights sind leider eher sporadisch gesät. Über weite Strecken fehlt es den Zeichnungen an dem kreativen Einfallsreichtum, den ich mir von einem solchen Großereignis wünschen würde.

Optisch macht das Ganze durchaus etwas her und sieht stellenweise richtig cool aus, keine Frage. Trotzdem bleibt bei mir das Gefühl zurück, dass hier deutlich mehr möglich gewesen wäre. Gerade eine Geschichte mit derart gewaltigen Ausmaßen hätte meiner Meinung nach eine außergewöhnlichere visuelle Umsetzung verdient, statt sich so häufig auf die eher generische Bildsprache klassischer Superheldencomics zu verlassen. Da wäre definitiv mehr drin gewesen.

Fazit zu Avengers – Die Zeit läuft ab:

Avengers – Die Zeit läuft ab ist ein beeindruckendes Comic-Epos, das eindrucksvoll zeigt, wie sich eine über Jahre hinweg aufgebaute Geschichte zu einem gewaltigen Ereignis entwickeln kann. Jonathan Hickman gelingt es, zahlreiche Handlungsstränge und Figuren miteinander zu verknüpfen und daraus eine packende Erzählung zu erschaffen, die das Schicksal des gesamten Marvel-Multiversums auf dem Spiel stehen lässt. Die stetige Eskalation, die zahlreichen Wendungen und das Gefühl, dass jederzeit alles verloren gehen könnte, sorgen für eine durchgehend hohe Spannung. Trotz des enormen Umfangs der beiden Bände kommt dabei kaum Langeweile auf. Vielmehr entwickelt die Geschichte einen regelrechten Sog, dem man sich nur schwer entziehen kann.

Besonders beeindruckend ist dabei, wie konsequent Hickman auf Secret Wars hinarbeitet und aus den verschiedenen Handlungssträngen ein großes Ganzes formt. Auch ohne jede einzelne Figur oder sämtliche Hintergründe zu kennen, lässt sich dem Geschehen gut folgen. Für Marvel-Fans ist diese Sammlung ohnehin ein echtes Highlight und eine hervorragende Gelegenheit, eines der wichtigsten Comic-Ereignisse der modernen Marvel-Geschichte noch einmal zu erleben oder überhaupt erst kennenzulernen. Lediglich die Zeichnungen können nicht durchgehend überzeugen. Zwar gibt es immer wieder visuell beeindruckende Momente, insgesamt fehlt es der künstlerischen Umsetzung jedoch an der Besonderheit, die eine Geschichte dieser Größenordnung verdient hätte.

Unterm Strich überwiegen aber ganz klar die Stärken. Avengers – Die Zeit läuft ab ist ein mitreißender Auftakt zu einem der bedeutendsten Marvel-Crossover überhaupt und macht große Lust darauf, direkt mit Secret Wars weiterzulesen. Ein absolutes Muss für Marvel-Fans und ein eindrucksvolles Beispiel dafür, was ein langfristig geplantes Comic-Epos leisten kann.

Daredevil gehört zu den faszinierendsten Helden des Marvel-Universums. Hinter der Maske des Mannes ohne Furcht steckt Matt Murdock, ein blinder Anwalt aus New York, der durch einen Unfall als Kind sein Augenlicht verlor und dafür außergewöhnliche Sinne entwickelte. Mit seinen Fähigkeiten kämpft er gegen das Verbrechen, während er sich als Anwalt für Gerechtigkeit einsetzt. Gerade der Konflikt zwischen seinem Beruf, seinen persönlichen Überzeugungen und seinem Leben als maskierter Held macht ihn zu einer besonders vielschichtigen Figur.

Auch im Marvel Cinematic Universe hat Daredevil eine bewegte Geschichte hinter sich. Nach dem Erfolg seiner düsteren Netflix-Serie schien seine Zukunft zunächst ungewiss, bis Matt Murdock mit Auftritten in Spider-Man: No Way Home und She-Hulk: Die Anwältin ins MCU zurückkehrte. Mit Daredevil: Born Again erhielt er schließlich eine neue eigene Serie. Seine Rückkehr zeigt, wie beliebt der Held ist, der sich trotz aller Rückschläge immer wieder seinen Gegnern stellt und dabei oft mit seinen eigenen moralischen Grenzen ringt.

In den Comics beginnt für Matt Murdock nun ein neues Kapitel. In der aktuellen Reihe übernimmt er eine ungewohnte Aufgabe als Gastprofessor an der Empire State University (ESU). Damit muss sich der erfahrene Anwalt in einer neuen Rolle beweisen, ohne dass sein Leben als Daredevil dadurch einfacher wird. Daredevil 1 verspricht einen spannenden Einstieg in diese neue Phase und macht neugierig darauf, wie sich Matt Murdocks Alltag zwischen Universität, Gerechtigkeit und seinem Doppelleben als Superheld entwickeln wird.

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Inhalt:

Hell’s Kitchen ist ein Viertel voller dunkler Geheimnisse, doch früher oder später kommt jede Wahrheit ans Licht. Matt Murdock hat seine Zeit als Anwalt hinter sich gelassen und unterrichtet inzwischen als Professor am College. Doch seine neue Rolle bringt ihn ins Visier eines gefährlichen Gegners: Omen kann jeden Zug seiner Widersacher vorhersehen und scheint Daredevil damit stets einen Schritt voraus zu sein. Für den Mann ohne Furcht beginnt ein Kampf, in dem jede Entscheidung tödliche Konsequenzen haben kann und selbst seine außergewöhnlichen Fähigkeiten womöglich nicht ausreichen, um das Blatt noch zu wenden.

Gleich zu Anfang stellt sich mir die Frage: Warum hat man Matt nicht schon viel früher zum Professor gemacht? Das wirkt wie eine unglaublich clevere Idee, die in Kombination mit seinem Superheldenalltag für interessante Konflikte sorgen kann. Schließlich hat er bereits zahlreiche Helden trainiert und bewiesen, dass er sein Wissen weitergeben kann. Warum sollte er diese Fähigkeiten also nicht auch im juristischen Bereich an einer Universität einsetzen? Dieser Ansatz gefällt mir an dem Neustart schon jetzt richtig gut. Gleichzeitig erinnert er an einen früheren Spider-Man, der ebenfalls ständig versucht, sein Privatleben mit seinen Verpflichtungen als Held unter einen Hut zu bringen. Dass Matt nun zusätzlich als Lehrer gefordert ist, eröffnet jedenfalls jede Menge erzählerisches Potenzial.

Mein einziges Problem mit Daredevil 1 ist, dass ich noch nicht genau erkennen kann, wohin sich die Geschichte entwickeln möchte. Natürlich ist es spannend, nicht zu wissen, was als Nächstes passiert. Trotzdem bleibt die Richtung zunächst unklar, da die Handlung zwischen der Lehrerthematik und dem ungewöhnlichen neuen Gegner Omen schwankt, der noch nicht so recht in den übergeordneten Handlungsbogen passen will. Vielleicht entwickelt sich im weiteren Verlauf der Reihe aber noch etwas richtig Cooles, mit dem ich überhaupt nicht gerechnet habe. Insgesamt ist der erste Band ein interessanter Auftakt mit viel Potenzial, bei dem allerdings noch offenbleibt, ob daraus eine richtig gute oder doch eine enttäuschende Daredevil-Geschichte wird. Ich bleibe gespannt!

Zeichnungen:

Die Zeichnungen von Lee Garbett in Daredevil 1 sind durchweg gelungen. Besonders stark ist die Panelgestaltung, die Matts durcheinandergeratene Sinneseindrücke eindrucksvoll vermittelt und zugleich seine Ausstrahlung als Professor unterstreicht. Mir gefällt, wie dynamisch das Gesamtbild wirkt und wie gut die Actionsequenzen dadurch zur Geltung kommen. Lediglich das Design des Gegners wirkt auf mich noch etwas zu gewöhnlich und austauschbar für einen Schurken, der ansonsten durchaus interessante Fähigkeiten mitbringt. Daredevil selbst bleibt jedoch ganz klar das Highlight und überzeugt vor allem in den actionreichen Momenten. Ich hoffe, dass die zeichnerischen Stärken in den kommenden Bänden noch gezielter herausgearbeitet werden. Schon jetzt ist Daredevil 1 aber ein visuell überzeugender Comic, der Lust auf mehr macht.

Fazit zu Daredevil 1:

Daredevil 1 bietet einen interessanten Neustart für den Mann ohne Furcht, der mit seiner neuen Rolle als Professor jede Menge erzählerisches Potenzial mitbringt. Besonders die Idee, Matt Murdock stärker in den Universitätsalltag einzubinden und daraus Konflikte mit seinem Doppelleben als Superheld entstehen zu lassen, gefällt mir richtig gut. Hier steckt die Möglichkeit für eine spannende Geschichte, die sowohl Matts Fähigkeiten als Anwalt als auch seine persönlichen Grenzen auf die Probe stellt.

Allerdings lässt mich der Auftakt noch etwas zwiegespalten zurück. Die Handlung schwankt zwischen dem interessanten Ansatz rund um Matts Tätigkeit als Professor und dem neuen Gegner Omen, der sich noch nicht so recht in das Gesamtbild einfügen will. Dadurch fehlt mir bislang ein klarer roter Faden, der beide Elemente überzeugend miteinander verbindet. Die gelungenen Zeichnungen von Lee Garbett können diesen Eindruck zumindest teilweise ausgleichen. Vor allem die dynamische Panelgestaltung und die Darstellung von Daredevils außergewöhnlichen Sinnen sorgen für einige visuelle Highlights.

Unterm Strich ist Daredevil 1 ein vielversprechender Auftakt, der seine interessantesten Ideen noch nicht vollständig ausschöpft. Die Grundlage für eine spannende neue Phase in Matt Murdocks Leben ist definitiv vorhanden, doch muss sich erst noch zeigen, ob die Geschichte ihr Potenzial nutzen kann. Ich bin deshalb gespannt, wohin die Reise geht, und hoffe, dass die kommenden Bände die verschiedenen Handlungsansätze besser zusammenführen. Für einen rundum überzeugenden Neustart fehlt diesem ersten Band noch etwas die klare Richtung, aber Daredevil bekommt von mir eine Chance, mich im weiteren Verlauf zu überzeugen.

Gotham City ist die Heimat zahlreicher albtraumhafter Schurken, die Batman das Leben schwer machen. Während Figuren wie der Joker, der Pinguin oder Two-Face längst zu den bekanntesten Gegenspielern des Dunklen Ritters gehören, gibt es auch Charaktere, deren tragische Hintergründe sie weit über die Rolle eines gewöhnlichen Bösewichts hinausheben. Einer davon ist Clayface, ein Gestaltwandler, der mit seiner Fähigkeit, nahezu jede beliebige Form anzunehmen, zu den faszinierendsten Figuren aus Batmans Schurkengalerie zählt. Seit seinem ersten Auftritt im Jahr 1940 hat sich der Charakter über zahlreiche Inkarnationen hinweg verändert. Besonders bekannt ist Basil Karlo, ein ehemaliger Schauspieler, dessen Leben aus den Fugen gerät und der zu einer Gestalt wird, die nicht nur ihr Äußeres, sondern auch ihre Identität infrage stellt. Gerade diese Verbindung aus Körperhorror, tragischem Schicksal und dem Verlust des eigenen Selbst macht Clayface zu einer Figur, die deutlich mehr zu bieten hat als spektakuläre Kämpfe mit dem Dunklen Ritter.

Dass Clayface derzeit besonders im Mittelpunkt steht, kommt nicht von ungefähr. Am 22. Oktober ist der Kinofilm Clayface in den deutschen Kinos gestartet, der den ungewöhnlichen DC-Charakter ins Zentrum rückt. Dabei schlägt der Film einen spannenden Weg ein, denn obwohl Clayface vor allem als Gegenspieler Batmans bekannt ist, kommt der Kinofilm vollständig ohne den Dunklen Ritter aus. Stattdessen erhält der wandelbare Schurke die Gelegenheit, seine eigene Geschichte zu erzählen und sich von einer ganz anderen Seite zu zeigen. Ich habe den Film bereits gesehen und fand ihn richtig gut. Gerade der eigenständige Ansatz macht den Kinostart zu einem passenden Anlass, sich näher mit der Figur und ihren Wurzeln in den Comics zu beschäftigen. Schließlich gehört Clayface zu jenen Charakteren aus dem DC-Universum, deren Hintergrund genügend Stoff für Geschichten bietet, die weit über den klassischen Kampf zwischen Held und Schurke hinausgehen.

Passend zum Kinostart erscheint die Batman – Clayface Collection, die den perfekten Anlass bietet, sich erneut mit der Verbindung zwischen dem Dunklen Ritter und seinem wandelbaren Widersacher auseinanderzusetzen. Clayface ist schließlich weit mehr als eine lebende Masse aus Lehm, die ihr Aussehen beliebig verändern kann. Seine verschiedenen Inkarnationen spiegeln unterschiedliche Facetten des Charakters wider und machen ihn zu einem ebenso vielseitigen wie unberechenbaren Bestandteil von Batmans Schurkengalerie. Die zeitliche Nähe zum Kinofilm macht die Sammlung besonders interessant, denn sie ermöglicht es, Clayface auch in seinem ursprünglichen Umfeld innerhalb der Batman-Comics zu betrachten. Ob die ausgewählten Geschichten die Faszination dieser außergewöhnlichen Figur einfangen und warum Clayface auch abseits der Kinoleinwand einen genaueren Blick verdient, zeigt sich in der folgenden Kritik.

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Inhalt:

Kaum ein Gegner Batmans verkörpert die Grenze zwischen Mensch und Monster so tragisch wie Clayface. Hinter seiner erschreckenden Fähigkeit, jede beliebige Gestalt anzunehmen, verbirgt sich eine zerrissene Seele, die verzweifelt um ihre Menschlichkeit kämpft. Die Geschichten dieser Sammlung beleuchten die dunklen Abgründe eines Mannes, der zwischen Hoffnung und Verzweiflung, seiner wahren Identität und dem monströsen Wesen, zu dem er geworden ist, gefangen bleibt.

Ich hätte wirklich nie gedacht, dass ausgerechnet Clayface als erster Batman-Bösewicht einen eigenen Film im DC-Universum von James Gunn bekommt. Nicht, weil er ein schlechter Bösewicht wäre, sondern weil es mit Charakteren wie dem Joker, Scarecrow und vielen anderen einfach so viele Figuren gibt, die ich für interessanter gehalten hätte. Zumindest dachte ich das. Der Film ist jedoch richtig gut. Das gilt sowohl aus der Perspektive eines Horrorfans als auch ganz allgemein im Vergleich zu den Versuchen von Sony, die Bösewichte des eigenen Marvel-Universums auf die Leinwand zu bringen, oder den beiden Joker-Filmen, von denen mir persönlich keiner gefällt. Der Comic macht noch einmal deutlich, wie vielschichtig der Charakter oder besser gesagt die verschiedenen Figuren hinter Clayface sind.

Jede Geschichte steckt voller cooler Momente und macht Clayface für mich zu einer immer faszinierenderen Figur. Ursprünglich als Matt Hagen eingeführt und später als Schauspieler Basil Karlo neu interpretiert, steckt in den verschiedenen Inkarnationen jede Menge Potenzial. Mir gefällt, wie diese Sammlung unterschiedliche Stationen im Leben des Schurken beleuchtet und vor allem deutlich macht, wie er sich selbst immer wieder verliert. Das Ergebnis ist eine tolle Sammlung, die man sowohl vor als auch nach dem Film genießen kann, um noch mehr über Clayface zu erfahren. Allerdings schwankt die Qualität der einzelnen Geschichten, wie es bei solchen Sammlungen üblich ist, teilweise erheblich.

Zeichnungen:

Die Zeichnungen der verschiedenen Künstler in Batman – Clayface Collection zeigen noch einmal deutlich, wie vielschichtig der Charakter ist. Von Bodyhorror bis hin zu klassischer Action ist alles dabei. Natürlich hat jeder Künstler seinen eigenen Stil, und wie bei einer solchen Sammlung üblich, werden euch manche Panels besser gefallen als andere. Dafür ist der Band aber ausgesprochen abwechslungsreich und steckt voller Ideen, die sich wirklich lohnen. Mein persönliches Highlight war die Geschichte, in der Clayface Bruce Wayne kopiert. Darin gibt es einige schaurig-schöne Bilder zu entdecken. Ihr werdet sicherlich ebenfalls eine Geschichte finden, deren Zeichnungen für euch zum persönlichen Highlight werden.

Fazit zu Batman – Clayface Collection:

Die Batman – Clayface Collection hat mir einmal mehr gezeigt, wie viel Potenzial in einem Charakter steckt, den ich vor dem Kinofilm ehrlich gesagt nicht unbedingt zu den interessantesten Batman-Gegnern gezählt hätte. Die verschiedenen Geschichten beleuchten die tragischen Seiten des Gestaltwandlers und machen deutlich, dass hinter dem monströsen Äußeren weit mehr steckt als ein gewöhnlicher Schurke. Besonders die Themen Identitätsverlust, Verzweiflung und der Kampf um die eigene Menschlichkeit verleihen Clayface eine faszinierende Tiefe, die ihn für mich zu einer deutlich interessanteren Figur gemacht hat.

Auch zeichnerisch hat die Sammlung einiges zu bieten. Die unterschiedlichen Stile sorgen für Abwechslung und zeigen, wie vielseitig sich Clayface in Szene setzen lässt. Von schaurigem Bodyhorror bis hin zu klassischer Superheldenaction ist alles dabei. Mein persönliches Highlight bleibt die Geschichte, in der Clayface Bruce Wayne imitiert und dabei für einige wirklich unheimliche Momente sorgt. Allerdings sollte man sich darauf einstellen, dass die Qualität der einzelnen Geschichten schwankt und nicht jede davon gleichermaßen überzeugen kann.

Unterm Strich ist die Batman – Clayface Collection eine lohnenswerte Sammlung für alle, die den ungewöhnlichen Schurken besser kennenlernen möchten. Gerade in Verbindung mit dem Kinofilm entfalten die Geschichten einen besonderen Reiz, da sie zusätzliche Facetten einer Figur zeigen, die weit mehr zu bieten hat, als ihr erster Eindruck vermuten lässt. Wer Clayface bisher unterschätzt hat, könnte seine Meinung nach der Lektüre durchaus ändern. Für mich jedenfalls hat der wandelbare Schurke deutlich an Faszination gewonnen und ich bin gespannt, welche Geschichten mit ihm in Zukunft noch auf uns warten.

Moon Knight gehört zu den ungewöhnlichsten Figuren des Marvel-Universums. Als Faust des ägyptischen Mondgottes Khonshu bewegt sich Marc Spector seit jeher zwischen brutaler Selbstjustiz, übernatürlichen Bedrohungen und den Konflikten seiner eigenen Psyche. Dabei sind es nicht nur die mystischen Elemente, die seine Geschichten auszeichnen, sondern auch die Fähigkeit, ihn in Szenarien zu werfen, die man bei klassischen Superhelden eher selten findet. Gerade diese Mischung aus düsterer Atmosphäre, kompromissloser Gewalt und kreativen Ideen macht den Mondritter zu einer Figur, die immer wieder für Überraschungen gut ist.

Mit Moon Knight – Die Faust des Khonshu 1 begann eine neue Phase, in der sich Marc Spector und seine Verbündeten mit dem Drogenimperium des Gangsterbosses Achilles Fairchild auseinandersetzen mussten. Statt einer gewöhnlichen Auseinandersetzung zwischen Gut und Böse entwickelte sich daraus ein gefährlicher Kampf gegen ein kriminelles Netzwerk, dessen Einfluss weit über die Straßen New Yorks hinausreicht. Die Geschichte zeigte einmal mehr, wie vielseitig Moon Knight eingesetzt werden kann und dass seine Abenteuer nicht zwangsläufig auf übernatürliche Gegner angewiesen sind, um spannend und unberechenbar zu bleiben. Doch der Konflikt ist längst nicht beendet und die bisherigen Ereignisse haben deutliche Spuren hinterlassen.

In Moon Knight – Die Faust des Khonshu 2 spitzt sich der Drogenkrieg nun weiter zu. Nach einer blutigen Niederlage sind Moon Knight, seine Geliebte Tigra, Khonshus zweite Faust Hunter’s Moon und ihre Mitstreiter entschlossener denn je, Fairchilds Imperium zu Fall zu bringen. Der zweite Band verspricht damit die Fortsetzung eines Konflikts, der die Beteiligten bereits an ihre Grenzen gebracht hat. Dabei bleibt vor allem die Frage, wie weit Moon Knight und seine Verbündeten gehen müssen, um ihrem Gegner endgültig das Handwerk zu legen. Ob der Band den spannenden Auftakt erfolgreich weiterführt und welche kreativen Ideen diesmal auf die Leser warten, erfahrt ihr in dieser Kritik!

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Inhalt:

Nach einer blutigen Niederlage sind Moon Knight, seine Geliebte Tigra, Khonshus zweite Faust Hunter’s Moon und ihre Mitstreiter nur noch entschlossener, das Drogenimperium des Gangsterbosses Achilles Fairchild aus Asgard zum Einsturz zu bringen.

Moon Knight – Die Faust des Khonshu 2 führt die Stärken des Vorgängers konsequent fort und entwickelt den begonnenen Drogenkrieg zu seinem bisherigen Höhepunkt. Dabei gefällt mir besonders, wie Autor Jed MacKay die Geschichte weiter vorantreibt, ohne sich auf gewöhnliche Superheldenklischees zu verlassen. Stattdessen bleibt der Kampf gegen Fairchilds Imperium ein ungewöhnliches Szenario für Moon Knight, das hervorragend zur kompromisslosen Art des Titelhelden passt. Ich finde es immer wieder faszinierend, in wie viele unterschiedliche Situationen man diese Figur werfen kann, ohne dass sie dabei fehl am Platz wirkt. Genau das gelingt auch hier wieder ausgesprochen gut.

Der zweite Band macht verdammt viel Spaß zu lesen und profitiert davon, dass die bisherigen Entwicklungen nun auf ihren Höhepunkt zusteuern. Die Auseinandersetzung fühlt sich intensiver an, die Fronten sind klarer und die Entschlossenheit der Beteiligten ist nach den erlittenen Rückschlägen deutlich spürbar. Gleichzeitig bleibt die Geschichte angenehm unberechenbar und überrascht mit kreativen Ideen, die den Konflikt frisch halten. Jed MacKay versteht es, die verschiedenen Figuren sinnvoll einzusetzen und aus dem ungewöhnlichen Ausgangspunkt eine spannende Geschichte zu entwickeln, die mich von Anfang bis Ende unterhalten hat.

Natürlich bleiben auch die bekannten Schwächen bestehen. Wer sich tiefgreifende Charakterentwicklungen oder eine Handlung wünscht, die sich besonders viel Zeit für ihre einzelnen Elemente nimmt, wird auch hier nicht unbedingt fündig. Der Fokus liegt weiterhin auf dem Vorantreiben des Konflikts und den Ereignissen rund um Fairchilds Drogenimperium. Das muss man mögen, denn die Geschichte setzt vor allem auf Tempo, kreative Einfälle und die kompromisslose Art ihrer Figuren. Für mich geht dieses Konzept allerdings hervorragend auf. Der Band macht genau das, was er soll, und bringt den Drogenkrieg auf eine Weise voran, die Lust auf die weitere Entwicklung der Reihe macht.

Zeichnungen:

Auch zeichnerisch bleibt Moon Knight – Die Faust des Khonshu 2 seiner Linie treu. Die düstere Atmosphäre, die kreativen Bildkompositionen und die oftmals chaotisch wirkenden Panels passen hervorragend zu einer Figur, deren Innenleben ebenso unberechenbar ist wie ihre Methoden. Gerade diese visuelle Unruhe macht für mich einen großen Teil des Reizes aus. Die Bilder fühlen sich nicht einfach wie eine Begleitung der Handlung an, sondern vermitteln selbst etwas von der Zerrissenheit und Brutalität, die Moon Knights Welt auszeichnen.

Besonders schön ist, dass die visuelle Gestaltung den ungewöhnlichen Charakter der Geschichte unterstreicht. Der Konflikt um Fairchilds Drogenimperium bietet genügend Raum für intensive Auseinandersetzungen und kreative Einfälle, die durch die Zeichnungen zusätzlich an Wirkung gewinnen. Das Zusammenspiel von Geschichte und Bildern funktioniert erneut hervorragend und sorgt dafür, dass die düstere Welt des Mondritters lebendig wird. Auch wenn der Band stilistisch an seinen Vorgänger anknüpft, ist das für mich keineswegs ein Nachteil. Vielmehr bleibt die Reihe ihrem visuellen Konzept treu und liefert erneut genau die Atmosphäre, die ich mir von einer Moon-Knight-Geschichte wünsche.

Fazit zu Moon Knight – Die Faust des Khonshu 2:

Moon Knight – Die Faust des Khonshu 2 ist eine verdammt unterhaltsame Fortsetzung, die den Drogenkrieg gegen Achilles Fairchild auf seinen bisherigen Höhepunkt bringt. Der Band führt die Geschichte konsequent weiter, steigert die Intensität des Konflikts und beweist erneut, wie gut Moon Knight auch abseits klassischer Superheldengeschichten funktioniert. Die Handlung bleibt kreativ, spannend und angenehm ungewöhnlich, während Jed MacKay die Stärken seiner Figuren geschickt nutzt, um den Kampf gegen das kriminelle Imperium voranzutreiben.

Zwar bleiben die Schwächen des Vorgängers bestehen, insbesondere wenn es um die Tiefe einzelner Handlungselemente geht, doch das fällt angesichts des hohen Unterhaltungswerts kaum ins Gewicht. Die Geschichte weiß genau, was sie erzählen möchte, und verliert sich nicht in unnötigen Umwegen. Dazu kommen die düsteren, kreativen Zeichnungen, die perfekt zur Atmosphäre passen und das Geschehen eindrucksvoll in Szene setzen.

Für mich ist der zweite Band damit eine rundum gelungene Fortsetzung, die vor allem durch ihre kreativen Ideen und den großen Spaß beim Lesen überzeugt. Wer bereits mit dem ersten Band etwas anfangen konnte, bekommt hier mehr von dem, was Moon Knight so besonders macht. Der Drogenkrieg erreicht einen Höhepunkt, der Lust auf die nächsten Abenteuer des Mondritters weckt. Ich freue mich darauf, zu sehen, welche ungewöhnlichen Herausforderungen Jed MacKay für Marc Spector und seine Mitstreiter als Nächstes bereithält.

Seit Jahrzehnten gehört Storm zu den bedeutendsten Figuren des Marvel-Universums. Ororo Munroe ist nicht nur eine der mächtigsten Mutantinnen der X-Men, sondern auch eine Heldin, deren Geschichte von Verantwortung, Selbstfindung und dem Streben nach Gerechtigkeit geprägt ist. Ihre Vergangenheit als Königin von Wakanda und ihre Rolle während der Krakoa-Ära haben sie zu einer Persönlichkeit gemacht, die weit über das klassische Superheldendasein hinausgeht. Doch während Storm schon immer mit gewaltigen Kräften umgehen musste, eröffnet sich ihr inzwischen eine völlig neue Dimension ihrer Fähigkeiten und ihrer Bestimmung.

Mit dem ersten Band ihrer Soloreihe hat Marvel Ororo in eine neue Phase ihres Lebens geführt, in der sie nicht mehr nur als Mutantin agiert, sondern auch eine kosmische Rolle einnimmt. Als von Eternity erwählte Kämpferin bewegt sie sich mittlerweile auf einer Ebene, auf der die Bedrohungen weit über das hinausgehen, was die X-Men normalerweise erleben. Gleichzeitig bleibt Storm eine Figur mit menschlichen Zweifeln und persönlichen Überzeugungen, die sich auch von ihrer enormen Macht nicht einfach verdrängen lassen. Gerade diese Mischung macht ihre Abenteuer so interessant, denn selbst eine Heldin, die beinahe göttliche Kräfte besitzt, muss ihren Platz in einer immer komplizierter werdenden Welt erst finden.

In Storm 2 wartet bereits die nächste Herausforderung auf Ororo. Als Iron Man sie bittet, eine mysteriöse Wetteranomalie in Brasilien zu untersuchen, macht sie sich gemeinsam mit Maggott auf den Weg in den Regenwald. Dort geraten die beiden jedoch schnell in einen Konflikt, der weit über eine gewöhnliche Mission hinausgeht. Mehrere Sturmgötter stellen sich Storm entgegen, während sich am kosmischen Horizont ein gewaltiger Krieg zusammenbraut. Der Donnerkrieg verspricht eine Bedrohung von ungeahnten Ausmaßen und könnte Ororos Zukunft nachhaltig verändern. Doch kann der zweite Band die großen Erwartungen erfüllen, die sein Vorgänger geweckt hat?

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Inhalt:

Ororo Munroe hat sich längst von der Rolle der klassischen Mutantin gelöst und ist mittlerweile als kosmische Kämpferin von Eternity unterwegs. Als Iron Man sie auf eine ungewöhnliche Wetteranomalie in Brasilien aufmerksam macht, nimmt Storm den Auftrag an und reist gemeinsam mit Maggott in den Regenwald. Dort angekommen, müssen sie jedoch feststellen, dass hinter den seltsamen Wettererscheinungen mehr steckt als zunächst angenommen. Mehrere Sturmgötter greifen die beiden an und ziehen Storm in einen Konflikt hinein, dessen wahre Dimensionen sich erst nach und nach offenbaren. Während sich die Ereignisse zuspitzen, deutet sich am Horizont ein kosmischer Krieg an, der Ororo vor völlig neue Herausforderungen stellen könnte.

Auch Storm 2 hat mich mit seiner Geschichte wieder überrascht, wobei ich erneut gemischte Gefühle habe. Einerseits finde ich es unglaublich spannend, wie groß Marvel die Geschichte rund um Ororo inzwischen aufzieht. Was zunächst mit einer ungewöhnlichen Mission beginnt, entwickelt sich zu einem Konflikt, der eine geradezu epische Größenordnung annimmt. Storm bewegt sich zunehmend in Sphären, in denen Götter, kosmische Mächte und das Schicksal des Universums eine Rolle spielen. Das verleiht der Reihe eine ganz eigene Dynamik und lässt erahnen, dass hier noch einiges auf uns zukommen wird. Gerade der sich anbahnende Donnerkrieg macht neugierig darauf, wohin sich die Geschichte in den kommenden Bänden entwickeln wird.

Auf der anderen Seite hatte ich aber erneut Schwierigkeiten, den Überblick über die Handlung zu behalten. Es gibt viele Zusammenhänge, größere Zusammenhänge innerhalb des Marvel-Universums und Entwicklungen, die nicht immer auf Anhieb verständlich sind. Teilweise hatte ich das Gefühl, dass die Geschichte mehrere Schritte auf einmal machen möchte, ohne sich ausreichend Zeit zu nehmen, die einzelnen Ereignisse miteinander zu verbinden. Dadurch ist nicht immer klar, an welchem Punkt der Gesamterzählung wir uns gerade befinden und welche Bedeutung bestimmte Entwicklungen für Storms weiteren Weg haben. Das war bereits eine Schwäche des ersten Bandes und setzt sich hier leider fort.

Trotzdem hat mich der Comic nie völlig verloren. Dafür sind die Grundidee und die Ausmaße der Geschichte einfach zu spannend. Besonders gefällt mir, dass Storm nicht bloß als übermächtige Heldin dargestellt wird, die ihre Gegner mit einem Fingerschnippen besiegt. Stattdessen wird deutlich, dass ihre neue Rolle auch neue Gefahren und Herausforderungen mit sich bringt. Die Reihe scheint auf etwas sehr Großes hinzuarbeiten, und obwohl ich mir an manchen Stellen eine klarere Erzählweise gewünscht hätte, bin ich durchaus gespannt darauf, wie sich diese Geschichte weiterentwickelt. Storm 2 ist damit ein Band, der nicht alle erzählerischen Probleme seines Vorgängers ablegt, aber die Messlatte für die kommenden Ereignisse noch einmal deutlich höher legt.

Zeichnungen:

Auch optisch bleibt Storm 2 der großen Ausrichtung seiner Geschichte treu. Die Handlung lebt von gewaltigen Kräften, übernatürlichen Gegnern und einer Welt, in der die Grenzen zwischen Mutantenfähigkeiten und kosmischen Mächten zunehmend verschwimmen. Gerade für eine Figur wie Storm bietet das jede Menge Möglichkeiten, ihre Kräfte eindrucksvoll in Szene zu setzen. Wetterphänomene, Blitze und die Auseinandersetzungen mit den Sturmgöttern verleihen den Szenen eine Größe, die gut zur zunehmenden Eskalation der Handlung passt.

Besonders die Vorstellung, dass Storm inzwischen auf einer Ebene agiert, auf der sie sich mit göttlichen und kosmischen Wesen auseinandersetzen muss, eröffnet visuell viele spannende Möglichkeiten. Die Zeichnungen unterstützen diesen Eindruck und tragen dazu bei, dass die Geschichte trotz ihrer stellenweise verwirrenden Handlung eine epische Wirkung entfaltet. Gerade wenn die Kräfte aufeinandertreffen und die Ereignisse größere Ausmaße annehmen, wird deutlich, wie viel Potenzial in diesem Ansatz steckt.

Allerdings geht die visuelle Größe auch mit der Komplexität der Erzählung einher. Wenn ohnehin viele neue Figuren, Mächte und Zusammenhänge eingeführt werden, können die eindrucksvollen Bilder nicht immer dabei helfen, den Überblick zu behalten. Die Zeichnungen tragen zwar zur Atmosphäre bei, lösen aber nicht das Problem, dass sich die Handlung manchmal etwas zu schnell und unübersichtlich entwickelt. Insgesamt passt die visuelle Präsentation jedoch hervorragend zu den kosmischen Ambitionen der Reihe und vermittelt bereits einen Eindruck davon, welche Größenordnung die kommenden Konflikte erreichen könnten.

Fazit zu Storm 2:

Storm 2 setzt den Weg seines Vorgängers konsequent fort und zeigt, dass Marvel mit Ororo noch große Pläne hat. Die Geschichte wird zunehmend umfangreicher, die Bedrohungen werden gewaltiger und Storms Rolle im Marvel-Universum entwickelt sich in eine Richtung, die weit über ihre bisherigen Abenteuer hinausgeht. Besonders der sich anbahnende Donnerkrieg macht neugierig auf die Zukunft der Reihe und vermittelt das Gefühl, dass wir uns erst am Anfang einer deutlich größeren Geschichte befinden.

Leider bleibt dabei eine Schwäche bestehen, die mich bereits im ersten Band beschäftigt hat. Die Handlung ist stellenweise ziemlich verwirrend, und es fällt nicht immer leicht, den Überblick über die verschiedenen Ereignisse und Zusammenhänge zu behalten. Manchmal hätte ich mir gewünscht, dass sich die Geschichte etwas mehr Zeit nimmt, um ihre Entwicklungen verständlicher miteinander zu verbinden. Dadurch fällt es schwer, jede Wendung in vollem Umfang nachzuvollziehen, obwohl die grundsätzliche Richtung durchaus spannend ist.

Dennoch überwiegt für mich die Neugier auf das, was noch kommt. Storm 2 nimmt ungeahnt epische Ausmaße an und lässt erkennen, dass Marvel mit Ororo eine Geschichte erzählen möchte, die weit über ein gewöhnliches Superheldenabenteuer hinausgeht. Storm wird zunehmend in kosmische Konflikte hineingezogen, ohne dass ihre Bedeutung als eigenständige Figur verloren geht. Gerade dieser Ansatz macht die Reihe interessant, auch wenn die Erzählweise noch etwas mehr Klarheit vertragen könnte.

Unterm Strich ist Storm 2 eine Fortsetzung mit denselben Stärken und Schwächen wie der erste Band. Die Handlung kann verwirrend sein, doch die großen Ideen und die Aussicht auf eine noch epischere Zukunft machen Lust auf mehr. Wer sich auf die kosmische Entwicklung der Figur einlassen kann und kein Problem damit hat, nicht jeden Zusammenhang sofort zu durchschauen, dürfte hier auf seine Kosten kommen. Ich bin jedenfalls gespannt, wohin Ororos Reise noch führt, denn das Potenzial für etwas wirklich Großes ist definitiv vorhanden.

Logan gehört seit Jahrzehnten zu den faszinierendsten und zugleich tragischsten Figuren des Marvel-Universums. Als Mutant mit außergewöhnlichen Selbstheilungskräften, ausfahrbaren Adamantiumklauen und einem nahezu unzerstörbaren Skelett ist er ein gefährlicher Kämpfer, der selbst den härtesten Gegnern das Fürchten lehrt. Doch hinter der rauen Fassade des Einzelgängers verbirgt sich eine Figur, deren Leben von Verlusten, Gewalt und schmerzhaften Erinnerungen geprägt ist. Seine lange Lebensspanne hat ihn durch zahlreiche Epochen geführt und aus ihm einen Mann gemacht, der mehr erlebt hat, als die meisten Menschen überhaupt begreifen können.

Gerade Logans Vergangenheit macht ihn zu einer besonders spannenden Figur für eigenständige Geschichten. Ob als einsamer Wanderer, gnadenloser Krieger oder treuer Verbündeter der X-Men, seine Geschichte ist eng mit den dunkelsten Seiten der Menschheit und den Gefahren seiner eigenen Natur verbunden. Dabei ist es vor allem der Gegensatz zwischen seinem brutalen Ruf und den persönlichen Konflikten, die ihn antreiben, der Wolverine seit Generationen zu einem der beliebtesten Marvel-Charaktere macht. Nicht jede Erinnerung ist dabei eine, an die er gerne zurückdenkt, und längst nicht alle Geheimnisse seiner Vergangenheit lassen sich so einfach begraben.

Mit Logan – Schwarz, Weiß & Blut rückt Marvel genau diese Facetten des beliebten Mutanten in den Mittelpunkt und präsentiert eine besondere Reise durch verschiedene Momente seiner bewegten Geschichte. Wie der Titel bereits andeutet, setzt der Comic dabei auf eine außergewöhnliche visuelle Gestaltung, die sich auf Schwarz, Weiß und markante rote Farbakzente beschränkt. Ob sich dieser Comic damit aber lohnt, erfahrt ihr in dieser Kritik!

Danke an Panini für das Bereitstellen des Rezensionsexemplars!

Inhalt:

Logans langes Leben ist geprägt von gefährlichen Missionen und bewegten Zeiten. Ob als Soldat in den 1950er-Jahren, als Alkoholschmuggler nach dem Ersten Weltkrieg oder bei der Jagd auf einen Serienkiller in den 1970er-Jahren, der Mutant gerät immer wieder in brenzlige Situationen. Auch die Folgen des Waffe-X-Projekts, eine geheime Mission mit Carol Danvers sowie sein Leben als Farmer oder unter der Identität Patch in Madripoor gehören zu den vielen Stationen seiner bewegten Vergangenheit.

Eine Zusammenfassung der gesamten Geschichte lässt sich kaum schreiben. Das liegt daran, dass Logan – Schwarz, Weiß & Blut eine Anthologie mit zwölf verschiedenen Kurzgeschichten ist, die sich über sein gesamtes Leben erstrecken. Dabei liegt der Fokus weniger auf seiner Persona als Wolverine, sondern vielmehr auf Logan selbst, der nicht immer der Held war, als den wir ihn heute kennen. Überraschenderweise ist dabei jede einzelne Geschichte ein wirklich gelungener und vor allem visueller Einblick in Logans bewegte Vergangenheit. Ich hatte erwartet, dass die Qualität zwischen den einzelnen Geschichten variieren würde, doch jeder Abschnitt hat mir unglaublich gut gefallen.

Tiefe Storylines dürft ihr dabei natürlich nicht erwarten. Es sind eben Kurzgeschichten mit kleinen Einblicken, die nicht genug Zeit haben, sich vollständig zu entfalten. Das versucht der Comic aber auch gar nicht. Stattdessen wirkt er wie ein Schnelldurchlauf voller spannender Momente, die zusammen ein großes Gesamtbild davon zeichnen, wer Logan eigentlich ist. An Brutalität spart dabei keiner der Autoren, was die Natur des X-Men eindrucksvoll widerspiegelt. Eine fantastische Sammlung, die Fans der Figur viel Spaß bereitet und auch für alle interessant ist, die Logan erst noch für sich entdecken wollen.

Zeichnungen:

Die Zeichnungen … Oh mein Gott, die Zeichnungen sind wirklich fantastisch! Logan – Schwarz, Weiß & Blut greift das Konzept auf, mit dem Marvel Geschichten erzählt, die ausschließlich in Schwarz, Weiß und Rot gehalten sind. Dadurch ergeben sich zahlreiche kreative Möglichkeiten, die in diesem Comic hervorragend genutzt werden. Die einzelnen Geschichten stecken voller Panels, die aus dieser bewussten Einschränkung das Beste herausholen und regelrechte Kunstwerke erschaffen, die einem Charakter wie Logan mehr als gerecht werden.

Schon der Comic rund um seine Persona als Wolverine in diesem Format war klasse, doch bei Logan funktioniert das Konzept meiner Meinung nach sogar noch besser. Seine raue, kompromisslose Art passt hervorragend zur reduzierten Farbpalette und sorgt für beeindruckende Bilder, die ich mir wahrscheinlich deutlich länger angesehen habe, als ich ursprünglich vorhatte. Die Zeichnungen sind unglaublich kreativ, voller Energie und visuell abwechslungsreich. Allein wegen der künstlerischen Gestaltung ist dieser Comic einen Blick wert. Wirklich, wirklich großartig!

Fazit zu Logan – Schwarz, Weiß & Blut:

Logan – Schwarz, Weiß & Blut ist eine fantastische Sammlung für alle Fans des beliebten Mutanten. Die zwölf Kurzgeschichten bieten einen abwechslungsreichen Einblick in die verschiedenen Phasen seines langen Lebens und zeigen, wie vielseitig die Figur abseits ihrer bekannten Rolle als Wolverine sein kann. Auch wenn die einzelnen Geschichten aufgrund ihrer Kürze keine tiefgreifenden Handlungen entfalten können, gelingt es ihnen, spannende und unterhaltsame Momentaufnahmen aus Logans bewegter Vergangenheit zu präsentieren. Besonders positiv überrascht hat mich dabei, dass mich wirklich jede einzelne Geschichte überzeugen konnte.

Das absolute Highlight sind jedoch die Zeichnungen. Die Beschränkung auf Schwarz, Weiß und Rot wird von den verschiedenen Künstlern unglaublich kreativ genutzt und verleiht den Geschichten eine ganz eigene Atmosphäre. Die Panels sind teilweise echte Kunstwerke, die Logans brutale und zugleich tragische Natur perfekt einfangen. Gerade diese visuelle Gestaltung macht den Comic zu einem besonderen Erlebnis und sorgt dafür, dass man sich manche Seiten gerne etwas länger anschaut.

Wer eine zusammenhängende Geschichte mit viel Tiefgang erwartet, dürfte hier möglicherweise nicht ganz auf seine Kosten kommen. Wer hingegen spannende Kurzgeschichten, kompromisslose Action und außergewöhnliche Zeichnungen schätzt, bekommt mit Logan – Schwarz, Weiß & Blut eine rundum gelungene Sammlung. Für mich ist der Comic nicht nur eine unterhaltsame Reise durch Logans Vergangenheit, sondern auch ein visuelles Highlight, das ich jedem Fan der Figur ans Herz legen kann.

New York ist eine Stadt voller Verbrechen, Korruption und Gewalt. Während Daredevil und der Punisher beide gegen die dunklen Seiten der Metropole kämpfen, könnten ihre Vorstellungen von Gerechtigkeit kaum unterschiedlicher sein. Hinter der Maske von Daredevil verbirgt sich Matt Murdock, ein blinder Anwalt, der dank seiner außergewöhnlich geschärften Sinne nachts als maskierter Held durch Hell’s Kitchen zieht. Er glaubt daran, dass selbst die schlimmsten Verbrecher vor Gericht gestellt werden müssen, und weigert sich deshalb, seine Gegner einfach zu töten. Frank Castle, besser bekannt als Punisher, verfolgt dagegen einen deutlich kompromissloseren Ansatz. Nachdem er seine Familie durch brutale Gewalt verloren hat, führt er einen unerbittlichen Rachefeldzug gegen das Verbrechen. Für ihn sind tödliche Waffen und endgültige Konsequenzen legitime Mittel, um Kriminelle aufzuhalten.

Diese gegensätzlichen Überzeugungen machen die Begegnungen zwischen Daredevil und dem Punisher besonders reizvoll. Obwohl beide die Unschuldigen beschützen und Verbrecher zur Rechenschaft ziehen wollen, geraten sie immer wieder aneinander, sobald es um die Wahl ihrer Mittel geht. Während Daredevil an Recht und Moral festhält, sieht Castle wenig Sinn darin, gefährliche Täter am Leben zu lassen. Aus diesem Konflikt entstehen Geschichten, die weit über gewöhnliche Superheldenkämpfe hinausgehen und grundlegende Fragen nach Gerechtigkeit, Rache und moralischen Grenzen aufwerfen. Gerade weil keiner der beiden bereit ist, seine Überzeugungen leichtfertig aufzugeben, verspricht auch Daredevil/Punisher – Im Visier des Teufels eine spannende Auseinandersetzung zweier Männer, die zwar dasselbe Ziel verfolgen, aber völlig unterschiedliche Wege einschlagen.

Dass der Comic unter dem Label Marvel Knights erscheint, weckt zusätzliche Erwartungen. Das Ende der 1990er-Jahre ins Leben gerufene Label machte sich mit Geschichten einen Namen, die bekannte Marvel-Helden in einem düstereren, erwachseneren Umfeld präsentierten. Statt ausschließlich auf spektakuläre Kämpfe und klassische Superheldenaction zu setzen, standen häufig die psychologischen Konflikte der Figuren, moralische Grauzonen und die raue Realität hinter den Masken im Mittelpunkt. Besonders Daredevil und der Punisher passen mit ihren Geschichten zwischen Kriminaldrama und Superheldencomic hervorragend zu diesem Ansatz. Die Kombination aus ihren unterschiedlichen Weltanschauungen und dem traditionsreichen Marvel-Knights-Label macht Daredevil/Punisher – Im Visier des Teufels daher zu einer interessanten Veröffentlichung für alle, die düstere Marvel-Geschichten mit starken Charakterkonflikten schätzen.

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Inhalt:

Wenn Daredevil und der Punisher aufeinandertreffen, ist ein explosiver Konflikt vorprogrammiert. Während Frank Castle die mächtige Familie Gnucci ins Visier nimmt und seinen gnadenlosen Feldzug gegen das organisierte Verbrechen führt, droht Hell’s Kitchen zum Schauplatz einer verheerenden Auseinandersetzung zu werden. Zwischen brutaler Selbstjustiz und Daredevils unerschütterlichem Glauben an Gerechtigkeit prallen zwei völlig unterschiedliche Weltanschauungen aufeinander. Matt Murdock muss alles daransetzen, die eskalierende Gewalt einzudämmen, bevor der erbitterte Kampf das Viertel in Schutt und Asche legt.

Ich glaube, zur grundsätzlichen Ausgangslage muss ich euch nicht viel erzählen: Wenn Daredevil und der Punisher aufeinandertreffen, ist das einfach immer geil. Ohne Wenn und Aber. Die beiden sind zusammen so freaking cool und geraten von einem actionreichen Moment in den nächsten. Noch viel besser ist, dass die Geschichte unter dem Marvel-Knights-Banner erscheint. Dadurch sind die Autoren nicht an den Hauptkanon gebunden und können sich in ihrem eigenen Universum austoben. So richtig merkt man davon zwar nicht viel, weil das Ganze trotzdem wie eine klassische Rivalitätsgeschichte zwischen den beiden wirkt, aber hey, solange es brutal wird und die beiden mit ihren unterschiedlichen Ansichten aneinandergeraten, ist mir der Rest eigentlich egal.

Allerdings solltet ihr auch keine allzu tiefgründige Story erwarten. Geboten wird eine klassische Gangstergeschichte mit einer Prise Kritik am System, die bei Daredevil und dem Punisher ohnehin immer mitschwingt. Aber ganz ehrlich: Mehr brauche ich hier nicht. Es wäre zwar cool, wenn die Geschichte mal etwas Neues ausprobieren würde, aber ich sage auch nicht Nein, wenn Castle reihenweise Leute niedermäht und Matt durchgehend Aura farmt. Ein super Comic für Fans der beiden Figuren und für alle, die zumindest die Kreativität in den Panels zu schätzen wissen.

Zeichnungen:

Kreativität in den Panels ist hierbei genau das richtige Stichwort. Die Zeichnungen von Tommaso Bianchi in Daredevil/Punisher – Im Visier des Teufels sind so verdammt gut, dass mir die ziemlich oberflächliche Gangstergeschichte beinahe egal ist. Jedes Bild steckt voller Details, die Actionszenen sind großartig anzusehen und alles sprüht nur so vor kreativer Energie und Dynamik. Die Atmosphäre ist durchgehend düster und lässt dennoch Raum für Hoffnung. Die Geschichte ist brutal, bietet aber auch ruhigere Momente. Das ist einfach der perfekte Mix für einen solchen Comic, dessen Inszenierung hervorragend vermittelt, wie die beiden Figuren ticken. Auch die Farbwahl erinnert mich stark an die ursprüngliche Netflix-Serie von Daredevil, was natürlich immer ein gutes Zeichen ist.

Unterm Strich sind das großartige Zeichnungen für einen verdammt spaßigen Comic mit zwei der brutalsten Beschützer New Yorks. Wer Daredevil und den Punisher gerne gemeinsam in Aktion sieht und vor allem Wert auf dynamische, detailreiche Bilder legt, kommt hier voll auf seine Kosten.

Fazit zu Daredevil/Punisher – Im Visier des Teufels:

Daredevil/Punisher – Im Visier des Teufels ist genau die Art von Comic, die man sich von einem Aufeinandertreffen dieser beiden Marvel-Ikonen erhofft. Frank Castle und Matt Murdock geraten einmal mehr wegen ihrer völlig unterschiedlichen Vorstellungen von Gerechtigkeit aneinander, während die Geschichte mit reichlich Action und brutalen Konfrontationen aufwartet. Tiefgründige Charakterstudien oder eine besonders innovative Handlung sollte man dabei allerdings nicht erwarten. Die Gangstergeschichte bleibt eher oberflächlich und bedient sich vertrauter Elemente, die man von den beiden Figuren bereits kennt. Das ist zwar schade, fällt angesichts des hohen Unterhaltungswerts aber kaum ins Gewicht.

Das absolute Highlight sind ohnehin die Zeichnungen von Tommaso Bianchi. Die Panels stecken voller Details, die Actionszenen besitzen eine enorme Dynamik und die düstere Farbgebung erinnert stellenweise an die Daredevil-Serie von Netflix. Dabei gelingt es Bianchi, sowohl die Brutalität des Punishers als auch Daredevils Kampfgeist hervorragend einzufangen. Die visuelle Inszenierung verleiht dem Comic eine enorme Energie und macht selbst die vorhersehbareren Momente zu einem echten Hingucker.

Wer eine ausgeklügelte Geschichte mit überraschenden Wendungen sucht, dürfte deshalb eher enttäuscht werden. Wer hingegen Lust auf einen actionreichen Schlagabtausch zwischen Daredevil und dem Punisher hat und sich für ausdrucksstarke Zeichnungen begeistern kann, bekommt hier genau das Richtige. Daredevil/Punisher – Im Visier des Teufels erfindet das Zusammenspiel der beiden Figuren zwar nicht neu, macht aber verdammt viel Spaß und beweist, dass eine vertraute Geschichte mit der richtigen visuellen Umsetzung trotzdem überzeugen kann.

Kaum ein Marvel-Held ist so eng mit den mystischen Seiten des Universums verbunden wie Doctor Strange. Seit seinem ersten Auftreten hat sich Stephen Strange vom arroganten und brillanten Chirurgen zu einem der mächtigsten Magier der Erde entwickelt. Als Oberster Zauberer stand er über Jahre hinweg an der Spitze der mystischen Gemeinschaft und beschützte die Welt vor übernatürlichen Bedrohungen. Doch im Marvel-Universum bleibt selbst eine Position wie diese niemals für immer bestehen.

Spätestens seit dem Event Blood Hunt hat sich Stranges Status grundlegend verändert. Er ist nicht länger der Oberste Zauberer der Erde und muss sich damit in einer Welt zurechtfinden, in der seine bisherige Stellung nicht mehr dieselbe Bedeutung besitzt. Gleichzeitig hat Stephen Strange seine Verbindung zur mystischen Welt keineswegs verloren. Im Gegenteil: Während des Events Doom – Herrscher der Welt eröffnet sich für ihn eine neue, unerwartete Rolle, denn Strange wird zum Obersten Zauberer von Asgard. Damit verschiebt sich sein Wirkungsbereich und mit ihm die Ausgangslage für seine nächsten Abenteuer.

Genau an diesem Punkt setzt die neue Doctor Strange-Ära an und stellt die Figur vor eine interessante Ausgangssituation. Was bedeutet es für einen Helden, der jahrzehntelang als wichtigste magische Instanz der Erde galt, plötzlich eine völlig andere Position einzunehmen? Welche Möglichkeiten ergeben sich aus seiner neuen Verbindung zu Asgard und welche Herausforderungen warten auf den Meister der mystischen Künste? Der erste Band verspricht damit nicht nur ein neues Kapitel für Stephen Strange, sondern auch eine spannende Weiterentwicklung einer der ungewöhnlichsten Figuren des Marvel-Universums. Grund genug, einen genaueren Blick darauf zu werfen, wie sich Doctor Strange in seiner neuen Rolle schlägt.

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Inhalt:

Nachdem Dr. Strange seine Chance auf Rache an Dr. Doom verpasst hat, nimmt das Schicksal eine noch düsterere Wendung: Loki ermordet seinen eigenen Bruder Thor und reißt Midgard damit aus dem Gefüge der neun anderen Welten. Auf der Suche nach einem Ausweg verschlägt es Strange nach Alfheim, wo ein drohender Krieg zwischen Elfen und Engeln um einen geheimnisvollen Sarg eskaliert. Doch hinter dem Konflikt steckt eine weitaus größere Bedrohung, denn der finstere Zauberer Vyrbodin verfolgt einen gefährlichen Plan, der nicht nur Alfheim, sondern das Leben zahlloser Unschuldiger in allen Reichen in Gefahr bringt.

Ich habe bereits in den Event-Bänden gesagt, dass ich es super finde, Strange jetzt in dieser neuen Rolle als Oberster Zauberer von Asgard zu sehen. Das ist eine tolle Abwechslung und zeigt Stephen in einer ganz anderen Umgebung, die wir so nur selten gesehen haben. Umso mehr freut es mich, dass Angela in diesem Neustart an seiner Seite steht, da sie das krasse Gegenteil zu seinem Charakter darstellt. Dadurch gefällt mir die Dynamik der beiden Charaktere von Anfang an und ich sehe viel Potenzial darin, Strange hier noch stärker ausarbeiten zu können.

Weniger Potenzial sehe ich hingegen in der grundlegenden Geschichte. Irgendwie war mir alles zu sehr eine typische Asen-Heldengeschichte, auch wenn es zumindest cool ist, Doctor Strange einmal darin zu erleben. Insgesamt gab es aber einfach wenig Neues und auch an Kreativität hat es leider etwas gemangelt. Da tat es richtig gut, dass nach dem ersten Erzählbogen Doctor Strange (2025) 450 enthalten war. Dabei handelt es sich um einen Erzählabschnitt, der aus mehreren kleineren Geschichten besteht und etwas tiefer in die Historie des Arztes und Magiers eintaucht. Eine nette Dreingabe, die das Gesamtpaket abrundet und etwas von der generischen Hauptgeschichte ablenkt. Ich bin mir aber sicher, dass in dieser Reihe noch viel Cooles auf uns zukommen wird!

Zeichnungen:

Die Zeichnungen von Ivan Fiorelli in Doctor Strange 1 sind ehrlicherweise etwas unerwartet, und genau das hat mir richtig gut gefallen. Bei einer Göttergeschichte erwarte ich Werke, die mich an alte Sagen erinnern, während ich bei Doctor Strange eher ernste und stark schattierte Bilder vor Augen habe, wie wir sie bereits aus der vorherigen Reihe kennen. Irgendwie erinnert der gesamte Stil hier aber eher an einen Cartoon und ich muss ehrlich sagen: Ich liebe das so sehr.

Der Stil passt auch richtig gut zu dieser Neuausrichtung und gibt dem Comic den Vibe einer Kindererzählung. Das ist keineswegs lächerlich gemeint, sondern vielmehr als Kompliment, da die Art der Sage zwischen Gut und Böse dadurch hervorragend inszeniert wird. Ich hatte auf jeden Fall viel Tolles zu sehen und hoffe sehr, dass es in diesem Stil weitergeht.

Fazit zu Doctor Strange 1:

Als Fazit lässt sich sagen, dass Doctor Strange 1 einen interessanten neuen Weg für Stephen Strange einschlägt. Die Rolle als Oberster Zauberer von Asgard bietet viel frisches Potenzial und sorgt dafür, dass sich die Figur in einer ungewohnten Umgebung beweisen muss. Besonders die Zusammenarbeit mit Angela gefällt mir dabei sehr gut, da beide Charaktere kaum unterschiedlicher sein könnten und bereits im ersten Band eine spannende Dynamik entwickeln.

Inhaltlich bleibt der Auftakt allerdings etwas hinter seinen Möglichkeiten zurück. Die Geschichte funktioniert zwar und macht Spaß, orientiert sich dabei aber stark an bekannten Fantasy- und Asen-Motiven. Wirklich große Überraschungen oder besonders kreative Ideen bleiben dadurch leider aus. Glücklicherweise lockern die zusätzlichen Geschichten aus Doctor Strange (2025) 450 das Gesamtpaket auf und geben gleichzeitig einen schönen Einblick in die Vergangenheit der Figur.

Dafür können die Zeichnungen umso mehr überzeugen. Ivan Fiorelli verleiht dem Band einen ungewöhnlichen, fast schon cartoonhaften Stil, der hervorragend zur neuen Ausrichtung passt und die Geschichte wie eine moderne Sage wirken lässt. Dadurch bekommt Doctor Strange 1 eine ganz eigene Atmosphäre, die mir persönlich ausgesprochen gut gefallen hat.

Unterm Strich ist Doctor Strange 1 damit ein solider und vor allem vielversprechender Neustart. Auch wenn die erste Geschichte noch etwas zu generisch ausfällt, gefällt mir die neue Richtung rund um Asgard, Angela und Stranges veränderte Rolle ausgesprochen gut. Der Band legt damit eine interessante Grundlage, und ich bin gespannt, welche Möglichkeiten die Reihe aus dieser ungewöhnlichen Ausgangssituation noch herausholen wird.

Mit dem neuen Ultimate Universe hat Marvel vor einigen Jahren einen mutigen Neustart gewagt. Nachdem das ursprüngliche Ultimate Universe lange Zeit eine moderne und eigenständige Interpretation der bekannten Marvel-Helden geboten hatte, entstand mit Ultimate Invasion eine völlig neue Welt mit eigenen Regeln, neuen Hintergründen und überraschenden Veränderungen. Seitdem wird dieses Universum Stück für Stück erweitert und erhält mit Reihen wie Ultimate Spider-Man und Ultimate Wolverine immer mehr eigenständige Geschichten, die bekannte Figuren in einem völlig neuen Licht zeigen.

Eine zentrale Rolle bei diesem großen Neuaufbau spielen dabei die Ultimates. Die Reihe steht sinnbildlich für den Anspruch des neuen Ultimate Universe, nicht einfach bekannte Marvel-Geschichten neu zu erzählen, sondern eine eigene Entwicklung zu verfolgen. Mit den bisherigen Bänden wurden wichtige Grundlagen geschaffen und immer deutlicher gemacht, dass die verschiedenen Ereignisse dieses Universums nicht isoliert voneinander betrachtet werden können. Stattdessen entsteht nach und nach ein größeres Gesamtbild, auf das die bisherigen Geschichten hingearbeitet haben.

Mit Ultimates 3 nähert sich dieses ambitionierte Projekt nun seinem bisherigen Höhepunkt. Was mit dem Neustart des Ultimate Universe begann und sich über mehrere Reihen hinweg stetig weiterentwickelt hat, läuft zunehmend zusammen und verspricht eine besonders wichtige Phase für dieses noch junge Marvel-Universum. Wie überzeugend dieser langfristige Aufbau funktioniert und ob Ultimates 3 den Erwartungen gerecht wird, soll an dieser Stelle noch nicht vorweggenommen werden. Fest steht jedoch: Der dritte Band kommt zu einem Zeitpunkt, an dem das neue Ultimate Universe spannender denn je ist und damit beste Voraussetzungen für eine genauere Betrachtung bietet.

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Inhalt:

Mit Ultimates 3 geht die Geschichte des neuen Ultimate Universe für mich endgültig in eine Richtung, in der sich die bisherigen Ereignisse immer stärker zuspitzen. Tony Stark weiß, dass die Zeit knapp wird und sein Team einen Gang höher schalten muss, wenn sie überhaupt eine Chance gegen die Macht des Makers haben wollen. Während die Ultimates an verschiedenen Fronten gegen die Unterdrückung dieser Welt kämpfen, treffen dabei völlig unterschiedliche Konflikte aufeinander. Tony und America Chavez nehmen es mit einer Basis von Red Skull auf, Captain America und Hawkeye stellen sich einem skrupellosen Konzernriesen entgegen und Iron Lad sowie She-Hulk bekommen es mit Hulk und seiner eigenen Kung-Fu-Armee zu tun. Und über allem steht weiterhin der Schattenrat, der seine Kontrolle über die Welt mit zahlreichen Agenten absichert.

Was mir an Ultimates 3 besonders gefällt, ist, dass sich die Reihe inzwischen überhaupt nicht mehr zurückhält. Bereits die ersten beiden Bände waren politisch, brutal und teilweise ziemlich kompromisslos, aber hier habe ich noch stärker das Gefühl, dass die Handlung auf einen großen Höhepunkt zusteuert. Die einzelnen Geschichten fühlen sich nicht mehr nur wie interessante Ausflüge in dieses neue Universum an, sondern wie wichtige Bausteine eines immer größer werdenden Konflikts. Dadurch hatte ich beim Lesen ständig das Gefühl, dass hinter der nächsten Seite schon wieder etwas völlig Unerwartetes passieren könnte.

Dabei sind es erneut die Neuinterpretationen der bekannten Helden, die für mich einen großen Teil des Reizes ausmachen. Ich finde es nach wie vor beeindruckend, wie viel Freiheit sich die Autoren bei diesen Versionen nehmen. Diese Figuren sind nicht einfach nur bekannte Marvel-Helden mit einem neuen Kostüm, sondern bekommen völlig andere Hintergründe, Motivationen und Beziehungen. Besonders schön finde ich, dass sich diese Ideen inzwischen immer stärker miteinander verbinden und man dadurch das Gefühl bekommt, dass hier tatsächlich ein eigenes Universum entsteht, das nicht ständig auf seine Vorbilder angewiesen ist.

Auch die verschiedenen Konflikte haben mir wieder richtig gut gefallen. Die Geschichte springt zwischen politischen Machtspielen, persönlichen Auseinandersetzungen und völlig eskalierenden Actionsequenzen hin und her, ohne dabei ihren roten Faden zu verlieren. Gerade diese Mischung macht Ultimates 3 für mich so spannend. Ich weiß nie genau, ob mich auf den nächsten Seiten eine politische Intrige, ein emotionaler Moment oder einfach ein komplett verrückter Kampf erwartet. Und genau diese Unberechenbarkeit ist für mich eine der größten Stärken der Reihe.

Natürlich ist auch dieser Band nicht frei von Schwächen. Durch die Vielzahl an Figuren und Handlungssträngen kann manches etwas überladen wirken und einige Entwicklungen hätten für meinen Geschmack noch etwas mehr Raum verdient. Trotzdem stört mich das hier weniger als bei vielen anderen Comics. Die Geschichte hat mittlerweile so viel Fahrt aufgenommen, dass ich lieber zu viel als zu wenig bekomme. Gerade weil sich die Handlung immer stärker auf den großen Konflikt mit dem Maker zubewegt, bin ich eher gespannt darauf, welche Konsequenzen all diese Entwicklungen noch haben werden.

Zeichnungen:

Auch optisch bleibt Ultimates 3 dem Stil der vorherigen Bände treu. Die Zeichnungen wirken weiterhin modern, detailliert und teilweise angenehm düster. Besonders die Action kann mich wieder überzeugen, denn die Kämpfe haben eine enorme Wucht und wirken durch die vielen Bewegungen und Perspektiven richtig dynamisch. Gerade bei den härteren Auseinandersetzungen merkt man, dass sich die Reihe inzwischen immer stärker traut, ihre Welt auch visuell brutal darzustellen.

Was mir dabei besonders gefällt, ist die Darstellung der verschiedenen Versionen der bekannten Figuren. Die Designs wirken vertraut genug, damit man sofort erkennt, wen man vor sich hat, gleichzeitig unterscheiden sie sich aber deutlich von ihren klassischen Gegenstücken. Genau das ist für mich ein wichtiger Punkt des neuen Ultimate Universe. Es wird nicht einfach versucht, die bekannten Marvel-Figuren möglichst nah an ihren Originalen darzustellen, sondern ihnen ein eigenes visuelles Gesicht zu geben.

Allerdings bleibt auch hier eine kleine Schwäche bestehen. Trotz der teilweise wirklich starken Panels wirkt der Zeichenstil zwischendurch etwas generisch. Einige Dialogszenen sind visuell weniger spannend als die großen Actionmomente und hätten meiner Meinung nach etwas mehr kreative Bildsprache vertragen können. Dafür entschädigen die großen Szenen mit einer Bildgewalt, die gerade gegen Ende des Bandes immer stärker zum Tragen kommt.

Insgesamt gefällt mir die visuelle Entwicklung aber sehr gut. Die düstere Atmosphäre passt hervorragend zu dieser Version des Marvel-Universums und die zunehmende Brutalität der Handlung wird auch in den Zeichnungen spürbar. Wenn die Ultimates auf ihre Gegner treffen, fühlt sich das nicht wie ein sauber choreografierter Superheldenkampf an, sondern teilweise wie ein echter Krieg. Genau diese Härte passt für mich perfekt zu dem Weg, den die Reihe inzwischen eingeschlagen hat.

Fazit zu Ultimates 3:

Ultimates 3 führt die bisherigen Stärken der Reihe konsequent weiter und zeigt gleichzeitig, dass sich die Geschichte immer stärker ihrem großen Höhepunkt nähert. Die Handlung wird brutaler, dramatischer und unberechenbarer, ohne dabei die kreativen Ideen aus den Augen zu verlieren. Genau diese Mischung hat mir wieder besonders gut gefallen.

Vor allem die Neuinterpretationen der bekannten Helden bleiben für mich der größte Pluspunkt. Ich mag es einfach, wie viel Freiheit sich die Reihe nimmt und wie konsequent sie neue Wege mit den Figuren geht. Dazu kommen politische Konflikte, überraschende Wendungen und teilweise völlig verrückte Action, die dafür sorgen, dass ich nie genau weiß, was als Nächstes passiert.

Auch wenn die vielen Handlungsstränge manchmal etwas überladen wirken und die Zeichnungen nicht immer ganz so kreativ sind, überwiegt für mich klar das Positive. Ultimates 3 fühlt sich wie ein wichtiger Schritt auf dem Weg zum großen Showdown mit dem Maker an und macht dadurch umso mehr Lust auf das nächste Kapitel.

Unterm Strich bleibt Ultimates für mich eine der spannendsten aktuellen Marvel-Reihen. Sie traut sich etwas, denkt bekannte Figuren neu und hält sich weder bei ihren Ideen noch bei der Brutalität zurück. Genau deshalb freue ich mich schon jetzt darauf zu sehen, wie diese Geschichte ihren großen Höhepunkt erreicht.

Spider-Man gehört seit Jahrzehnten zu den bekanntesten und beliebtesten Figuren des Marvel-Universums. Während Peter Parker längst auf eine riesige Comicgeschichte zurückblicken kann, ist Spider-Boy im Vergleich dazu ein echter Neuling. Erst vor wenigen Jahren eingeführt, musste sich der junge Held seinen Platz in einer Welt erkämpfen, die bereits von zahlreichen Spider-Helden bevölkert wird. Trotzdem ist es ihm gelungen, sich mit seinem eigenen Kostüm, seinen besonderen Fähigkeiten und vor allem seiner eigenwilligen Persönlichkeit von seinen zahlreichen Spinnenkollegen abzuheben.

Eine wichtige Rolle spielt dabei natürlich seine Beziehung zu Spider-Man. Peter Parker ist für Spider-Boy nicht einfach nur irgendein anderer Held mit ähnlichen Fähigkeiten, sondern eine zentrale Figur in seinem Leben. Gleichzeitig bietet diese Verbindung die Möglichkeit, den bekannten Spider-Man-Kosmos aus einer etwas anderen Perspektive zu betrachten. Während Peter bereits seit Jahren mit den Herausforderungen eines Superheldenlebens vertraut ist, befindet sich Spider-Boy noch am Anfang seiner eigenen Reise. Gerade dieser Kontrast zwischen dem etablierten Spider-Man und seinem deutlich jüngeren Partner verleiht den Geschichten um Spider-Boy einen besonderen Reiz.

Nun steht allerdings ein wichtiger Moment für den jungen Netzschwinger bevor: Spider-Boy 4 bildet das Ende des derzeitigen Runs. Damit bietet der Band nicht nur die Gelegenheit, erneut in die Abenteuer des noch jungen Helden einzutauchen, sondern markiert zugleich einen vorläufigen Abschluss seiner bisherigen Entwicklung. Für eine Figur, die noch relativ frisch im Marvel-Universum ist, ist das ein interessanter Zeitpunkt, um zurückzublicken und zu sehen, welchen Weg Spider-Boy bislang zurückgelegt hat. Ob der Abschluss des aktuellen Runs seinem ungewöhnlichen Helden gerecht wird und welchen Eindruck seine bisherige Reise hinterlässt, zeigt sich in der folgenden Kritik.

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Inhalt:

Bailey Briggs alias Spider-Boy bekommt es in seinem letzten Abenteuer des aktuellen Runs gleich mit mehreren Problemen zu tun. Nicht nur muss sich der junge Held mit seinem eigenen Doppelgänger Boy-Spider und dem gefährlichen Mr. Negative auseinandersetzen, auch seine eigene Arroganz wird ihm zunehmend zum Verhängnis. Als dann auch noch Deadpool und Kidpool auftauchen und letzterer ausgerechnet Spider-Man ins Visier nimmt, ist das Chaos endgültig perfekt. Für Bailey bedeutet das einmal mehr, dass er sich zwischen großen Gefahren, verrückten Marvel-Figuren und seinen ganz eigenen Problemen behaupten muss.

Was mir an Spider-Boy 4 besonders gefallen hat, ist, dass der Comic die Entwicklung aus dem vorherigen Band konsequent weiterführt. Bailey ist inzwischen nicht mehr einfach nur der vergessene junge Held, der versucht, seinen Platz im Marvel-Universum zu finden. Er hat mittlerweile eine eigene Persönlichkeit, eigene Probleme und vor allem eigene Beziehungen zu anderen Figuren. Gerade seine Arroganz spielt dabei eine interessante Rolle, weil sie zeigt, dass Bailey eben noch ein Kind beziehungsweise Jugendlicher ist, der mit seinen Fähigkeiten und seiner Rolle als Superheld erst noch richtig umgehen lernen muss.

Dabei bleibt der Comic seinem sehr lockeren und teilweise völlig durchgedrehten Humor treu. Gerade die Kombination aus Spider-Boy, Boy-Spider, Mr. Negative, Deadpool und Kidpool sorgt für eine Menge verrückter Situationen. Besonders Deadpool und Kidpool passen hervorragend in dieses ohnehin schon chaotische Abenteuer und bringen noch einmal eine ganz andere Dynamik in Baileys Geschichte. Natürlich ist das alles nicht besonders tiefgründig und manche Entwicklungen werden eher angerissen, als wirklich ausführlich behandelt. Für mich funktioniert das hier aber trotzdem ziemlich gut, weil der Comic genau weiß, was er sein möchte.

Was ich besonders schön finde, ist die Tatsache, dass Spider-Boy 4 noch einmal zeigt, wie weit sich die Serie seit ihren ersten Ausgaben entwickelt hat. Die ersten beiden Bände hatten für mich noch das Problem, dass man nicht so recht wusste, was man eigentlich mit Bailey anfangen möchte. Inzwischen fühlt er sich deutlich mehr wie ein eigener Marvel-Held an. Natürlich bleibt seine Verbindung zu Spider-Man bestehen, doch mittlerweile braucht der Comic diese Verbindung nicht mehr, um interessant zu sein. Bailey kann seine eigenen Geschichten tragen und genau das ist für mich die größte Stärke dieses Abschlusses.

Natürlich ist auch dieser Band nicht frei von den Schwächen der Vorgänger. Die Geschichte bleibt relativ simpel, manche Figuren hätten deutlich mehr Raum verdient und durch die Vielzahl an bekannten Charakteren wirkt manches stellenweise etwas überladen. Trotzdem hatte ich beim Lesen wieder deutlich mehr Spaß als bei den ersten beiden Bänden. Vor allem als Abschluss des aktuellen Runs funktioniert der Comic für mich richtig gut, weil er noch einmal all das zusammenbringt, was Spider-Boy inzwischen ausmacht.

Zeichnungen:

Auch bei den Zeichnungen bleibt Spider-Boy 4 seinem bisherigen Stil vollständig treu. Der angenehm verspielte und farbenfrohe Look passt weiterhin hervorragend zu Bailey und seiner Welt. Die Zeichnungen wirken bewusst etwas leichter und kindlicher, ohne dabei billig auszusehen. Gerade im Vergleich zu vielen anderen Marvel-Comics entsteht dadurch eine ganz eigene Atmosphäre, die Spider-Boy optisch sehr gut von anderen Serien unterscheidet.

Besonders die Figuren profitieren erneut von diesem Stil. Bailey wirkt durch seine ausdrucksstarke Mimik und die dynamischen Bewegungen sehr lebendig und genau das unterstützt den humorvollen Charakter der Geschichte. Auch die zahlreichen absurden Situationen werden durch die Zeichnungen noch einmal verstärkt. Gerade bei Deadpool und Kidpool darf es natürlich etwas verrückter werden und der Zeichenstil bietet dafür die passende Grundlage.

Trotzdem bleibt auch hier das Problem bestehen, dass ich mir stellenweise etwas mehr Abwechslung gewünscht hätte. Der Stil funktioniert hervorragend für die Serie, geht aber nur selten wirklich über das hinaus, was man bereits aus den vorherigen Bänden kennt. Gerade weil dies das Ende des aktuellen Runs ist, hätte ich mir an einigen Stellen noch ein paar besonders spektakuläre Panels gewünscht. Das ist allerdings eher ein Wunsch nach etwas mehr als ein wirklicher Kritikpunkt, denn insgesamt passt die visuelle Gestaltung weiterhin sehr gut zu Spider-Boy.

Unterm Strich bleibt der Zeichenstil eine der Konstanten der Reihe. Er ist verspielt, zugänglich und voller kleiner Details, die Baileys Abenteuer lebendig wirken lassen. Gerade für einen Charakter wie Spider-Boy ist diese Leichtigkeit meiner Meinung nach genau die richtige Wahl.

Fazit zu Spider-Boy 4:

Spider-Boy 4 ist für mich ein richtig schöner Abschluss des aktuellen Runs geworden und zeigt noch einmal sehr deutlich, wie viel sich die Serie seit ihren ersten Ausgaben entwickelt hat. Während ich mit den ersten beiden Bänden noch so meine Probleme hatte, fühlt sich Bailey Briggs inzwischen wie ein eigenständiger Marvel-Held an. Er ist nicht mehr einfach nur ein weiterer Charakter, der über seine Verbindung zu Spider-Man definiert wird, sondern besitzt mittlerweile seine ganz eigene Persönlichkeit, seine eigenen Probleme und vor allem seine eigenen Geschichten.

Gerade das macht den Abschluss für mich so gelungen. Bailey darf weiterhin ein etwas arroganter, chaotischer und manchmal überforderter junger Held sein, muss sich aber gleichzeitig mit seinen eigenen Fehlern auseinandersetzen. Dazu kommen mit Boy-Spider, Mr. Negative, Deadpool und Kidpool einige Figuren, die ordentlich Chaos in die Handlung bringen. Die Geschichte bleibt dadurch angenehm verrückt und unterhaltsam, ohne plötzlich zu versuchen, mehr zu sein, als sie sein möchte. Tiefgang sollte man hier zwar weiterhin nicht erwarten, dafür hatte ich mit dem Abenteuer durchgehend meinen Spaß.

Auch die Zeichnungen bleiben eine der großen Konstanten der Reihe. Der verspielte, farbenfrohe und leicht zugängliche Stil passt hervorragend zu Bailey und verleiht der Serie weiterhin ihren eigenen Charme. Ich hätte mir zwar gerade für das Ende des Runs noch den einen oder anderen visuell spektakuläreren Moment gewünscht, insgesamt funktioniert die Gestaltung aber erneut sehr gut und unterstützt den humorvollen Ton der Geschichte.

Für mich ist Spider-Boy 4 deshalb ein durchaus gelungener Abschluss. Der Band löst nicht plötzlich alle Schwächen der Reihe auf und auch hier wäre an einigen Stellen noch mehr möglich gewesen. Trotzdem hinterlässt er bei mir vor allem ein positives Gefühl, weil er noch einmal unter Beweis stellt, dass Spider-Boy inzwischen seinen eigenen Platz im Marvel-Universum gefunden hat. Genau das war für mich die wichtigste Entwicklung der bisherigen Reihe. Aus einer Figur, bei der ich anfangs noch nicht so recht wusste, was man mit ihr anfangen möchte, ist ein eigenständiger und sympathischer Held geworden, dessen weitere Abenteuer ich tatsächlich gerne verfolgen würde. Sollte es irgendwann mit Spider-Boy weitergehen, bin ich daher definitiv gespannt darauf, wohin Bailey als Nächstes schwingen darf.